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Versus è uno spazio che prova a mettere a confronto band storiche che all’apparenza hanno ben poco in comune: protagoniste del primo episodio, la band di Liverpool e quella di Minneapolis.
Accostare The Beatles (che da qui in avanti, per ragioni di comodità grammaticale, indicheremo omettendo l’articolo) e Hüsker Dü significa confrontare due approcci alla musica apparentemente opposti: il bianco ed il nero. Ad ogni modo, in entrambe le esperienze emerge una tensione tra controllo e istinto, architetture e spontaneità, autoanalisi e battaglia sociale.
Nonostante l’ampiezza delle differenze stilistiche e di epoca, entrambi i gruppi condividono una peculiarità radicale: la capacità di reinventare il linguaggio del loro tempo, trasformando il materiale musicale più immediato in qualcosa di personale e riconoscibile.
Capitolo I – Doppia Coppia e Divergenze Sociali
Fin dall’inizio, Beatles e Hüsker Dü incarnano un dualismo interno che ne guida l’evoluzione musicale. Nei primi, la tensione tra John Lennon e Paul McCartney – e quindi tra struttura e melodia – non è solo uno scontro personale, ma è anche il motore creativo: in brani come I’m Only Sleeping e For No One, la malinconia si intreccia con l’armonia e la forma, sintetizzando e dominando l’emozione.
La stessa tensione deflagrerà in episodi come Love You To (del solo George Harrison), dove l’apertura alla musica indiana dilata la forma pop oltre i confini occidentali. Una tendenza peraltro già anticipata in Norwegian Wood, prima canzone rock in cui viene utilizzato un vero sitar (The Kinks con See My Friends e Yardbirds con Heart Full of Soul ne avevano simulato il suono con la chitarra).
Negli Hüsker Dü, la dinamica tra Grant Hart e Bob Mould riflette una polarità analoga: fragilità e forza, personale e politico, melodico e rumoroso si confrontano in Up in the Air e Diane, generando un alfabeto musicale che rivoluzionerà l’alternative rock. In un brano come In a Free Land l’urgenza hardcore si apre poi a una via pop, saldandosi con uno dei testi più politici e diretti della loro discografia. Hart aveva inoltre un’anima hippie e psichedelica – non a caso, Hare Krsna tratta la spiritualità con il rito del chiasso.
Il contrasto emerge con forza già nella fase iniziale: i Beatles rielaborano armonie e dinamiche delle band vocali degli anni ’50 e ’60, conquistando fama e successo con Love Me Do e She Loves You. In un contesto di forti tensioni sociopolitiche (omicidio di Kennedy, scandalo Profumo, Guerra Fredda), essi non incarnano le istanze rivoluzionarie della gioventù. Anzi, attraverso abiti, pettinature e slogan propri della middle class inglese “anestetizzano” quella parte di gioventù – e non solo – che vuole conservare lo status quo, miope di fronte alle battaglie in atto, deviando brutalmente la discussione verso il fenomeno del “quartetto di Liverpool”.
Tuttavia, dal biennio 1966–1967 i Beatles inizieranno progressivamente a recepire e amplificare spinte della controcultura, in particolare riguardo a droga, sessualità, pacifismo e apertura spirituale.
Gli Hüsker Dü invece puntano sin da subito ad essere la band più veloce e selvaggia dell’hardcore, rompendo schemi e convenzioni (Land Speed Record). Nel Midwest americano degli anni ’80, in pieno reaganismo, la loro urgenza musicale assorbe alienazione suburbana e disagio post-punk, trasformandosi in linguaggio per la classe operaia e per gli outsider (Mould è apertamente omosessuale, Hart bisessuale: una band di rinnegati e perdenti che parla a persone rinnegate e perdenti). Schegge impazzite come Punch Drunk e Deadly Skies ne sono chiari esempi.
È una dinamica sociale e creativa invertita rispetto a quella dei Beatles. Due strategie opposte di innovazione: perfezione/modello consolidato da un lato, urgenza/sperimentazione radicale dall’altro.
Capitolo II – Iper e Ipo
Un ulteriore contrasto riguarda il rapporto con la produzione musicale.
Con George Martin i Beatles diventano una macchina controllata: ogni suono è misurato e registrato in studio con precisione. A partire dal 1966, con l’abbandono del live, i dischi divengono un laboratorio sonoro di sperimentazione metodica: dai crescendo orchestrali di A Day in the Life alla visione lisergica di Strawberry Fields Forever, dall’uso intensivo del multitraccia alla manipolazione dei nastri, fino all’apertura al sitar. Per Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band saranno necessarie circa settecento ore di registrazione.
Al contrario, gli Hüsker Dü perfezionano la loro energia sul palco o in sala prove, affidandosi a prese dirette e spesso “buona la prima” in studio per catturare l’urgenza del loro sound.
Zen Arcade, registrato in più di ottanta ore, propone in brani come Whatever e Chartered Trips convivenze innovative tra rumore e melodia, incarnando l’hardcore pop nel suo punto più alto. Arrivando a Flip Your Wig, Games è espressione di disagio, autoanalisi e fragilità. I quattordici minuti in chiusura tra prog, jazz e punk di Dreams Reoccuring rappresentano poi l’idea dell’imperfezione stessa che diventa linguaggio.
Entrambe le band segnano anche punti di convergenza per quanto riguarda l’evoluzione testuale, da semplicità a complessità crescente.
Nei Beatles, i testi passano da canzonette al sociale, all’intimo e al lisergico. Si va dalla psichedelia con pathos chitarristico a-là Cream di While My Guitar Gently Weeps (con Eric Clapton come ospite alla chitarra solista) al micro-collage di Happiness Is a Warm Gun. Negli Hüsker Dü, il passaggio è dal feroce hardcore (a tratti politico) all’introspezione e al disagio personale, dal turbine sonoro di The Girl Who Lives on Heaven Hill al folk viscerale di Too Far Down.
Entrambi esercitano un’influenza duratura: i primi rimodellano folk, psichedelia e pop orchestrale offrendo una direzione pop raffinata, mentre i secondi plasmano post-hardcore, emo, alternative e indie rock, contribuendo alla definitiva evoluzione del punk anni ’90.
Tanto premesso, la morte dei rispettivi manager – Brian Epstein e David Savoy Jr. – segna una frattura nei percorsi creativi dei due gruppi, sottolineando quanto il supporto esterno fosse stato cruciale nel guidare l’energia artistica verso risultati compiuti. Gli attriti interni tra le due coppie di cantautori portano più o meno rapidamente a una rottura definitiva e naturale.
Capitolo III – Cori: coscienza individuale e collettiva
Nei Beatles, coro e armonie vocali sono strumenti narrativi oltre che estetici. In Nowhere Man le tre voci intrecciano solitudine e straniamento, in Lovely Rita l’armonia è giocosa e leggera. Come Together sfrutta coro e andamento ipnotico per costruire un rito collettivo: il linguaggio enigmatico di Lennon diventa slogan generazionale. In She’s Leaving Home, l’interazione tra violino e voce amplifica la tensione, passando da tratto personale a collettivo. Tale approccio anticipa modelli espressivi come il dream pop (già esplorato dai Beach Boys in Pet Sounds, come nel caso di Wouldn’t It Be Nice, figlia del muro sonoro di Phil Spector).
Gli Hüsker Dü reinterpretano il coro come esperienza catartica: in Makes No Sense at All, lo tsunami di chitarre e le armonie frammentate trasformano la frustrazione in energia condivisa; in I Apologize, le voci sovrapposte creano un dialogo interno che riflette conflitto e nervosismo. Il coro di It’s Not Peculiar non raduna ma zoppica, non rassicura ma amplifica la dissonanza interiore, trasformando il canto in una confessione spirituale.
Nei Beatles, la narrazione resta mediata e contemplativa; negli Hüsker Dü è immediata e cruda. Il coro diventa specchio della collettività o proiezione del vissuto interiore, evidenziando due strategie opposte ma complementari per incarnare l’esperienza emotiva.
Capitolo IV – Melodia e Rumore
Nei Beatles, il rumore è sempre funzionale a uno scopo superiore: in I Want You (She’s So Heavy), l’ossessione melodica convive con lo sfacelo strumentale, mostrando come il collasso possa essere modulato e reso significativo. In Tomorrow Never Knows, loop ipnotici e manipolazione dei nastri aprono la strada all’avanguardia dei Residents e al krautrock dei Neu!. Il rumore diventa ferocia pura in Helter Skelter: una corsa al limite della saturazione, il momento in cui i Beatles raggiungono l’apice del caos, risposta diretta a Satisfaction (The Rolling Stones), My Generation (The Who) e You Really Got Me (The Kinks).
Negli Hüsker Dü, Divide and Conquer esprime l’urgenza opposta: il caos è materia prima e l’ordine emerge attraverso distorsione, velocità e polverizzazione. Il riff melodico convive con esplosioni hardcore e le armonie emergono come lampi sempre sul punto di disintegrarsi. La manipolazione di tempi, intensità e distorsione dà forma al vissuto emotivo: dall’arpeggio nostalgico di Celebrated Summer al piano “da saloon” sotto il vortice di Books About UFOs, esasperando l’insegnamento di Fame and Fortune (Mission of Burma) e Can This Be (Wipers).
Anche le cover diventano punti di contatto: da ipnotico turbine psichedelico, Eight Miles High dei Byrds viene trasformata dagli Hüsker Dü in urlo distorto e catartico; Helter Skelter dei Beatles viene invece eseguita dal vivo con intensa brutalità. In entrambi i casi si rivendica l’urgenza contrapposta alla forma: un ponte ideale tra i due decenni.
La dialettica tra le band è evidente: i Beatles affrontano il caos con misura e melodia, trasformando rumore in contemplazione; gli Hüsker Dü cercano l’ordine nel caos, costruendo senso dall’urgenza sonora. I cori confermano questa tensione: stratificazioni meditative nei Beatles, muro sonoro purificatore negli Hüsker Dü. Questa dinamica estetica ed emotiva ha plasmato il futuro della musica, dal pop orchestrale e R&B moderno al post-hardcore e al post-rock.
Capitolo V – Eredità e Influenze
L’impatto delle due band sulle generazioni successive mostra un curioso paradosso.
I Beatles, con la loro genialità e sperimentazione, hanno una presenza relativamente marginale a livello di influenza diretta: si va dai Big Star di Alex Chilton alla riscoperta da parte di Electric Light Orchestra e XTC, senza dimenticare il jangle pop di fine anni ’80 (The La’s, Feelin’) e l’ispirazione indiretta nei confronti del Britpop.
Band come gli Oasis ne fanno una parodia aggiungendo del fuzz, ma nel complesso il movimento – da Teenage Fanclub e The Stone Roses fino a The Verve e Blur – guarda oltre, verso le radici (Byrds, The Rolling Stones) e un power pop duro (Buzzcocks); infine, i Radiohead fanno propri elementi melodici e armonici dei Beatles, con Faust Arp da In Rainbows come esempio emblematico.
I Beatles, insomma, spesso funzionano più come modello culturale che fonte musicale immediata.
Al contrario, gli Hüsker Dü hanno un riconoscimento immediato: la loro miscela di hardcore intenso, melodie emergenti e urgenza emotiva ispira direttamente band come Dinosaur Jr. e My Bloody Valentine. Il muro sonoro arricchito di effetti di Mould fa scuola per J Mascis e Kevin Shields e influenza gruppi come gli Squirrel Bait, da cui germoglieranno poi gli Slint, tutte pietre miliari di noise rock, shoegaze e post-rock.
Un caso a sé è quello dei Nirvana, forse l’unica band a mescolare consapevolmente entrambe le eredità. Dai Beatles essi traggono orecchio per la melodia e la costruzione dei brani, dagli Hüsker Dü la crudezza, i riff essenziali, feedback e rumore inteso come linguaggio. Il filo tra melodia e urgenza hardcore diventa particolarmente evidente in brani come In Bloom e All Apologies. Kurt Cobain stesso descriveva il suono del gruppo come “una combinazione tra Black Sabbath e Beatles”, un matrimonio tra pesantezza e melodia – non sorprende quindi che Zen Arcade fosse uno dei suoi dischi preferiti.
Un altro caso interessante è quello dei R.E.M., che ispirano direttamente l’evoluzione melodica del trio di Minneapolis: fino a Document, i dischi della band guidata da Michael Stipe presentano un crescendo di intensità e tensione, in un dialogo con gli Hüsker Dü alla spasmodica ricerca della canzone college, indie, punk e pop ideale – eredità poi accolta anche dai Pixies.
Chiosa Finale – Lo Specchio Distorto
Nei Beatles, il logos domina e cerca il caos, filtrando l’esperienza tramite armonia, coralità e controllo formale. Negli Hüsker Dü, il caos domina e cerca il logos, generando melodia, struttura e senso attraverso urgenza e frattura sonora. Uno “specchio distorto” sintetizza questa dialettica: due immagini dello stesso archetipo, due riflessi opposti della condizione umana.
Nei quattro di Liverpool lo specchio restituisce ordine, bellezza e contemplazione – la loro massima espressione è probabilmente l’autocelebrazione consapevole del proprio status di “semidei” (All You Need Is Love). Nella band di Minneapolis vivono invece la deflagrazione, l’urgenza e una verità ferita: il punto più alto è la straziante Hardly Getting Over It, in cui il frastuono delle distorsioni si dissolve e la pulizia fa emergere il cantautore (Mould) e la melodia.
Questa tensione tra logos e caos attraversa l’intero percorso creativo delle due band: una cerca il tumulto per controllarlo, l’altra cerca l’ordine emergendo dal tumulto. La musica diventa pensiero incarnato, specchio del mondo, dello spirito e del sé, dove armonia e distorsione convivono in un continuum emozionale e filosofico che continua a influenzare generazioni di musicisti e ascoltatori.
E forse logos e caos non sono soltanto archetipi musicali, ma riflessi di una condizione esistenziale: ogni generazione rielabora queste tensioni con il proprio linguaggio sonoro, trasformando l’urgenza del presente in forme che aspirano al senso.
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BOB MOULD George Harrison Grant Hart Husker Du John Lennon Paul McCartney pop rock Post-Hardcore Power pop Psychedelic Rock The Beatles
Last modified: 3 Novembre 2025
