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Stumbleine feat Violet Skies – Dissolver

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Solo qualche mese orsono vi ho parlato io stesso dell’Ep Chasing Honeybees, del duo Peter “Stumbleine” Cooper / Violet Skies muovendo tanti dubbi sia sul sound in sé sia sulla voce della nostra Violet ma anche rilevando gli aspetti positivi dati soprattutto dalla brama di fare Pop senza rotolare nelle convenzionalità del genere. Molte di quelle notazioni devono essere considerate ancora adesso opportune ma comunque alcune diversificazioni nette sembrano sollevarsi nell’ascolto di Dissolver. Si allenta notevolmente il legame con Dream Pop e Ambient, con il sound spectoriano anni 60 e con le atmosfere eighties di Cocteau Twins e My Bloody Valentine mentre tutto diviene molto più Pop o meglio più banale e stereotipato, anche se in certe congiunture (“Heroine”) Stumbleine pare seguitare a rendere omaggio a un passato sempre più remoto nel tempo tanto quanto attuale nella sua riscoperta. La voce di Violet Skies ostenta maggiormente la sua impostazione Soul e R’n’B, ma siamo lontani dai successi e dal livello qualitativo di un James Blake per intenderci. Le dieci tracce che avrebbero dovuto mettere sul piatto quanto di affascinante mostratoci nell’Ep Chasing Honeybees segnano invece una mezza sconfitta. Stumbleine e Violet Skies scelgono una strada sicura che però non fa altro che evidenziare ancor più i limiti del duo che, ancora una volta, butta via l’occasione di confezionare saggiamente qualcosa di alternativo dentro il sempre più deludente mondo della modern  popular music. Non mi stancherò mai di ripeterlo, la musica è più di una buona voce e capacità di usare uno strumento che sia un pezzo di legno o un groviglio di fili e bottoni. Se qualcuno dovesse apprezzare la voce femminile di Violet Skies magari potrebbe provare col suo esordio solista (la prima traccia uscita è “How the Mighty”) oppure, se come me è proprio quella voce che mal digerite, potreste provare con i lavori del produttore Stumbleine, ultimo Spiderwebbes, che uniscono Dream e Ambient Pop con Chillstep; ma non aspettatevi troppo, ve l’ho già detto, potete anche andare oltre senza perdere troppo tempo.

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Trophy Scars – Holy Vacants

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Per la band del New Jersey, la ricerca del sound perfetto, almeno secondo il punto di vista dei quattro, sembra finalmente aver portato a una meta che rispecchi le più rosee attese e, se non si può certo definire questo Holy Vacants un punto di arrivo, per i Trophy Scars si tratta comunque del luogo più alto di un’intera carriera. Holy Vacants aggredisce e miscela temi che vanno dalla mitologia, alle antiche religioni, passando per le più inquietanti teorie della cospirazione sul gene dei Nefiliti (popolo nato dall’incrocio tra figli di Dio e figlie degli uomini, citato nella Torah e non solo). Le parole sono prese a prestito dagli scritti di Jerry Jones, voce della band, il quale racconta la storia di due amanti che non solo hanno scoperto che il sangue degli angeli contiene la fonte della giovinezza, ma anche la formula del Qeres, antico profumo egiziano usato per la mummificazione e che è l’unica sostanza mortale per angeli e Nefiliti.  Se la narrazione muove attraverso queste vicende quasi come fosse un romanzo, da tenere d’occhio è sempre la natura metaforica dell’opera, che vuole sostenere i temi dell’idealizzazione della giovinezza, la perdita dell’identità e l’innocenza corrotta. Come indica lo stesso Jerry Jones, l’album è stato un modo per esorcizzare una persona dalla mente e dall’anima.

Holy Vacants doveva essere anche l’ultimo della formazione nata poco più di dieci anni fa a Morristown ma il valore raggiunto sembra lasciare aperti spiragli per una nuova vita. Blues Psichedelico che in realtà si muove attraverso le strade più disparate di Post Hardcore, Rock Alternativo, Prog e Screamo, creando un andirivieni stilistico che lascia senza fiato, per intensità ed efficacia. Eccezionale l’uso della voce e la timbrica inquietante di Jerry Jones che spinge attraverso una sezione ritmica prestante ma non invadente, chitarre che riescono a mostrarsi in tutta la loro bellezza esteriore al momento confacente, con brevi assoli polverosi e caldi che non disturbano l’incedere del sound. Oltre alla strumentazione classica, e l’uso di piano, organo e Moog, eccelso l’uso di tromba (Taylor Mandel), trombone (Caleb Rumley) viole, violini e violoncello (David Rimelis) e quant’altro che s’inseriscono quasi come ombre, come fantasmi, come angeli dentro la musica aiutando l’ascoltatore a immergersi in un mondo incredibile e fuori dal tempo. Le esplosioni Hard Rock non sono mai anacronistiche, anche se convincono molto di più i crescendo chitarristici (“Extant”) i passaggi più pulsanti e sostenuti (“Qeres”) e i Blues strazianti e poderosi (“Archangel”, “Hagiophobia”, Everything Disappearing”). Quasi dal sapore Industrial Stoner alcuni brani come “Burning Mirror” ma il meglio deve ancora venire e si manifesta nella seconda parte del disco, quando una “Chicago Typewriter” degna dei migliori Mars Volta, anticipa la sensazionale doppietta “Vertigo” / “Gutted”, che mette in scena un dualismo che sembra riassumere alla perfezione ogni cosa legata a tutto Holy Vacants. Per non farsi mancare nulla, l’album ci regala anche perle di semplice e orecchiabile Alt Rock moderno e vintage al tempo stesso nella forma e nel sound (“Every City, Vacant”) per poi chiudersi nell’eterea, quasi Dream Folk “Nyctophobia”, cantata dalla bravissima Gabrielle Maya Abramson, solo uno dei tanti ospiti di questo Holy Vacants. Dobbiamo infatti ricordare oltre ai cori, la voce extra di Adam Fischer in “Chicago Typewriter”, quella di Reese Van Riper in “Guttered” e di Desiree Saetia nella stessa e in “Crystallophobia”. Holy Vacants è un concept album che avrebbe dovuto raccontare la fine di una grande band forse troppo spesso ignorata e che invece suggerisce una strada buia e tenebrosa ma illuminata dalla speranza. Un concept che racconta una storia apparentemente lontana dalle vicende umane dell’uomo moderno ma che, in realtà, scava nell’interno della sua psiche, aiutando una catarsi necessaria per accettare le condizioni dell’esistenza senza alcuna paura verso l’ignoto.

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Stumbleine feat Violet Skies – Chasing Honeybees

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Il produttore britannico Peter Cooper, in arte Stumbleine, ben noto nell’ambiente Chillstep di ultimissima generazione, si affianca alla voce amabile, anche se troppo ordinaria per i miei gusti, di Violet Skies (da poco è uscito il suo primo lavoro solista), per un breve ma intenso prodotto che pur non elevandosi particolarmente per idee e stile, ha il grande merito di ostentare una delle plausibili strade Pop di pregio, del tipo valente per andare oltre i soliti luoghi comuni del genere. Il duo parte da ritmiche Dream Pop e Ambient, suscitando canzoni e strutture quasi vicine a certo Shoegaze, scommettendo tanto sulla vocalità, nel nostro caso, deliziosa e dall’animo Soul. Nonostante la fuggevolezza dell’opera è evidente il tentativo di racchiudere e far implodere in pochi minuti tutta la storia della popular music, o quantomeno quella parte di essa che affonda le radici negli anni 60, in Girl Group come Crystals e Ronettes, nel genio di Phil Spector (non a caso la traccia numero quattro, “And Then He Kissed Me” è un arrangiamento di un brano di Spector scritto per le Crystals) e che si dirama verso le atmosfere eighties di Cocteau Twins e My Bloody Valentine per giungere ai giorni nostri con spiccato senso di modernità.

Chasing Honeybees, questo il nome dell’Ep che apre le porte del full length in uscita ad aprile, ha due grandi pregi. Riesce a rileggere il passato senza suonare nostalgico e malinconico, arriva a cogliere i meriti di una musica comunque mai dimenticata, senza limitarsi a imitarne le intelaiature e, soprattutto, propone composizioni adatte a tipologie di pubblico molto diverse, come possono essere gli amanti delle scene indipendenti e chi alimenta le classifiche di vendita più scadenti. Stumbleine e Violet Skies ci rivelano, in pratica, come si possa braccare una via gradevole a un pubblico più ampio possibile e non sempre avvezzo a certi suoni, senza scendere a compromessi che indeboliscano l’integrità stilistica degli autori. Detto questo, non posso tuttavia negare che in queste cinque tracce manchi una vera vena innovativa; mi sento in dovere di far notare come non vi siano melodie che abbiano la forza di reggere il peso di parecchi ascolti. Il sound è dozzinale, si fonda tutto sugli arrangiamenti del produttore d’oltremanica che mette la sua elettronica come sfondo per la voce, come già detto gradevole ma comune, di Violet Skies. Arrangiamenti che, per quanto possano suonare ben impostati, sono anch’essi di una deludente insipidezza. Ognuno dei cinque brani sembra mostrare qualcosa che poteva essere ma non è ancora ed è qui che sta il suo valore ma anche il suo grosso limite. Chasing Honeybees mostra che si può, anche se ancora non sa bene come.

Nessuna grande canzone, nessuna clamorosa voce, niente arrangiamenti memorabili e un sound discreto e niente più ma anche tante idee su cui lavorare, almeno per unirsi al coro di chi cerca di far capire al resto del mondo che costruire Pop non significa farsi inchiappettare su un palco con la lingua penzoloni.

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Midas Fall – Fluorescent Lights

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Non sono proprio tra i più accaniti ammiratori dell’arte canora pura. Certo, non resto impassibile all’ascolto di esecutori capaci e incantevoli e ammetto che taluni timbri mi hanno fanno innamorare in un passato remoto ma anche, con meno enfasi, negli ultimi mesi. Il mio approccio alla musica non eleva la voce rispetto agli altri interpreti o meglio valuta in base al peso che la stessa ha all’interno delle canzoni e mi rende capace di apprezzare non solo e necessariamente tecnica e timbrica ma anche intensità emotiva, assonanza con il brano, rispetto degli obiettivi sostanziali ed emozionali. È questo modo di ascoltare che mi permette di seguire voci tanto distanti con la stessa gioia, con lo stesso entusiasmo, consapevole delle differenze di peso che le qualità canore dei diversi artisti possono avere nelle opere.

È per questo che riesco a sognare ascoltando Tim Buckley e piangere sotto le note sbilenche di Daniel Johnston; ed è per questo che non resto affascinato dai tre pezzi che compongono l’Ep Fluorescent Lights dei Midas Fall, che segue il secondo album Wilderness. Un lavoro che si presenta come Alt Post Progressive ma, nella realtà, si riduce a un esercizio di stile per i Midas Fall tutti e per la vocalist Elizabeth Heaton soprattutto. La musica non mostra alcuna variante rispetto alla proposta passata della band britannica, con qualche chitarra velatamente sferzante che si staglia su una sezione ritmica martellante e cenni di piano enfatici e il tutto si mette al servizio della voce della Heaton la quale certo non mancherà di trovare l’apprezzamento degli appassionati ma non entusiasma me per l’eccessiva banalità timbrica e una linearità e un’omologazione che non nobilitano le sue strofe rispetto a una qualsiasi interprete Pop, anche di casa nostra. Un Ep Rock come potrebbe esserlo quello di una cantante Pop italiana come Elisa, che si gioca il suo all in puntando quasi esclusivamente sulla voce ma torna a casa con le tasche vuote e qualche gadget di consolazione.

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Sorrow – Dreamstone

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Dopo una serie di Ep, remix e interessanti collaborazioni con artisti quali Stumbleine, Asa e Submerse, finalmente il Dj e produttore britannico Sorrow presenta il suo primo full lenght, intitolato molto suggestivamente Dreamstone. Una miscela innovativa anche se non stravolgente di Dubstep, Garage, Elettronica e Ambient che mira dritta alla parte più emozionale dell’ascoltatore.

Ritmiche grevi tipiche del Dubstep si stagliano su echi vocali femminili e seducenti e su note leggere ed eteree che in alcuni momenti (“Supernova”, Maelys”) azzardano rielaborazioni di Bossa Nova. Abituato alle collaborazioni, queste non mancano neanche in Dreamstone. In particolare nella title track e in “Dalliance” si evidenzia la presenza di CoMa che riesce ad aumentare la forza delle atmosfere Ambient della musica di Sorrow mentre è la brezza Chill Out a dare all’opera un’aura di completezza, omogeneità e dinamicità.

Tutti gli undici brani per i cinquanta minuti dell’album vivono di un’alternanza naturale tra oscurità ora più dinamiche (“Gallows Hill”, “Flowerchild”) ora più lente (“Dreamstone”) e lucente speranza e ariosità (“Moodswing”) ma senza mai presentare spaccature nette. Le differenze tra un brano e l’altro si limitano a sfumature leggere e quasi impercettibili a orecchio distratto mentre è chiaro come la formula che mira a una miscela di Dubstep, Chill Out, Ambient ed elettronica, per quanto qualcuno possa essere considerata innovativa (hanno parlato di Dubstep Ambient) da alcuni, in realtà è una scelta senza troppi rischi, senza una reale voglia di cambiamento, rivoluzione sonora e nessuno, ascoltando questo Dreamstone, potrà certo parlarvi di un album rivoltoso o fuori dagli schemi, salvo mentirvi o palesare la propria impreparazione. Che lo si chiami Ambient Dub o Dubstep Ambient o come diavolo volete, Sorrow non fa che riprendere e ripresentare in chiave moderna le idee di The Orb, Scorn, Vladislav Delay o Woob ma invece che sperimentare le possibili diverse e stravaganti sfaccettature del genere, come hanno fatto ad esempio Miles Whittaker e Sean Canty ovvero i Demdike Stare, sceglie di lavare il tutto da ogni sporcizia, lasciando solo la parte più pulita, scorrevole, immediata e semplice.

Quello contenuto in Dreamstone è un Ambient Dub oscuro ma non troppo, pesante ma non troppo, melodioso ma non troppo. Insomma è tutto e il contrario di tutto; ma non troppo.

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