Interviste

Cadaveria

Written by • 28 Aprile 2015• Interviste

L’oscura signora torna su Rockambula. E’ lei, Cadaveria, una vera e propria icona del Metal estremo tricolore. Con grande onore abbiamo il piacere di ospitarla ancora una volta sulle nostre pagine. Dovete solo gustarvi questa interessantissima intervista che nasconde delle chicche non indifferenti.

Ciao Cadaveria e bentornata su Rockambula. Direi di cominciare l’intervista parlando del sound di Silence, che pare non sia più eccessivamente aggressivo come gli inizi ma abbia trovato un certo equilibrio tra diversi elementi, quali riff, assoli ed atmosfere. Ma precisamente quale era la tua prima idea di comporre il disco e sei riuscita nell’ intento a parer tuo?
Non c’era un’idea precisa, o meglio non ce n’era solo una. Testi e musica sono stati concepiti separatamente. Fin da subito il mio intento è stato quello di rendere al meglio le atmosfere e i significato dei testi, così come l’idea di Dick Laurent, autore dei riff, era quella di tradurre in musica i suoi istinti e i suoi incubi. La volontà unanime era di migliorarci, di creare delle canzoni e non solo un susseguirsi di riff, di osare, senza tradire la nostra natura. L’equilibrio di cui parli è probabilmente il risultato di un lavoro accurato svolto sia in fase creativa che di produzione. Abbiamo cercato di miscelare al meglio testi e musica e abbiamo dedicato molta attenzione alla costruzione della struttura dei brani, creando in alcuni casi qualcosa di più ordinato ed orecchiabile con dei veri e propri ritornelli. La pre-produzione ci ha permesso di valutare fin da subito l’economia dei pezzi, che abbiamo man mano migliorato con tagli, aggiunte, cambi di tonalità, arrangiamenti, volti a dare forma ad un prodotto armonioso. In fase di registrazione abbiamo scelto un sound un po’ vintage, che fa suonare l’album fresco e schietto, e abbiamo curato moltissimo il mixaggio. In effetti siamo molto soddisfatti perché ogni strumento o sovra incisione è perfettamente percepibile e altrettanto ben amalgamata.

Quali sono le tematiche che tocchi nel disco e c’è qualche argomento a cui tieni particolarmente?
Per Silence ho pescato molto dalla mia memoria, dal presente e dal passato remoto. Protagonisti sono i miei sentimenti, i miei pensieri, riflessioni su temi quali l’esistenza, la morte, il destino beffardo, l’uso che facciamo del tempo in questa vita. Sono particolarmente legata al brano “Death Again”, che ho scritto in ricordo di un mio amico, morto improvvisamente due anni fa.

Paragonando The Shadow’s Madame con Silence: quali sono le principali differenze?
Ci sono tante differenze dovute principalmente al fatto che sono passati dodici anni tra il primo e il quinto album, e in questi anni siamo cresciuti come musicisti e come persone. Non mi guardo mai indietro, quindi per me è difficile fare un paragone dettagliato. Quello che ero allora non sono più, ma allo stesso tempo sono la stessa persona perché ho conservato i valori che avevo, che anzi sono diventati più forti. Allo stesso modo Silence è un’altra cosa da The Shadows’ Madame, però l’anima è la stessa. E’ come se con Far Away From Conformity, In Your Blood e Horror Metal avessimo sfogato in musica le varie declinazioni della creatura CADAVERIA. Con Silence abbiamo chiuso il cerchio, raggiunto un punto fermo che però è anche il punto di inizio per il futuro.

Ho trovato molto interessante anche l’artwork e la scelta dei colori. Perchè quel giullare? E di chi è la creazione?
Ho sempre vissuto la dimensione del circo e dei luna park con una certa apprensione, tristezza, nostalgia. Questi sapori si respirano nella grafica di Silence. Il giullare è colui che sa ma non rivela e invita al silenzio, alla meditazione e all’ascolto, è il destino che si prende gioco di noi cambiandoci le carte in tavola continuamente durante la vita. Ho sviluppato l’idea iniziale del giullare e del circo/luna park e ho chiesto a Christian Melfa, artista genovese che ho conosciuto attraverso internet e subito apprezzato, di realizzarla. Nonostante l’artwork sembri un disegno, in verità siamo partiti da una foto reale, comprando il costume, realizzando la maschera etc. E’ tutto molto inquietante e ci piace!

Delle fasi di registrazione e di missaggio cosa ci racconti? Dove, come e con chi si sono svolte?
Abbiamo suddiviso le registrazioni tra Piemonte, Liguria e Sardegna, che sono le regioni di appartenenza dei componenti della band. Questo ha permesso ad ognuno di noi di curare agevolmente le registrazioni del proprio strumento. Non abbiamo coinvolto nessun produttore esterno: da sempre ci facciamo i dischi da soli, grazie all’esperienza maturata negli anni e al fatto che abbiamo studi di nostra proprietà. Dick Laurent ed io abbiamo curato il missaggio, Killer Bob il mastering, insomma Silence è un album CADAVERIA al 100%.

Durante i tuoi tour avrai sicuramente avuto modo di conoscere qualche band emergente, c’è qualcuna che ti ha colpita in questo ultimo periodo?
Purtroppo quando suoni per ultimo ad un concerto sei in camerino a prepararti mentre gli altri suonano e non hai modo di apprezzare eventuali nuovi talenti. Anzi devo dirti che dal camerino suona sempre tutto un gran casino, quindi mi spiace non riesco a farti nessun nome.

Per la creazione di Silence sei stata anche influenzata da qualche tipo di sound o genere musicale che ultimamente hai ascoltato?
Silence e la musica dei CADAVERIA in generale abbraccia molti generi, perché diversi sono i gusti e il background musicale di noi cinque. Personalmente sono amante delle cose complicate e ben fatte (Tool per intenderci). Ultimamente mi sono avvicinata allo Stoner e da sempre amo il Doom.

Sei a lavoro per qualche video? Come vi state muovendo?
E’ in cantiere il video clip di “Strangled Idols”, ultimo brano in scaletta di Silence. Abbiamo già girato l’80% delle immagini, ma ultimamente ho avuto un ripensamento dovuto alla natura di alcune scene, che sono iconoclasticamente un po’ troppo forti e potrebbero crearci dei problemi. Vedremo di mitigarle con altro materiale ancora da girare in marzo, dopodiché passeremo al montaggio. Sta diventando una produzione un po’ lunga, ma del resto vogliamo riflettere bene sul da farsi e comunque in questi mesi tra interviste ed organizzazione di live siamo stati presi da altre cose e solo dopo il festival in Russia, che si terrà l’8 marzo, riusciremo a rimetterci mano.

Per quanto riguarda il tour cosa ci dici, dove suonerai nei prossimi giorni? Stai ricevendo anche qualche proposta per festival estivi?
Guarda i festival estivi sono blindatissimi, le line up vengono decise un anno prima e sinceramente mi sono rotta di bussare a porte che non si apriranno mai (a meno che non paghi!). Andiamo fortissimo in Messico e lì torneremo in aprile. Sempre in aprile faremo date in Italia a cominciare dal 10: toccheremo Brescia, Busto Arsizio, Genova e Torino. Altre arriveranno più avanti, spero anche in centro e sud Italia. Abbiamo stretto una partnership con la tedesca Agentum EAM per vedere di smuovere qualcosa anche nel resto d’Europa. Vediamo che succede.

Bene Cadaveria, l’ intervista si chiude qui. Concludi a tuo piacere…
Grazie Vincenzo per questo spazio dedicato ai CADAVERIA. Saluto tutti i lettori e li invito all’ascolto di Silence nonché a raggiungerci nei locali in cui suoneremo per godere un po’ di sano horror metal! Le date le trovate qui: http://www.cadaveria.com/web/tour/

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La Scimmia

Written by • 27 Aprile 2015• Interviste

Silvio “Don” Pizzica ha incontrato Lorenzo Faustini, la mente dietro al progetto capitolino La Scimmia. Alla scoperta di un modo di concepire il fare musica, autenticamente antico ma avanguardistico nel suo recupero della totale libertà espressiva.

Ciao Lorenzo. Tu sei voce e parole dietro al progetto Indie cantautorale La Scimmia. Nella realtà dei fatti la tua è una band, un progetto aperto o cos’altro?

È un continuo divenire. Cago canzoni come se fosse un bisogno fisiologico; chi mi sta vicino suona con me.

Perchè La Scimmia? Perchè questo nome? Cosa nasconde e cosa vorrebbe evocare?

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La Scimmia è una brace d’estate, carne con l’osso e vino rosso, chi più ne ha più ne dia; è un elogio alla terra e una bestemmia contro un Dio alieno spazzino.

Da quale esigenza nasce la tua voglia di fare musica? Cosa puoi aggiungere al panorama indipendente italiano?

Non voglio aggiungere nulla. Mi trovo a far musica ridotta all’osso, senza campionamenti e scopiazzatura. Sono quello che hai visto, mi sento di rischiare ma non mi va di mentire; mi piacerebbe che l’indi andasse verso l’essenziale senza cercare di scimmiottare la musica pop commerciale delle major. In questo mi sento di aggiungere qualcosa. Togliendo; forse.

Ho visto qualcosa difficile da inquadrare. Minimale come dici tu ma comunque pieno di sé. Come descriveresti la tua musica e un tuo spettacolo senza usare etichette?

Un buon connubio tra fumo e arrosto; ha il sapore delle canzoni suonicchiate dai nostri padri in vacanza in Grecia.

Bella definizione. Ascoltandoti mi è sembrato di notare una certa attenzione ai testi e ad un atteggiamento sarcastico e irriverente. Non credi però che in Italia si dia poca importanza alla musica, nella sua parte strumentale?

Si. Ascolto prettamente musica italiana quindi non saprei dirti. Chi ha curiosità vince sempre.

Torniamo al discorso su major e musica “commerciale”. Ormai le differenze stilistiche tra Indie Pop e musica leggera sono minime. Stanno cambiando i gusti del pubblico “alternativo” o il tutto è da ricercarsi in precise scelte di mercato volte a coprire diverse fette di fruitori con il minimo sforzo e con prodotti simili?

Maledizione spero di no. Ascolto musica che mi da emozione e quasi sicuramente rime semplici come cuore/amore non mi interessano; devo poter ascoltare Franco Califano come gli Antony Laszlo, ma la cosa fondamentale è che quello che hanno da dire non sia costruito per arrivare. La mia canzone nasce e muore in un ora, 4 sigarette, e mezzo vino. Nuda e cruda è l’esigenza di un momento, quasi uno spasmo non controllato dei muscoli; quindi non faccio distinzione tra commerciale e non commerciale se non è passione è solo merda.

Domanda difficile. O almeno ci provo. Perché qualcuno dovrebbe ascoltare La Scimmia?

La Scimmia è un esistenza romana in zona Divino Amore. È una storia raccontata al bar mentre si sfidano i vecchi a tresette. Si può ascoltare come no.

Torniamo alla musica italiana, tua vera passione. Qual è l’ultimo vero talento in musica spuntato nel nostro paese?

Gli Antony Laszlo etichettati Inri. Mi è piaciuto anche l’album Ecce Homo di Andrea Laszlo de Simone che fa parte del duo ma gli Antony Laszlo sono decisamente più fruibili. Iosonouncane è la scoperta dell’acqua calda ma con Die è in leggero calo. Il Capra (ex Gazebo Penguins); John de Leo con Grande Abarasse ha toccato vette cosmiche. Me ne piacciono tanti.

Parliamo della tua polemica con Borghese. Hai criticato con durezza un suo brano e a lui non sono piaciuti i tuoi toni. Pensi sia impossibile essere sinceri e senza ipocrisia tra “colleghi” o il problema sta solo nelle modalità della critica? Il limite tra “fascismo”, come l’ha chiamato lui, e libertà d’opinione è tutto nel rispetto e nella forma?

La libertà non è star sopra un albero, non è nemmeno il volo di un moscone che parla d’amore. La libertà è partecipazione. Non lo dico solo io; non conosco altri modi che l’estrema schiettezza e l’impulso. Non sarei La Scimmia

E allora ci provo. Dimmi un artista indipendente tuo connazionale che non riesci a tollerare?

La domanda è semplice. Non tollero nessuno al di fuori del Capra, Iosonouncane, Antony Laszlo, e John De Leo.

Torniamo a La Scimmia. Avete obiettivi precisi a breve e lungo termine? Cosa state preparando e dove credete di poter arrivare?

Non credo di realizzare mai un cd. Non ho bisogno di sentirmi raccolto. La Scimmia sarà sempre un continuo fruire. Un torrentello che si perde nel bosco. Magari andiamo a San Remo.

Ultima domanda secca. Più stupidi i Nobraino o il popolo degli hater a tutti i costi? o magari Roy Paci?

I Nobraino non erano malaccio e non so chi siano gli hater; intuisco odiatori. Roy Paci lo andai a sentire una dozzina di anni fa al Villaggio Globale a Testaccio. Non si esibi perchè non lo aggradava l’audio; così è stato. Non me ne vogliano i Nobraino e mi baci il culo Roy Paci

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?Alos

Written by • 23 Aprile 2015• Interviste

Per Rockambula è il disco del mese di Aprile, ed è decisamente carico di dolore, Matrice. Di quel dolore che si prova appena prima di sentire una nuova vita scorrere nelle vene. Abbiamo fatto qualche domanda ad ?Alos (Stefania Pedretti) in merito al suo ultimo lavoro. Buona lettura.

Ciao Stefania come stai?

Benissimo, sono appena tornata dal mio tour europeo che è stato bellissimo

Matrice è il tuo ultimo progetto da solista. Parlaci degli aspetti di questo disco per te fondamentali.

In Matrice ho voluto convogliare una serie di ricerche, sia sonore che filosofiche, che da alcuni anni sto curando. Diciamo che musicalmente ho voluto addentrarmi maggiormente nel lato oscuro e sanguigno della mia musica, aiutandomi in questo disco con suoni ancora più ricercati e distorti per la chitarra, introducendo l’elettronica e ampliando la gamma dei miei timbri vocali. Per il lato filosofico, Matrice ruota attorno al tema del doppio, del Chaos e di come in realtà tutto è connesso e fluido.

Il titolo dell’album evoca una nuova genesi. Va inteso dunque come un disco di rinascita?

Di rinascita non direi, il disco precedente di chiamava Era questo Matrice direi che è una pietra aggiuntiva in un percorso già intrapreso, che vuole andare avanti.

Un brano porta il titolo Luce/Tenebre. Cosa è per te la luce e cosa sono le tenebre?

Per me sono la stessa cosa, si crede che siano degli opposti e spesso in contrapposizione, ma per me sono interconnesse. Non vedo in una il bene e nell’altra il male; bene e male come anche buono e cattivo sono termini che trovo assurdi perché troppo soggettivi.

In Matrice collabori con Mai Mai Mai, Necro Deathmort e Giovanni Todisco. Quali altre collaborazioni ti piacerebbe affrontare in futuro?

Mi sto già guardando intorno per scoprire nuovi stimoli e trovare nuove collaborazioni, ma attualmente non saprei dirti dei nomi.

Spesso affronti sonorità “estreme”. Nel corso della tua carriera hai dovuto affrontare delle forme di pregiudizio nei confronti della tua musica?

Grazie per questa domanda, che non mi è mai stata posta. Purtroppo si, mi è capitato e continua a capitarmi, pregiudizi o incomprensioni di varie forme ed origini sia per quanto riguarda i miei dischi che i live. Riesco fortunatamente a non farmi intaccare da questa superficialità, trasformandola in uno stimolo per continuare a fare quel che faccio ed abbattere ogni pregiudizio.

Leggo dalla tua biografia che hai vissuto per un periodo a Berlino. Dal punto di vista musicale, quali sono le cose che Berlino ti ha dato, e che in Italia non avresti trovato mai?

Vivere in quella stupenda città è stata un esperienza di vita e di crescita personale e professionale. Ho potuto approfondire collaborazioni come ad esempio quella con i Nadja, di origini canadesi ma che vivono a Berlino, e registrare il mio disco Yomi nello studio degli Einstürzende Neubauten con il loro fonico. D’altra parte Berlino non mi ha dato qualcosa che non avrei trovato in Italia, non sono andata a Berlino alla ricerca di qualcosa che mi mancava, l’Italia mi ha dato e continua a darmi molto di più di Berlino.

Stessa domanda di sopra, al contrario. Musicalmente parlando, c’è qualcosa che un Paese straniero non potrebbe darti mai?

Non so risponderti a questa domanda, non sono incline ai confronti e contrapposizioni e Matrice ne è la prova. Io trovo il meglio da entrambe le parti, le mischio insieme e mi godo il risultato. Ora vivo in Italia, ho vissuto in varie parti d’Italia, ho vissuto all’estero, viaggio tantissimo e tutto questo mi arricchisce e mi aiuta nella creazione e realizzazione della mia musica e della mia vita.

Grazie mille Stefania, vorresti dire ancora qualcosa ai lettori di Rockambula? Spazio di libera espressione.

Non abbiate paura dell’oscuro, del Chaos, dell’inconscio e di tutte quelle realtà o forze che ci insegnano a vedere come qualcosa di malefico, sono anche esse parte del tutto e fanno parte di noi.

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Winona

Written by • 4 Aprile 2015• Interviste

Vi presentiamo i Winona, band carpigiana dalle influenze Alternative/Rock-Emo. Non preoccupatevi se dopo la lettura dell’intervista vi ritroverete con le farfalle nello stomaco; perchè il nuovo album dei Winona, Fulmine, è nato proprio per questo. Il full-lenght di debutto della band disponibile dal 14 marzo ha come intento quello di rilasciare un’energia improvvisa, un cambiamento rapido e irreversibile. Perciò, lasciatevi catturare da questa lettura con in sottofondo l’ascolto in streaming dell’intero album:

Ciao ragazzi benvenuti sulle pagine di Rockambula. Presentatevi ai nostri lettori che ancora non vi conoscono.
Ciao a tutti ragazzi e ragazze, noi siamo i Winona ma anche Mors alla chitarra e alla gola, Frank ai fustini del Dash e Marco al basso, nonostante sfiori i due metri. Siamo anche pessimi con le definizioni: il nostro sound mescola influenze di alt rock italiano, garage e emo di metà anni ’90. Suoniamo insieme da tanto (aprile 2009) ma siamo amici da ancora di più, essendoci conosciuti in piena esplosione puberale tra i banchi di scuola. Dopo un paio di anni in sala prove, abbiamo registrato e autoprodotto un ep, Letargo, che nonostante non sia stato promosso o pubblicizzato in alcun modo ci ha concesso, zitti zitti, di suonare con band come Tre Allegri Ragazzi Morti, Fast Animals and Slow Kids e tanti altri, oltre che a gironzolare qua e là per tutto il nord Italia.mNel 2014 abbiamo iniziato a lavorare, in co-produzione col producer e compositore Federico Truzzi al nostro primo full lenght, Fulmine, uscito per Seahorse Recordings il 16 marzo di quest’anno.

Come è andato il release party al Mattatoio del 14 marzo? O meglio come è stato portare sul palco il vostro lavoro?
Assolutamente una gran bella festa. E’ stato meraviglioso vedere riuniti nello stesso posto amici di vecchia data, conoscenze più recenti fatte sui palchi emiliani, tante persone incontrate durante questo lungo viaggio con i Winona, tutti a cantare con te i brani che già conoscono ed entusiasmarsi per quelli non ancora sentiti. Un grande senso di unità, di affetto, di calore: un modo per voltarsi indietro e ringraziare profondamente tutti quelli che ci hanno aiutato e sostenuto fino ad ora per trovare lo slancio, ora, di guardare avanti, di gettarsi nel mondo, o almeno speriamo. In tutti questi anni, il mattatoio è stato una culla per noi, sia come musicisti sia come persone: è dove andiamo a bere una birra, dove stiamo insieme, dove facciamo festa, ma è anche il posto che ci ha forgiato come ascoltatori. Il palco dove andavamo a sentire quella musica indipendente – ma indipendente sul serio, mica cazzi – che ha contribuito alla formazione della nostra coscienza di musicisti.mEssere parte di questo anche dall’altra parte è stato assolutamente magico.

Il singolo che apre le danze e che avete voluto presentare per primo è Lazzaro, come mai la scelta è ricaduta su questo pezzo?
Frank dice sempre che Lazzaro è il brano più rappresentativo dei Winona, e per alcuni versi non posso che dargli ragione. Di certo, è la miglior realizzazione del sound che cercavamo mentre muovevamo i primi passi in quello che sarebbe diventato Fulmine, quello che più si avvicina a quello che avevamo in mente quando abbiamo cominciato a lavorarci su: per questo lo abbiamo scelto, perché sarebbe stato secondo noi un ottimo biglietto da visita per le intenzioni dell’album. Poi il disco ha preso anche strade diverse, e di questo non posso che essere orgoglioso. Mi piace pensare che questo non sia il miglior brano del disco in senso assoluto, anzi ancora che non ci sia un miglior brano: vogliamo giocare con colori e atmosfere, portarti prima in un posto poi in un altro, farti fare un viaggio. E un bel viaggio è fatto anche di panorami diversi.

Ascoltando il vostro disco c’è un costante utilizzo di metafore, c’è un messaggio in particolare che volete mandare a chi vi ascolta o appunto questo linguaggio non esplicito è utilizzato appositamente per poter dare diverse interpretazioni del pezzo?
Credo che le cose coesistano nell’insieme dei testi: ci sono brani più espliciti, dove l’espressione diretta e la necessità di comunicare prevalgono su ogni cosa; certe canzoni proprio non possono lasciare spazio ad ambiguità o fraintendimenti, bisogna prendere una posizione e avere il coraggio di farlo chiaramente. In altri momenti, invece, privilegiamo immagini dall’interpretazione più ampia: a volte è un po’ di pudore a giustificare la scelta, a volte proprio il desiderio (segreto) di essere fraintesi, magari aprire una discussione su cosa cercavamo di dire. Mi rendo conto che questo contraddice le canzoni esplicite, ma credo anche che ci sia spazio per entrambe le tendenze: anche spingere gli ascoltatori a discutere sull’interpretazione è un modo per far riflettere, forse più efficace che imporre un punto di vista univoco.

Dalla vostra formazione allo stato attuale come sono maturati i Winona musicalmente? Avete seguito sempre la stessa linea?
Sì, nel senso che il nostro è stato un processo lineare, senza svolte brusche, ma in evoluzione costante e continua. Chi ha potuto ascoltare i brani di Letargo se ne sarà di sicuro accorto: il nostro sound è cresciuto nel tempo, si è inspessito, ha preso energia nel corso dei due anni in cui abbiamo portato in giro quei brani. Riguardando qualche video – o qualche registrazione in presa diretta – dei primi concerti di quel disco non ha niente a che vedere col modo in cui continuavamo a suonarli nel periodo in cui stavamo lavorando a Fulmine. Ogni volta che ci trovavamo a suonare si imponevano modifiche e correzioni, e quelle stesse poi incidevano anche sulla produzione dei brani che stavano scrivendo e registrando in quel periodo. Un bel circolo virtuoso.

Concludiamo lasciando a voi le ultime righe per salutare i nostri lettori e capire quali sono i vostri prossimi passi.
Di certo portare in giro questo disco il più possibile! Nonostante questo, il processo creativo non si ferma. Non è che puoi decidere quando scrivere musica e quando no, o perlomeno io proprio non ce la faccio. Mi siedo sul letto a studiare il mio strumento, ripasso qualche arpeggio e via, le dita partono per la loro. Ogni tanto mi dico: “Questa roba non è niente male”. Spero solo di riuscire a gestire questa doppia necessità … che altro aggiungere?! Ciao a tutti e speriamo di risentirci (e farci risentire) il più presto possibile.

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Siren

Written by • 2 Aprile 2015• Interviste

The Row è il primo album in studio della rock band italiana Siren, pubblicato dalla Red Cat Records, registrato allo Studio Waves di Paolo Rossi (Pesaro) e prodotto, scritto, arrangiato e composto dal gruppo stesso. Attraverso queste righe è possibile conoscere un po’ di più l’essenza di questo lavoro ma consigliamo vivamente l’ascolto in quanto l’eterogeneità degli strumenti come anche delle tematiche è difficile da riuscire ad esprimere a parole. Buona lettura…

Ciao ragazzi, benvenuti su Rockambula.
Ciao a tutti.

Partiamo dagli inizi dei Siren, come è nato il vostro progetto?
L’idea è stata mia (Jack). Avevo collaborato a diversi progetti musicali con gli altri (sempre separatamente) già dal 2002 (in pratica dalle prime strimpellate..) ma solo nel 2012 è nata la band in questa formazione. Io e Samuel siamo praticamente cresciuti assieme mentre con Mark e Marcus ho frequentato le superiori quindi conoscevo bene tutti, sia personalmente che musicalmente. Sapevo che insieme sarebbe stata una “figata”. L’idea di mettere su questa squadra mi solleticava già da molto tempo e quando, a Settembre del 2012, rividi, dopo cinque anni, Sam e gli proposi di formarla, lui accettò. Contattai quindi Mark e Marcus che in quel momento erano impegnati in altri due importanti progetti. All’inizio furono, comprensibilmente, un po’ riluttanti ma riuscimmo comunque ad organizzare una prova nel gennaio 2013. Dopo un paio di incontri in sala cambiò tutto, le idee erano ben chiare: i primi brani proposti ci suonavano bene, fu amore a prima vista…

Gli obiettivi che vi siete posti sono stati raggiunti con il vostro album The Row?
E’ ovvio che trattandosi di un primo album, uscito da poco, ed essendo da appena un mese iniziata la collaborazione con il nostro ufficio stampa, è ancora difficile pretendere di vedere chissà quali risultati e tirare delle somme anche se i feedback finora sono stati estremamente positivi. Abbiamo grandi ambizioni e ci siamo posti un traguardo molto importante. Siamo molto soddisfatti del lavoro che abbiamo svolto in questo album, poiché siamo riusciti a creare esattamente ciò che volevamo.

Con il vostro album il messaggio che lanciate è quello di uscire ogni tanto dalla fila, di compiere il gesto “sbagliato” per questa società. Ricordate qualche episodio fuori dalle righe dei Siren?
No comment… Diciamo che usciamo un po’ troppo spesso dalla fila (risate).

Dal punto di vista musicale, quali sono gli artisti da cui vi fate maggiormente influenzare? Ce n’è uno che accomuna tutti i componenti?
Siamo quattro artisti differenti che arrivano da quattro diverse correnti del rock e adorano e ascoltano musica di qualunque genere. Ecco forse spiegato il motivo per cui è difficile, almeno secondo la critica, classificarci. Comunque ci sentiamo di citare gruppi come: Queens of the Stone Age, Foo Fighters e Muse, ma anche Nirvana, System of a Down e Rammstein i quali, anche se più distanti da noi a livello di sound, ci hanno musicalmente cresciuto.

Come nasce un pezzo dei Siren, prima i testi o la musica?
Non c’è un modo preciso in cui nascono i pezzi: si parte da un’idea, da un riff o da una linea vocale, che viene poi sviluppata da tutta la band. Samo “democratica” e come in ogni democrazia litighiamo molto. I testi, ad ogni modo, sono sempre l’ultima cosa che sviluppiamo di un brano.

L’idea d’inserire strumenti come il violoncello e tastiere è nata subito o avete pensato dopo di dare quel tocco in più?
Abbiamo sempre pensato di integrare strumenti non propriamente rock al nostro sound e, nello specifico, già dal concepimento iniziale di un pezzo ci rendiamo conto se questo si presta all’utilizzo di un violino piuttosto che di una tromba o di un synth. Anche tutti insieme ad esempio. Non ci piace limitarci solo perché secondo i canoni comuni nel nostro genere non dovrebbero esserci determinate sonorità; se una cosa ci sembra possa suonare, noi la proviamo, con dei simulatori, e se ci piace… è fatta!

Abbiamo concluso e lasciamo a voi le ultime righe magari anche per riferire ai nostri lettori i prossimi appuntamenti live della band. (se non sono presenti eventi live al momento della stesura delle risposte, scrivete quello che volete, contatti, dove è possibile acquistare l’album).
Per ora abbiamo quattro date fissate nel prossimo mese una a Teramo al “45 giri”, due nel fanese “FFF 2015” e “Happy Days Cafè” e un’altra a Cesena al “Vidia Club”. Per tutte le news potete trovarci su Facebook https://www.facebook.com/pages/SIREN/725372717482826, su Twitter come TheSirenRock, Instagram come SirenOfficial, sul nostro canale youtube https://www.youtube.com/channel/UCweAMWdJgRS1X5QaQvspfNg e ovviamente nel nostro sito www.siren.rocks. Per contattarci: siren.trb@gmail.com Ciao a tutti, è stato un vero piacere fare questa chiacchierata. Stay Rock!

 

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Moonerkey

Written by • 31 Marzo 2015• Interviste

Con un anno di ritardo (parlando solamente del titolo) raccontiamo il futuro. Il concetto del continuo in un disco di bel Pop Rock italiano, l’esordio cantautorale che si fa conoscere con lo pseudonimo di Moonerkey. Equilibri sottili e quel senso liquido del tempo che passa… ed è necessario fermarsi in una fotografia. In rete il video del singolo di lancio dal titolo “La Pelle”. L’intervista per Rockambula:

Moonerkey. Iniziamo proprio da questo nome. Da dove prende origine?
Il nome letteralmente significa “la chiave di colui che vaga distrattamente, che guarda per aria”, insomma di una persona che si perde nei suoi pensieri, quale può essere una persona che compone musica. Per chiave si intende la chiave di lettura del mondo, lo sguardo sulle cose, la loro interpretazione.

Pop Rock, per dirla in breve, ma già dal primo ascolto c’è molto altro. Quanto e cosa hai rapito dall’Italia e cosa invece dal resto del mondo?
Dall’Italia ho tratto la rabbia, le delusioni, le speranze, le gioie della vita di tutti i giorni ed i ricordi. Dal resto del mondo la curiosità per i diversi approcci alla vita e certamente alla musica. In termini di riferimenti musicali per fare solo qualche nome, posso dire che in Italia sono un grande estimatore degli Afterhours ed in particolare della scrittura di Manuel Agnelli; inoltre mi sento certamente influenzato dalle suggestioni dei CSI. Fuori dell’Italia i Pearl Jam hanno un ruolo importante, così come la poesia urbana di Mark Lanegan o quella di Hugo Race.

Il primo singolo e video “La Pelle”. L’immaginario di una ballerina, il cambiare pelle, il rumore di fondo che sta cambiando. Come si legano assieme questi elementi?
La ballerina all’inizio ha gli occhi rigati di pianto e si spoglia dei vestiti di scena, abbandona la sua pelle, per conquistare una dimensione più propria, per appartenersi; alla fine del ballo infatti ha il volto pulito, sereno. E’ l’immagine di una rinascita, della straordinaria sensazione di avere ancora una volta energia e voglia di inseguire ciò che si vuole davvero. Ciò che tutti noi possiamo provare quando avvertiamo che nel profondo qualcosa si muove (il rumore di sottofondo che cambia) e decidiamo di non ignorarlo.

Mi ha colpito il brano “Il Tempo della Volgarità” dove mi è parso di scorgere una certa Italia anni ’60/‘70, almeno nella costruzione melodica. Sbaglio?
Sinceramente non l’ho scritto pensando a quelle atmosfere, almeno coscientemente. Ad ogni modo, la melodia fu scritta di getto, in una condizione di emozioni debordanti, dato che proprio in quei giorni si consumava la fine di una storia d’amore di cui parla il testo.

Bellissima l’ultima traccia “Chissà se Vedi Adesso”. Un brano minimalista, intimo e dolcissimo. Altra dimensione, altro spirito e altro cambio di scena. Ma dovendo scegliere, quale habitat sonoro ti rispecchia veramente?
Tutti quelli contenuti in 2014 mi rispecchiano perché, così come sono “vestite”, le canzoni riflettono le sfaccettature dei miei stati d’animo e dei miei gusti mutevoli per forme espressive ora più morbide ed intimiste, ora più dirette e più aggressive.

Il concetto del “Continuo”. Dalla copertina al filo conduttore di tutto il progetto. Mi piace. Viaggio come andare o come arrivare? Moonerkey verso dove sta andando?
In questo caso il viaggio è continuare ad andare, cioè proseguire verso una direzione avendo ben presente da dove si viene. Io sto andando anagraficamente verso la maturità ed artisticamente verso una nuova adolescenza.

2014. Un bel modo per iniziare il 2015. Quando sarà l’alba del 2016? Che continuo per questa musica ci sarà secondo te?
Credo di avere materiale, idee e valide collaborazioni per poter mettere in cantiere già il secondo disco, se non anche il terzo. Nei live ad esempio suoneremo anche brani inediti che faranno parte dei lavori futuri. Questo per dire che sento di avere molto da comunicare e condividere nei prossimi anni. Allo stesso tempo mi auguro che questa città riesca ad offrire alla musica originale spazi, non necessariamente materiali, qualificati.

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John De Leo

Written by • 27 Marzo 2015• Interviste

John De Leo è un artista eclettico dalle eccelse doti vocali, personaggio di spicco della musica italiana e con un fedele seguito di fan; ha da poco pubblicato il suo nuovo lavoro, Il Grande Abarasse ed ha gentilmente accettato di rispondere ad alcune domande per voi lettori di Rockambula. “180 grammi” : Intervista a John De Leo.

Partiamo dal titolo del nuovo cd Il Grande Abarasse… Cosa significa?
Semplificando molto, secondo gli studiosi, la polivalenza semantica dell’espressione – oramai in disuso – potrebbe essere traducibile in molteplici sensi.* Riassumo qui di seguito quelli più accreditati e comprensibili per il linguaggio odierno, Abarasse può significare: un punto di rottura, possibile sinonimo di “corto circuito”; un’apocalissi; un pensiero deplorevole innescato da paura; una rinnovata forma di attaccamento alla vita causata da uno spavento; un evento che costringe le persone a relazionarsi fisicamente; un sinonimo di Caos; quando riferito all’andamento politico, pare alludere genericamente alle distorsioni del concetto di Democrazia; un’arcaica forma di saluto comparabile a “arrivederci”; con Abarasse, s’intendono anche le inimmaginabili conseguenze, o “brutture sociali”, causate da crisi culturale; una fine inaspettata per quanto prevedibile; sorta di dolce perdizione assoluta essenzialmente indotta da ozio; stadio di stasi ansiogena dovuto a tempo perduto; una esplosione, più che altro immaginata; Abarasse o “Abababa”, animale mitologico che inebetiva gli umani alla sola vista o semplicemente nell’udire il suo verso, specialmente i bambini. Probabilmente un antesignano di Peppa pig; una forma di simpatica antipatia; sensazione di sdegno rivolta a ciò che risulta sbagliato perché non corrispondente ai propri gusti; quella sorta di inettitudine e pochezza di sé che si rivale sul prossimo;
Accezioni: una forma di ringraziamento, per lo più contratta in “Grabas”; unita all’aggettivo qualificativo “Grande”, solitamente fa riferimento a un mago, a un qualcosa di magico, o a un dio antropomorfo. Informazioni tratte da L’Accademia dell’Abarasse ( www.puristidellabarasse.com ).

Raccontaci in poche parole di questo disco…
E’ il frutto di quattro anni di lavoro. La veste grafica è opera di Orecchio Acerbo, le illustrazioni dell’amico Andrea Serio, prodotto da Carosello Records. Vorrei aggiungere brevemente che è composto di 10 tracce.

La tua voce può a tutti gli effetti essere considerata uno strumento multiforme che si adatta a ogni stile e situazione. Posso azzardare un paragone con il grande e compianto Demetrio Stratos?
Sono lusingato e sorpreso: un paragone originale, grazie.

Di cosa parlano i testi delle tue canzoni? Hai mai fatto riferimenti autobiografici?
Ogni brano ha motivazioni a sé. Sicuramente ricorre in modo più o meno esplicito il tema del Consumismo. I riferimenti autobiografici sono quasi imprescindibili ma, come ho cercato di dire anche in altre occasioni, diffido di chi parla solo di sé, e l’altro da sé è interessante se non altro perché ignoto.

Io non ha senso… cosa vuol dire?
Le tue domande hanno scovato quello che per certi versi è il brano più autobiografico. Prima di tutto però, quell’Io va inteso in senso universale, il tuo Io, il nostro Io. Interrogandomi sui perché di questo brano, mi sono convinto che “Io” trova senso quando è parte: io individuo parte di una famiglia, parte di una società, parte del genere umano. Nella missione di ricapitolare sé stesso, il senso per me più soddisfacente di Io è nel Noi.

Quali differenze e quali affinità ci sono fra Il Grande Abarasse e Vago Svanendo?
Differenze: le copertine dei cd sono diverse. Affinità: per certi versi le copertine si somigliano. Scherzi a parte, non saprei, forse Vago Svanendo rispetto all’ultimo album è vagamente più intimista, da qui forse l’esigenza opposta di allargare la visione al microcosmo umano del condominio come nell’ultimo lavoro. Non che in Vago Svanendo sventolassi i fatti miei, ma forse in Il Grande Abarasse m’illudo di riuscire meglio nel distacco da me, cercando di ribadire e ribadirmi che ogni soggettiva è significativa quanto quella di un altro, e che ogni cosa che accade nel mondo ci riguarda tutti. Tra le affinità c’è la volontà di continuare a sperimentare sia dal punto di vista musicale sia letterario; forse in Vago Svanendo c’erano brani nettamente diversi tra loro mentre nell’ultimo album provo ad assemblare i tasselli differenti nell’ambizione di un risultato più omogeneo. C’è poi una sorta di continuità piuttosto esplicita: il nuovo lavoro discografico
inizia con il finale dello scorso.

Com’è nata la collaborazione con Uri Caine?
Nell’ottobre del 2011 condividemmo il palco del teatro Alighieri di Ravenna. Ero ospite nel progetto tributo a Nino Rota “Il Bidone” diretto da Gianluca Petrella. Caine al pianoforte si esibiva prima di noi, anche lui per reinterpretare l’ideatore delle colonne sonore dei film di Fellini. Ci fu una jam session finale. Nei camerini, ancora sull’onda adrenalinica dell’esibizione,ci siamo riproposti di fare qualcosa insieme. Ho pensato quindi di coinvolgerlo in “The Other Side of a Shadow”, un brano del nuovo album il cui testo è tratto da “Linea d’ombra” di J. Conrad. Uri ha consigliato di assemblare le takes registrate in un caotico “cut ‘n’ copy”: sulla narrazione di Conrad, nella quale si alzano correnti improvvise, mi è parsa una soluzione particolarmente calzante.

E quella con l’Orchestra dei Filarmonici del Comunale di Bologna?
Ho potuto lavorare con l’Orchestra dei Filarmonici del Teatro Comunale di Bologna grazie alla collaborazione di Stefano Brugnara e Arci. L’orchestra si insinua spesso tra i brani, soprattutto nelle tracce nascoste, nel Ghost Album: la parte forse più sperimentale. Per chi volesse, consiglio l’ascolto del Ghost Album in cuffia, poiché l’orchestra è stata registrata con l’ausilio di microfoni “Binaurali” che conferiscono un’ambientazione uditiva straniante in 3D.

Ti va di parlarci del “Ghost album”?
Volentieri. Da anni pensavo a un numero di tracce o a una durata tale da poter comporre un intero album nascosto. Che io sappia non è mai stato fatto. Quindi devo farlo, mi sono detto. Oramai ne è stata svelata l’esistenza ma per chi non lo sapesse compare dopo le 10 tracce dell’album ufficiale. In definitiva le sei tracce strumentali del Ghost Album, per la durata complessiva di circa mezzora, costituiscono idealmente una unica composizione. E’ stato un lavoro molto impegnativo al quale ho dato importanza pari all’album ufficiale. Il Grande Abarasse è un concept album idealmente ambientato in un condominio: la musica del Ghost é la parte più astratta, quasi filmica, nella quale si frappongono anche fields recording e sound design. L’intento era quello di sonorizzare una storia la cui sceneggiatura però dovrà costruirsi nell’immaginario dell’ascoltatore. Egli potrà decidere cosa stiano facendo o pensando i condomini. Vorrei ricordare che al Ghost Album hanno partecipato due geniali miei collaboratori storici come Dario Giovannini e Stefano Sasso.

Negli ultimi tempi hai frequentato la scena jazz italiana; come si differenzia da quella estera? Ci sono artisti che possono competere con i loro colleghi oltralpe?
In linea di massima nel resto dell’Europa come negli Stati Uniti, il Jazz (come molte altre musiche) è tendenzialmente più evoluto, quantomeno da un punto di vista tecnico esecutivo. Il fatto è che in Italia la professione del musicista, più in generale dell’artista, è particolarmente difficile, osteggiata da infinite burocrazie, mal considerata dall’economia, corrotta dalla cultura del profitto, e dall’ansia del profitto della Cultura. Sto banalizzando molto, il problema è globale ma in Italia è più brutto. In Italia ci sono ancora grandi artisti. Tra questi, molti sono fortunati figli di benestanti. Spesso ci sono poi grandi artisti alle spalle di qualche stella del mercato. Ce ne sono altri di cui sappiamo poco, altri ancora che non conosceremo mai e che dovranno presto dedicarsi a un lavoro sicuro. Se lo troveranno. I loro progetti quasi mai giungono al nostro orecchio, prima che si dissolvano; quando possiamo fruirne è grazie alla tenacia antistorica di qualche piccola associazione culturale illuminata e idealista che presto chiuderà i battenti. In ogni caso, oggi come oggi gli artisti italiani -intendo quelli veri, quelli che hanno davvero qualcosa da dire- per sopravvivere all’oppressione della cultura dell’utile -unita alla conseguente crisi economica- devono comunque ingegnarsi “all’italiana“ per poterci deliziare della loro poesia. Per rispondere alla domanda: si, in Italia ci sono alcuni jazzisti meritevoli a livello internazionale; la differenza sostanziale con gli stranieri è che il motore dei nostri non è l’ispirazione ma l’esasperazione.

Sul palco vi presentate in nove elementi. E’ possibile riprodurre quindi i suoni e le emozioni del cd nella dimensione live?
Quanto alle sonorità, è possibile riprodurle dal vivo. Come da sempre, gli arrangiamenti sono scritti in modo da poter essere riprodotti. E’ chiaro che per restituire la massa sonora di un’orchestra, con in più il nucleo elettrico, é stato necessario implicare parecchi musicisti. Sul Palco: una rappresentanza delle varie sezioni archi (Dimitri Sillato, Valeria Sturba, PaoloBaldani) e fiati (Beppe Scardino e Piero Bittolo Bon), una chitarra (Fabrizio Tarroni), un pianoforte (Silvia Valtieri) e l’effettistica (Franco Naddei), quest’ultima ottenuta sempre rigorosamente in tempo reale. Il cospicuo ensemble col quale mi esibisco attualmente si chiama JDL Grande Abarasse Orchestra.

Parlaci del tuo impegno in Lugo Contemporanea…
Lugocontemporanea è un’Associazione Culturale senza fini di lucro fondata da me, Nicola Franco Ranieri e Monia Mosconi. L’omonima Rassegna estiva, si tiene da dieci anni nel centro storico di Lugo di Romagna (RA) tra luglio e agosto. Fin dagli albori, la peculiarità di Lugocontemporanea è quella di assumere la Musica come punto d’osservazione attraverso il quale gettare un ampio sguardo in tutte le direzioni e gli ambiti artistici del contemporaneo. Durante la rassegna, prendono vita originali forme d’arte multidisciplinari che giustappongono musica e teatro, musica e gesto corporeo, musica e arti visive, musica e spazio (installazioni sonore). Dal 2005 a oggi la rassegna ha ospitato numerosi artisti emergenti accanto a nomi di rilevanza nazionale e internazionale, i quali hanno liberamente interpretato il tema di ogni edizione realizzando sempre produzioni inedite e inattese. Fra i tanti nomi ricordiamo: il trombettista Cuong Vu, il trombonista Gianluca Petrella, la compagnia teatrale Societas Raffaello Sanzio, il cantante Howie Gelb, il sassofonista Maurizio Giammarco, il video-scenografo Gianluigi Toccafondo, il video-animatore Simone Massi, il chitarrista e compositore Fred Frith, il performer Giorgio Rossi, lo scrittore Stefano Benni, il compositore fondatore del Movimento Fluxus Philip Corner, il ballerino Guillelm Alonso, il violoncellista e compositore Tristan Honsinger, il compositore Luigi Ceccarelli, il pianista Franco D’Andrea, il trombonista e compositore Giancarlo Schiaffini. Gli eventi tra Musica e Poesia sono organizzati in collaborazione con Caffè Letterario: nel corso degli anni hanno partecipato Lietta Manganelli, Carlo Lucarelli, Enrico Ghezzi, Mariangela Gualtieri. Alle mostre – sempre aperte al pubblico durante le giornate della rassegna e a ingresso gratuito – sono intervenuti alcuni esponenti delle più diverse discipline artistiche, dalla pittura alla scultura, dalla fotografia al mosaico, fino ai linguaggi dell’installazione contemporanea: Stefania Galegati Shines, Andrea Nurcis, Enrico Corte, Claudio Ballestracci, Piero Dosi, Gian Ruggero Manzoni, Mara Cerri, Altan, Tanino Liberatore Paolo Bacilieri, Lorenzo Mattotti, Elisa Caldana, Andrea Serio, Carlo Ambrosini, Andrea Salvatori, Emergency, Nicola Samorì. La rassegna da sempre si distingue per attenzione sociale ed etica negli intenti nonché nelle proposte artistiche; naturale quindi il sodalizio, con le associazioni Emergency e Greenpeace. Lugocontemporanea è organizzata da Ass. Culturale Lugocontemporanea, Fondazione
Teatro Rossini, con il patrocinio del Comune di Lugo, della Regione Emilia Romagna e di
Greenpeace Italia.

Progetti futuri?
Sono tanti gli impegni cui dovrò dedicarmi nei prossimi mesi. Uno su tutti, quello imminente: sto lavorando alla realizzazione di Il Grande Abarasse nella versione in vinile, una felice proposta di Carosello, la mia casa discografica. Nel vinile, molti dei brani che compaiono sul cd, sono in versioni alternative: leggermente più lunghi alcuni, altri più corti, altri ancora in un arrangiamento diverso, almeno una bonus track. 180 grammi.
Grazie Marco, e Abarasse a tutti, John.

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Ash Code

Written by • 25 Marzo 2015• Interviste

Le strade di Napoli vengono ricoperte da una fitta nebbia e mostrano le loro sfumature più cupe e nervose attraverso la seducente musica degli Ash Code. Qualche retroscena ed una chicca di tanto in tanto sono i principali elementi di questa intervista.

Ciao ragazzi e benvenuti su Rockambula. Direi di cominciare con il presentarvi al nostro pubblico.
Alessandro: Ciao a tutti, noi siamo gli Ash Code. Il progetto è nato a gennaio 2014 da una mia idea, volevo un nuovo progetto di musica elettronica, con forti radici nel sound degli anni 80 ma che proponesse un giusto mix tra vecchio e nuovo. Feci ascoltare alcuni demo che avevo composto a Claudia e lei mi diede dei consigli sulle linee di synth innanzitutto, ma anche sulla voce e sul testo. Mio fratello poi aggiunse dei riff di chitarra baritona fender VI, uno strumento che permette un suono ibrido, che si situa tra le frequenze alte del basso e quelle basse della chitarra. Così nacquero Dry Your Eyes e Unnecessary Songs. Caricammo i pezzi in rete e l’accoglienza fu da subito entusiasmante, decidemmo perciò di continuare.

Oblivion è il vostro nuovo album, ci dite come e dove si sono svolte le fasi di mixaggio e di registrazione?
Alessandro: tutte le canzoni nascono nel nostro piccolo home studio, dopo il boom iniziale con le 2 prime canzoni ci siamo chiusi dentro e abbiamo scritto di getto tutte le altre composizioni in maniera grezza, ci siamo poi trasferiti presso L’arte dei Rumori Studio per la ripresa delle voci e avvalendoci della produzione di Silvio Speranza.

Quali sono le fonti d ispirazione degli Ash Code?
Claudia: sicuramente i nostri punti di riferimento musicali, ma soprattutto i libri che leggiamo, i film che guardiamo e i posti che visitiamo. Le nostre composizioni sono basate sulle emozioni che le situazioni quotidiane ci trasmettono, noi tentiamo di trasformarle in musica.

Canzoni che mi hanno davvero incantato sono: “Waves With No Shore”, Empty Room”, la titletrack e “Dry Your Eyes”. La mia curiosità è questa: cosa pensavate nel momento in cui queste canzoni venivano scritte e composte musicalmente? Voglio dire, pensavate ad un paesaggio, ad un atmosfera o una situazione?
Claudia: ogni pezzo ha la sua storia. Waves With No Shores è stato scritto pensando al mare. Siamo molto legati al mare, ogni anno quando viene l’estate non vediamo l’ora di andarci, lo troviamo poetico e ci trasmette pace e tranquillità, lontano dallo stress quotidiano. Empty Room è stata scritta da Alessandro, aveva questi appunti da molto tempo, quando era ancora in giro con l’altra band, e durante un tour in cui io non c’ero mise giù questo pezzo. Per quanto riguarda le note le abbiamo scritte tutti e tre insieme un pomeriggio, all’inizio della primavera scorsa. Dry Your Eyes è stato un pezzo molto sofferto e ha avuto una lunga gestazione, il nucleo iniziale era completamente diverso, ci abbiamo lavorato tanto; facendone molte versioni, non eravamo nemmeno convintissimi del risultato finale, ma il pubblico ha deciso che era un grande pezzo, e alla fine ce ne siamo convinti anche noi. Oblivion è stata scritta ispirandoci alle Considerazioni Inattuali di Friederich Nietzsche, e al concetto di oblio che il filosofo illustra in queste pagine.

C’è qualche festival in cui vi piacerebbe partecipare? Perchè?
Adriano: Nella scena darkwave europea ci sono molti festival importanti; far parte della lineup significa avere una grande visibilità. Fortunatamente quest’anno faremo parte del Wave Gotik Treffen in Germania, Entremuralhas Festival in Portogallo, Return to the Batcave in Polonia e ci sono anche altri festival che non possiamo ancora annunciare per motivi contrattuali. Non abbiamo nessun contratto con booking agency in esclusiva e trovare gli inviti per questi festival nell’inbox è stato emozionante.

A cosa puntano gli Ash Code e come è stato accolto Oblivion dal pubblico e come dalla critica?
Alessandro: gli Ash Code puntano a fare buona musica e portarla in giro sperando che piaccia. Oblivion è stato accolto molto bene sia dal pubblico che dalla critica. Ai concerti le persone solitamente si divertono, o comunque restano molto soddisfatte e vengono sempre a complimentarsi con noi dopo il live. Anche le recensioni sono state ottime, da Post Punk.com, a Peek a boo, da Sonic Seducer a Rockit e Rockerilla, per citarne solo alcune. Un po’ in tutti i paesi siamo stati ben accolti e siamo molto contenti di questo, il gruppo esiste da poco e tutta questa attenzione non era una cosa scontata.

Siete a lavoro per qualche nuovo video?
Adriano: abbiamo varie idee, probabilmente ci sarà un ultimo videoclip estratto da Oblivion; ma non vi possiamo anticipare ancora niente.

Il disco è acquistato di più tramite internet oppure durante i vostri concerti?
Adriano: Attualmente direi che siamo 50 e 50, la prima release è quasi esaurita e stiamo lavorando ad una seconda con contenuti speciali da pubblicare a breve.

In base ai vostri show, c’è un pubblico napoletano che segue band del vostro genere?
Adriano: a Napoli c’è sempre stata una scena underground, soprattutto per quanto riguarda i cultori del genere Post Punk e Darkwave. Purtroppo negli anni le persone sono diminuite sempre di più, forse perché non c’è stato un ricambio generazionale, è rimasta in pratica solo la vecchia guardia, quando ci sono grandi concerti e riusciamo a riunirci tutti siamo circa un centinaio, non di più. Nonostante questo, la nostra città sta vivendo un momento molto produttivo dal punto di vista di fioritura di bands, oltre a noi ci sono i Geometric Vision, gli Hapax e i Dark Door a proporre questo genere in Italia e nel resto d’Europa.

Dove suonerete nei prossimi giorni?
Alessandro: Siamo prossimi alla partenza per la Germania, suoneremo a Colonia con le Winter Severity Index e Orchidee Noire e a Bielefeld con i Lebanon Hanover.

Bene ragazzi concludete come meglio vi pare…
Claudia: Ci piace concludere le interviste ringraziando tutti i nostri amici e sostenitori, tutte le persone che ci supportano, solo grazie a loro gli Ash Code esistono e continuano a fare musica.

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kuTso

Written by • 24 Marzo 2015• Interviste

I kuTso sono una delle band più particolari della scena musicale italiana, sono stati alla scorsa edizione del Festival di Sanremo, adorano esibirsi dal vivo e vorrebbero  la dittatura dei kuTso sulle genti italiche. Ecco una breve intervista per Rockambula.

Sorvolando sulla pronuncia del nome del gruppo e sulla diatriba che ne consegue, partiamo dalla fine. La partecipazione a Sanremo e il nuovo album. Il festival della canzone italiana, il trionfo del nazional-popolare può convivere con la musica dei kuTso?
Certo, nella misura in cui i kuTso hanno utilizzato il festival come una grande vetrina tramite cui divulgare a mari e monti il progetto così com’è, senza farsi fagocitare dall’ufficialità del contesto sanremese.

Essere arrivati in finale, lo ricordate anche sul vostro sito, è già una vittoria. Ma è proprio vero? Meglio vincere Sanremo o vendere dischi? O meglio ancora riempire locali e club in giro per l’Italia?
Meglio sempre riempire i locali tastando sul campo l’entità del consenso intorno alla band. Vincere il festival non era il nostro obiettivo, come non lo era arrivare in finale. Noi volevamo principalmente farci pubblicità e questo è avvenuto. Ora navighiamo a vista cercando di non perdere nessuna occasione e sfruttando al massimo la scia positiva che il festival ha portato.

Siete in “Perpetuo tour”, quanto conta la dimensione live per voi?
Il live è la vita vera della band. Noi siamo essenzialmente dei perfomer che esprimono al meglio se stessi durante le esibizioni dal vivo, utilizzando i propri brani come mezzo di comunicazione con il prossimo.

Un consiglio per chi vi ascolta per la prima volta in concerto?
Abbandonate qualsiasi pregiudizio e approcciate alla nostra musica con la mente sgombra dai suoni e dai cliché musicali che si è soliti ascoltare nel mondo indie come in quello mainstream. Noi siamo una cosa a parte.

Tre aggettivi per definirvi e tre per la vostra musica?
Sporchi
Brutti
Cattivi
Rocambolesca
Roboante
Funambolica

Con chi vorreste dividere un palco?
Con Jovanotti.
I vostri obiettivi per il futuro prossimo?
Arrivare ad avere almeno mille paganti ad ogni concerto in tutta Italia.

Il sogno da realizzare?
La dittatura dei kuTso sulle genti italiche.

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Gadjos

Written by • 11 Marzo 2015• Interviste

Incontriamo i Gadjos, sappiamo già di avere poco tempo perché i ragazzi sono alle prese con un nuovo album (Bordellandia) e con il lancio del primo singolo estratto dall’album (“Iride”). Più che di un nuovo album si tratta di un progetto molto grosso, complesso e particolare, parliamone direttamente con loro.

Ciao ragazzi, grazie per averci dedicato questo tempo, sappiamo che siete alle prese con qualcosa di molto importante, ma partiamo dall’inizio: chi sono i Gadjos?
I Gadjos sono 5 ragazzi normalissimi che si sono uniti con l’obiettivo di amare il più possibile la loro musica, di farla apprezzare alla gente e di far capire cosa sia il ROCK…nel senso sporco del termine…non usiamo questa parola per far moda…e di gruppi così ce ne sono troppi!

Non siete novellini del settore Rock, da dove siete partiti? Dove volete arrivare?
Siamo partiti un po’ come tutti…dalle sala-prove in polvere e in lamiera…con tanta energia positiva e voglia di mettere subito in chiaro le cose…che la musica inedita emergente debba ribaltare questa politica discografica, che rispecchia fedelmente quello che oggi è il nostro paese…è da folli pensare di poterci riuscire…ma ci eccita provarci!!!

Sappiamo che state lavorando sul vostro nuovo album, Bordellandia, ma sappiamo anche che non si tratta di un album classico, ci potete dare qualche informazione in più?
Si tratta di un lavoro complesso…un lavoro in atti, come in teatro: 4 album, 4 canzoni per disco, un totale di 16 inediti! Ora stiamo registrando “BORDELLANDIA ATTO I: IL PESO DELL’INCOSCIENZA”, sono 4 canzoni davvero cazzute e mature…figli di diversi stili musicali.

L’album verrà lanciato con un singolo, “Iride”, in questi giorni abbiamo visto un piccolo trailer del video, quali sono le date che dobbiamo tenere d’occhio per non perderci nessuna novità che riguardi i Gadjos?
Abbiamo qualche data in Puglia, però stiamo lavorando ad un evento live, e per scaramanzia non diciamo!!! Se andrà in porto saremo ben orgogliosi di comunicarvi tutto!!! E sarebbe una bellissima soddisfazione per una band emergente! Seguiteci sulla nostra pagina Facebook per tutte le novità! https://www.facebook.com/pages/GADJOS/105869616118973?fref=ts

Per i musicisti è molto importanti essere al centro della scena musicale, per quanto riguarda l’Italia tutto sembra che parta da Milano, una delle scene più attive per quanto riguarda i live e gli eventi. Voi venite dalla Puglia, è tutto più difficile o è solo diverso? Per voi Milano cosa rappresenta?
Da noi si fa una fatica assurda, forse oseremmo dire imbarazzante. Il boom delle tribute band sta lacerando ogni comunicazione tra gli emergenti e i locali che fanno musica, nel nostro piccolo si suona anche tanto ed è bello che la gente ti faccia complimenti suoi tuoi lavori…per fortuna siamo ottimisti per natura e si va avanti con determinazione, per il semplice motivo che ci divertiamo quello che suoniamo, vorremmo portare questa energia positiva anche a Milano, non ci siamo mai stati, ma non vogliamo essere nebbia di Piazza Duomo, ma un raggio solare che incuriosisca e faccia scatenare un po’ di rock’n’roll!!

Quali sono le difficoltà che una band incontra per arrivare ad avere un po’ di spazio e farsi conoscere? Servono di più i live o i social?
Oggi il miglior manager che possa darti un minimo di visibilità sei tu stesso, non siamo ossessivi dei social, i locali sono quelli che sono, un business ignorante, ma crediamo ciecamente nella potenza dei live, sui dischi siamo tutti bravi oggi, la differenza la fanno i palchi, noi veniamo dal sudore e dell’energia del rock, non ci piace suonare dal vivo con sequenze e aiutini, la trinità del “basso-batteria-chitarra” è vangelo per la nostra musica.

Cosa serve ai Gadjos per avere più possibilità di farsi apprezzare dal pubblico? Un’etichetta può essere la soluzione o è solo uno dei tanti step che servono ai musicisti?
Servono produttori esecutivi che debbano avere il coraggio di investire nuovamente tra gli emergenti, è una pura utopia, ma abbiamo il sentore che la debacle musicale italiana sia talmente devastante oggi, a tal punto da rivalutare la situazione, di sbirciare nei sotterranei e li ci siamo anche noi.

Gadjos e interviste: tanti gruppi che ho intervistato sono a disagio con un microfono sotto il naso o una telecamera puntata in faccia, voi come vivete questa situazione? Tortura necessaria o opportunità? O entrambe?
Ad oggi è sempre un piacere raccontarci, dovesse diventare una fortunata routine … non siamo dei santi, ci potrebbe risultare una gran rottura di scatole, ma ingoieremmo questo amaro calice volentieri!!!

Quando potremo finalmente vedervi dal vivo a Milano?
Speriamo presto!!! Anche a minuti!!!

Grazie mille per il tempo che vi abbiamo rubato, possiamo tornare presto a fare due chiacchiere con voi per sapere come procedono i lavori?
Molto volentieri!!!! un saluto a tutti e sempre sintonizzati nel nostro recinto, Iene!!!!Rock’n’Roll!!!!

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P.C.P. (Piano che Piove)

Written by • 10 Marzo 2015• Interviste

P.C.P. è un progetto di musica indipendente, fatto da musicisti che, più o meno, per cultura o per casino hanno passato una fetta consistente della propria vita suonando per le orecchie degli altri. Adesso è disponibile il loro album d’esordio In Viaggio con Alice, un album composto da 9 brani in stile canzone d’autore con alcune influenze jazz. Ci siamo fatti raccontare dai protagonisti qualche aneddoto sulla loro musica e questo loro debutto. Buona lettura…

Benvenuti sulle pagine di Rockambula, iniziamo col parlare un po’ di voi e su come si sono conosciuti i P.C.P.
Dopo una mezza vita a fare un bel mix di musica e casino nelle cover band rock, country e chi più ne ha più ne metta, alcuni di noi si sono trovati un po’ per conoscenze, un po’ per giri vari che si usano tra i musicisti, intorno a questo progetto acustico. La nostra non è la storia degli amici che si conoscono da una vita perchè la band esiste da pochi anni e il progetto del disco ha preso vita non più di un paio di anni fa. Abbiamo tutti da una specie di vita precedente, nella quale a un certo punto, curiosando qua e là cercavamo un’idea che ci piacesse. L’idea iniziale del progetto è stata di Ruggero (Marazzi, autore dei brani), gli altri sono arrivati per ricerche sui siti musicali, conoscenze, un po’ come tutti insomma.

Cosa c’è dietro il nome P.C.P. Piano che Piove, come mai la scelta di questo nome.
Sulla copertina del nostro CD si vede un chitarrista mancino all’opera. Quel signore si chiama Mauro Lauro (o Lauro Mauro, come volete..) e tutte le volte che saluta qualcuno al telefono dice “vai piano che piove”. Si tratta sicuramente di un voto fatto a qualche santa in un momento di difficoltà (ovviamente lui non lo ammetterà mai), sta di fatto che “.. piano che piove..” una volta, due, tre, alla fine è diventato una specie di elemento permanente, e siccome ci sembrava che PCP- pianochepiove suonasse bene e avesse anche una specie di valenza come tranquillante, come invito alla calma, abbiamo deciso di adottarlo anche come nome.

In Viaggio Con Alice è il vostro primo lavoro, raccontate ai nostri lettori come è nato questo vostro album e la scelta di voler incidere i pezzi prevalentemente in acustico.
C’erano un po’ di canzoni scritte nell’arco di qualche anno, qualcuna finita, qualcuna rimasta a metà. Dopo l’idea iniziale del progetto si è posta la questione di come andare avanti, e se la scelta fosse stata quella di fare le cose seriamente, dandoci un obiettivo di più ampio respiro rispetto alla suonatina occasionale, il passo logico successivo non poteva che essere quello di riprendere il materiale, metterlo a posto come si deve e inciderlo. Così è nato il disco. Registrare senza cercare suoni diversi da quelli che usiamo dal vivo è stata una scelta precisa: da una parte ci sembrava che in un contesto più essenziale uscisse meglio la scrittura e i suoni avessero più personalità, più anima, dall’altra non volevamo presentare un lavoro che poi avesse poca attinenza con ciò che avremmo proposto dal vivo.

C’è un filo conduttore che lega le nove tracce dell’album?
Almeno un paio: certamente l’idea del vissuto quotidiano e, all’interno di questa, l’idea del viaggio come momento di relazione con i luoghi e i pensieri della nostra vita. Nelle nostre canzoni non ci sono mai amori eterni o voli impossibili, la ricerca è piuttosto verso quella poesia realista dei maestri degli anni ’60 come Paoli o Endrigo, che rompeva con la canzone classica inaugurando la stagione dei grandi cantautori. Se ci è permesso il paragone un po’ blasfemo, ovviamente…

Qual è il pezzo che più vi rappresenta o quello a cui siete maggiormente affezionati.
Difficile…, diciamo che “In viaggio con Alice”, il brano che dà il titolo al CD, è sicuramente rappresentativo degli argomenti di cui dicevamo prima e che “le ore contate” esprime bene l’idea di un sound che ci piace molto. Ce n’è anche una che (indipendentemente dal fatto che piaccia o no) è sicuramente originale come argomento ed è “Il Cartografo”.

Qual è il vostro sogno nel cassetto e come pensate di realizzarlo.
Come tutti quelli che fanno canzoni e lavorano per dar loro vita, vorremmo che queste potessero andare oltre il limite delle relazioni, grandi o piccole, che noi saremmo in grado di intessere per loro lavorando da soli. Per realizzarlo stiamo lavorando con persone che ci aiutano a trovare un percorso…

Lasciate un saluto ai lettori di Rockambula.
Se qualcuno o qualcuna di voi ascoltando un brano dei PCP ha ritrovato qualcosa di sé vuol dire che siamo riusciti a superare la barriera delle nostre paturnie quotidiane, e questo lo consideriamo un risultato. Ciao!!

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Shame

Written by • 4 Marzo 2015• Interviste

Incontriamo i ragazzi in un momento di pausa dei loro vari progetti, ci accomodiamo nel “salotto delle interviste” e rompiamo il ghiaccio con qualche battuta. Avevo conosciuto gli Shame con la loro precedente line up, Andrea Paglione, Marco Riboldi e Veronica Basaglia, ma oggi, al posto di Veronica, trovo un “Mazingone”. Avevo già incontrato questo ragazzo, Claudio Ciaccia, durante una serata tributo ai Nirvana, incontro decisamente d’impatto e divertente, visto che mi ero dimenticata i tappi per le orecchie e qui stiamo parlando di un batterista che fa decisamente andare alla grande la sua amata.

Ciao ragazzi, grazie per aver deciso di fare due chiacchiere con noi! Partiamo subito da una vostra piccola presentazione, dateci qualche informazione sulla vostra nuova formazione!

Ciao a tutti! Ebbene sì, dopo 10 anni la formazione è cambiata. Quel Mazinga di Claudio è il nuovo percussore e il suo arrivo ha portato una “cosa enorme”! A parte gli scherzi siamo contenti che tre amici che condividono la gran parte del poco tempo libero insieme, possano condividere anche un progetto artistico che li accomuna molto. Forse è la prima volta che si forma per noi un trio davvero unito. La musica ora è per noi un sottofondo che accompagna le nostre future avventure.

Gli Shame fanno musica grunge, scelta decisamente coraggiosa e di nicchia a quanto pare. Eppure la sensazione è che il grunge non sia stato dimenticato anche se vive momenti di difficoltà come quasi tutta la musica indipendente. Cosa ne pensate voi che vivete da dentro questa situazione?

Etichettare la musica è sempre limitante. E’ indubbia la passione che abbiamo per quel genere musicale, che ci ha fatto crescere come la gran parte della nostra generazione. Dimenticato non direi proprio e lo dimostra soprattutto l’ultimo anno, che è stato ricco di tributi e manifestazioni che ricordavano proprio i personaggi e gli eventi che avevano caratterizzato quel periodo. Con l’arrivo di Claudio, per quanto ci riguarda, il nostro stile inevitabilmente sta prendendo nuove forme, che si discostano un po’ da quel sound anni 90. Stiamo cercando di sperimentare nuove forme di brani, tecnicamente un po’ più articolati e melodicamente più complessi… vedremo cosa ne uscirà fuori!

A febbraio 2014 è uscito il vostro disco “Entropia”, devo dire che è veramente bellissimo, 10 tracce che ci portano nel passato, a Seattle, nello stesso tempo è molto moderno e attuale. Come avete promosso il vostro lavoro? State facendo un tour? Che progetti avete?

Uno dei nostri grandi limiti è la nostra scarsa capacità di venderci. La promozione di Entropia ci ha fatto forse svegliare un po’ per la prima volta. Il fatto di aver trovato un’etichetta americana per la distribuzione, la Unable Records, sicuramente ci ha dato un po’ di visibilità e speriamo che insieme ai nostri promoters d’oltreoceano possano nascere collaborazioni ancora più grandi. Andrea e Claudio, suonate anche nei Poottana Play For Money, tribute band dedicata ai Nirvana.

Che differenza c’è tra avere una band con pezzi originali e una band che fa cover? Sappiamo che in linea generale i musicisti storcono il naso di fronte alle cover, ma il pubblico e i locali apprezzano particolarmente.

Beh, il nome direi che sia abbastanza eloquente. Il progetto è nato inizialmente per creare la possibilità di autofinanziare le spese dei nostri progetti individuali. Il progetto però è stato un volano di opportunità che ci ha portato anche a suonare al Layne Staley American Tribute di Seattle nel 2013. Esperienza indimenticabile. Poche settimane fa abbiamo avuto anche l’onore di suonare durante la manifestazione “PUNK TO THE PEOPLE” alla Fabbrica del Vapore a Milano, evento che ha riscosso davvero un gran bel seguito! Quindi che dire, ci divertiamo e continuiamo a farlo, finché durerà, senza pretese!

Gli Shame e i Poottana Play For Money fanno parte di una rete più grande, un gruppo che si occupa di promuovere e aiutare i musicisti di musica alternativa, indie e grunge. Parlateci del progetto e delle potenzialità.

Esatto, come noi molte altre band da ogni parte d’Italia e non solo, fanno parte di una grande “famiglia” nata per il supporto reciproco e per la passione per l’arte in senso lato: L’Alternative Grunge Crew. Invito tutti i lettori a dare uno sguardo al sito: http://www.alternative-grunge-crew.com e a supportare questa comunità di artisti che sta diventando davvero molto importante! Il 27 marzo siete tutti invitati ad un grande evento della Crew, il 5th Layne Staley Italian Tribute al 75 BEA, via Privata Tirso, 3, 20141 Milano.

Ho visto un’esibizione live degli Shame per beneficienza, devo dire che appena Andrea ha cominciato a cantare il pubblico si è fermato incredulo per via della sua voce. E ammetto che anche io la prima volta che ho ascoltato Entropia sono rimasta stupita, questo ragazzo ha una voce pazzesca, dal vivo fa ancora più impressione e tutto in senso positivo! Quando potremo vedervi dal vivo?

I complimenti lusingano, grazie! Per ora non stiamo cercando live dato che siamo in un periodo di creazione. Con il nuovo assetto stiamo lavorando alla creazione di un nuovo lavoro e c’è molto entusiasmo! Diciamo il dicibile… ma ecco, le prossime date abbiamo l’utopia che saranno lontane :-p . Per seguirci abbiamo una pagina Facebook : https://www.facebook.com/shametheband . Il nostro sito web è http://shameband.weebly.com/ dove troverete tutte le info e i link per “vederci” ed ascoltarci! Fateci un salto!

Grazie ancora del tempo che ci avete dedicato, possiamo rivederci presto così ci raccontate altre novità?

Assolutamente! Non vediamo l’ora che il cantiere in costruzione ora, diventi un luogo dove tutti voi potrete fare un viaggio insieme a noi…un po’ come Jim Morrison nel deserto…ahahah. Grazie mille è stato davvero un piacere! Vi vogliamo bene

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