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Giuseppe Righini – Houdini

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Arrivato al suo terzo lavoro come cantautore, Giuseppe Righini tenta un approccio meno canonico e arriva ad un compromesso accattivante tra songwriting e sonorità contemporanee.
I brani di Houdini hanno nomi di luoghi e persone ma le liriche rifuggono dal concreto, prestandosi alle interpretazioni più disparate con cui tengono l’ascoltatore sulla corda, tra eleganti astuzie sintetiche e un timbro vocale pulito e versatile. La produzione è curata nei dettagli e dimostra che bastano piccoli accorgimenti degli arrangiamenti per essere piacevolmente pop senza essere affatto easy. Il singolo “Magdalène”, efficace e coinvolgente, è il brano più Rock di tutto il disco. La sua atmosfera noir e suggestiva è il denominatore comune delle variazioni sonore di cui vive l’album, in bilico tra Synth Pop e Alt Dance come i primi Depeche Mode ma con la vocazione per la musica d’autore dei La Crus. La personale interpretazione di Righini del connubio cantautorato-elettronica rimanda agli ultimi esperimenti di Paolo Benvegnù sin dalle sovrapposizioni morbide e misurate degli strati sintetici di “Monge Motel”, la traccia che inaugura l’ascolto. Gli episodi più ritmati evocano invece l’attitudine Alt Pop dei Subsonica, come “Tic Toc Bar”, la title-track e il singolo stesso, ma anche in questi casi la voce garbata di Righini ingentilisce sapientemente campioni e sequenze. Ne viene fuori un lavoro organico ma tutt’altro che piatto. La maestria è nei contrasti tra gli elementi, come in “Nonsense Dance”, ritmo catchy a base di sequenze abbinato all’inquietudine delle liriche, o in “Amsterdam”, in cui il cantato si fa più roco e graffia il fondo fatto di archi discreti. Convincono meno i pochi episodi in cui la composizione perde equilibrio rinunciando quasi completamente alla musica per lasciar spazio alla voce (“Bye Bye Baba”, “Lungo la Strada”). Dell’ascolto di Houdini resta impressa la giustapposizione di torbido e danzereccio, formula azzeccata di un disco capace di essere sofisticato senza perdere in fruibilità.

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Fast Listening | Aprile 2015

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Daniel Knox – Daniel Knox  (Alt Pop, 2015) Voto 7/10

Terzo bellissimo lavoro per il trentacinquenne di Chicago che dopo l’ottimo esordio Disaster del 2007 e il successivo altrettanto valido Evryman for Himself è chiamato a confermare il suo talento centrando l’obiettivo quasi completamente. Pop da camera, barocco e orchestrale che disegna il volto di un’America sofferente.

Tobias Jesso Jr – Goon (Songwriter, 2014) Voto 6,5/10

Dopo le più innumerevoli vicissitudini negative, personali e artistiche, sembra giunto il momento del riscatto per questo giovane musicista di Vancouver, qui al suo esordio solista. Un album intenso, ricco di spunti, non senza qualche ridondanza ma che fa ben sperare per il futuro.

Ovlov – solo (Alt Pop, 2015) Voto 6,5/10

La presenza del bassista degli Smiths Andy Rourke nelle vesti di direttore artistico e produttore pare essere da sola garanzia di validità del prodotto. Il nuovo album del power trio bresciano prende effettivamente le distanze dal Rock diretto, immediato, dell’esordio scegliendo una strada più introspettiva e complessa. Nel risultato, solo è un album convincente solo a metà, specie nei suoi passaggi più Wave ma che non riesce a togliersi di dosso quella sensazione di deja-vù. Da segnalare la presenza di Xabier Irondo (Afterhous) al basso in “Fall Down”.

BeWider – A Place to Be Safe (Pop Orchestrale, Alt Pop 2015) – 6,5/10

Quando partono le prime note (“Following the River Flow”) di questo Ep d’esordio del compositore Piernicola Di Muro, grazie anche alla bellissima voce di Francesca Amati, non si può che restare affascinati gonfiandosi della speranza di aver finalmente scovato nel panorama italiano qualcosa che sia davvero di portata internazionale. Tuttavia, nei cinque brani che seguono, tutto il pathos iniziale finisce per sfaldarsi in una varietà stilistica che se da un lato fornisce una miriade di spunti dall’altro non garantisce la giusta omogeneità. Dall’Elettronica classica si passa al Dub, fino al Trip Hop per la gioia di chi si annoia facilmente.

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Colapesce – Egomostro

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Sono trascorsi tre anni dall’ultimo disco ufficiale di Colapesce, tre anni durante i quali il cantautore siciliano ha raccolto pezzi di “mostri” in giro per l’Italia, tre anni per dare vita al nuovo Egomostro. Un disco diverso dalle precedenti produzioni sotto ogni punto di vista, Colapesce appare più maturo e in un certo senso abbastanza “sperimentale”, il sound profuma di anni ottanta, Lucio Battisti che lascia la sicurezza Mogol per sperimentare liberamente. Con il precedente Un Meraviglioso Declino avevamo conosciuto un artista molto legato alla leva cantautorale degli anni zero, apprezzabile e godibile, niente però riusciva a tirarlo fuori dalla mischia con spiccate autorevolezze compositive. Le cose cambiano inevitabilmente, sia nel bene che nel male. Egomostro rappresenta la maturità artistica di Colapesce, un disco certamente poco diretto ma capace di entrarti dentro pian pianino per restarci prepotentemente. Ad un certo punto della vita senti il bisogno impellente di approfondire le cose, di capirne il senso, non per sembrare presuntuoso, soltanto per viverle a pieno. Egomostro racchiude la consapevolezza della maturità che non si ferma davanti alla facciata, Colapesce decide di entrare nel vecchio palazzo per ammirarne tutte le stanze, per respirare quell’aria di chiuso che a molti darebbe fastidio. Dopo l’intro, il disco dimostra subito di essere elettronicamente diverso, quasi Punk, con “Dopo il Diluvio”. Roba fresca, diversamente attraente. Le mie papille percepiscono dell’agrodolce in “Reale”, la ritmica incalzante mette allegria ma l’aria non è delle migliori per sentirsi felici, la tristezza in un certo senso rende riflessivi. Lo stomaco si chiude, la bellezza incontrastata di “Sottocoperta”, la canzone italiana che offre grandi sensazioni, quelle capaci di farti accapponare la pelle, quando pensi che non avresti chiesto di ascoltare di meglio. Colonna sonora da dedicarsi nei momenti più intimi, ad ora il miglior pezzo dell’album almeno per emozioni trasmesse. “Egomostro” torna a portare sperimentazione fine anni settanta, non mi esalto troppo ma ne apprezzo le potenzialità, Colapesce ha deciso di spostare tutte le sonorità del disco su quella strada, sarà la sua personale passione nei confronti di Battiato. Ascolto il mare, penso al vento che taglia la faccia, penso alla dolcezza di una carezza, “L’Altra Guancia” scioglie ogni riserva emotiva alla quale ancora mi ero attaccato. “Maledetti Italiani”, rappresenta tutto il brutto della nostra società, una protesta a cui ultimamente siamo abituati, a cui non facciamo neanche più caso, della quale tutti ci sentiamo vittima senza reagire, inerti. Di Egomostro riesco ad apprezzare quasi tutto, la non convenzionalità dei brani mi rende fiducioso sul futuro della musica italiana, Colapesce si mette in gioco pesantemente e vince. Il disco è indubbiamente di duro impatto, fermarsi al primo ascolto significa non capirne la volontà, significa avere un approccio mediocre e superficiale verso l’arte. Colapesce è tornato in grande stile registrando un disco considerevole, questa volta riesce a togliersi l’etichetta di piccolo cantautore diventando grande, dimostra di saper comporre musica diversa e scrivere testi calibrati. Egomostro sono riuscito a renderlo mio, a farlo aderire alla mia personalità, a capire tutto quello che voleva trasmettere. Egomostro è un grande lavoro, avevamo tutti bisogno di un Colapesce in queste condizioni compositive, ormai non posso più farne a meno.

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Lana Del Rey – Ultraviolence

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È un pomeriggio di giugno del 2012. Il grosso isolato intorno all’Irving Plaza di New York City è circondato da svariate centinaia di persone, una moltitudine colorata in coda che arriva fino alla vicina Union Square, dove giungo trafelata per non perdermi lo showcase di Patti Smith, nella grande libreria Barnes & Noble che guarda sulla piazza, sorpresa al mio arrivo nel trovare la folla dal lato opposto. Mi avvicino a chiedere informazioni ad una tipa dai dreadlock rosa. Ci vorranno altre cinque o sei ore prima che la performance di Elizabeth Grant a.k.a. Lana Del Rey abbia inizio, ma loro sono già tutti qui. Born to Die è uscito soltanto da pochi mesi ma la strada per il successo sembra già una comoda passeggiata in discesa. Lana Del Rey avrebbe avuto vita comoda se avesse voluto essere una Pop star. Miss Grant però è ambiziosa, e pianifica questo secondo disco con il preciso intento di scampare il pericolo di essere scambiata per tale, profilatosi all’orizzonte dopo il debutto con una major. Di Born to Die raccoglie l’intuizione azzeccata, quel sound inedito che qualcuno ha definito Hollywood Sadcore, e tralascia tutti gli altri umori su cui viaggiava lunatico il disco di esordio. Recluta poi Dan Auerbach, in doppia veste di chitarrista e produttore: il frontman dei Black Keys calca la mano sugli arrangiamenti, spolverando un velo di Blues, ma meno di quanto ci fosse da aspettarsi, seguendo piuttosto i canali scelti dalla cantautrice e conferendo, anche fosse solo con la propria presenza, il marchio di fabbrica Indie al prodotto finale.

La Del Rey è molto meno ingenua di quello che vorrebbe farci credere. È sempre perfettamente consapevole delle sue mosse, quando sceglie i personaggi di cui circondarsi, il colore dello smalto, i tweet che scomodano Lou Reed, i riferimenti rapidi e indolori al cinema d’autore o ai poeti beat con cui decora le liriche dei suoi brani. Il range di ispirazioni che Lana ci tiene a sottolineare si estende infatti ben oltre il mondo della musica indipendente, a partire dallo stesso titolo, che cita quella old ultra violence di Alex in “Arancia Meccanica”. D’altronde ultraviolence in lingua inglese è diventato vero e proprio sinonimo di rape, stupro. I testi della nuova Lana narrano di un unico lungo melodramma in cui amore e violenza sembrano inscindibili. “He hit me and it felt like a kiss”, mugola nella title track, altra citazione autorevole, stavolta chiamando in causa l’R&B delle Crystals.  Il problema sta nel fatto che Lana si è accuratamente confezionata un’ottima occasione per poi sciuparla.

La prima parte dell’album è un ricco assaggio di tutte le facce che potrebbe assumere questo Sadcore glitterato e opulento, oltre che una dimostrazione convincente delle sue doti da contralto con ampia estensione vocale. “Cruel World” inaugura in riverberi energici e conturbanti quel mood vintage che è poi la spina dorsale del progetto Del Rey, in cui tutto appare slavato dai toni pallidi di un filtro Instagram. “Ultraviolence” è fatta di archi e sussurri, sulla scia di quel filone sognante che parte da “Young and Beautiful”, soundtrack del remake de Il Grande Gatsby e consacrazione di Lana Del Rey alle colonne sonore. Sembra di sentire i vocalizzi di quella Suzanne Vega di “Solitude Standing”, ma è chiaro che non c’è la stessa introspezione: quando il timbro ammaliante di Lana chiede give me all of that ultraviolence, quello che ne viene fuori è piuttosto una Etta James dei nostri giorni (negli anni Sessanta il suo I just wanna make love with you deve aver suonato altrettanto scandaloso). I cori angelici ed effettati di “Shades of Cool”, le chitarre acustiche di “Brooklyn Baby”, il ritmato impasto sonoro di “West Coast” che sembra uscito da uno spy movie anni 70: ogni brano è una diversa e interessante declinazione della sua malinconia teatrale e sontuosa. Da questo punto in poi però il disco prosegue con qualche sforzo, tra sonorità che si adagiano pigre sul ben fatto delle tracce precedenti e testi che si fanno più banali, e senza molte altre storie torbide da raccontare si attestano sul già abbondantemente sviscerato tema della disperazione che si cela dietro allo sfarzo dello star system. Se da un lato si ha l’impressione che la Grant non sia riuscita pienamente nello sviluppo di quello che sembrava configurarsi come una derivazione inedita e glam dello Slowcore, dall’altro appare abbastanza chiaro che questo universo dorato di cui finisce ogni volta per parlare sia il suo habitat naturale. Lana Del Rey è pura incarnazione dell’american way of life, un aspetto inevitabilmente essenziale della cultura a stelle e strisce, ma senza alcuna ricerca di contenuti tradizionali da rielaborare, come in altre cantautrici americane sue coetanee (penso a Johanna Newsom): è piuttosto una ironica postura in cui lei sembra perfettamente a suo agio, un canto ammaliatore di sirena che trasporta l’ascoltatore nei luoghi mitici del sogno americano, dalla lasciva California alla fervente New York degli anni 70, e glieli lascia assaporare.

Conclude l’edizione standard una struggente reinterpretazione di “The Other Woman” di Jessie Mae Robinson, cara anche ad un certo Jeff Buckley (“io e Jeff abbiamo molte più cose in comune di quanto pensiate”, sembra dire lei con la sua consueta aria alla Jessica Rabbit che finisce sempre per convincere un uomo di qualsiasi assurdità). La deluxe edition include invece altri tre brani che divergono dal tracciato precedente in accenni elettronici e risultati orecchiabili ma decisamente meno interessanti. A me piace pensare che quest’algida diva contemporanea si faccia in realtà delle grandi risate quando vede il mondo credere al suo show da drama queen. Mettetevi comodi perché ho la sensazione che il suo spettacolo fatto di pillole, gossip e lustrini durerà almeno un altro paio di decenni.

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Nicolò Carnesi – Ho una Galassia nell’Armadio

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Luogo d’ascolto: sotto un albero, vicino ad un autostrada.

Umore d’ascolto: come di chi pensi che quello sotto cui sta ascoltando Carnesi è l’unico albero rimasto nel mondo.

Il secondo disco è sempre una cartina al tornasole per capire l’evoluzione di un artista. Se il primo è quello dell’ingenuità, delle idee potenti e potenziali buttate alla rinfusa, il secondo è quello della strada dritta, della precisione, quello che fa capire a quale velocità potrà andare la macchina. Avevo sentito parlare di Nicolò Carnesi tempo fa come un promettente autore della cerchia gravitante intorno a Brunori Sas e la sua Picicca dischi; non avevo ancora ascoltato nulla e quindi, come spesso avviene, appena mi è arrivato all’orecchio la news del suo secondo disco Ho una Galassia nell’Armadio sono andato il giorno stesso a spizzare su youtube il suo primo singolo “La Rotazione”. Mi ha colpito molto il suo timbro che richiama in alcuni passaggi un certo Battisti anni 80 o magari Graziani nella ricerca di melodie apparentemente semplici ma subito catchy e quindi tutt’altro che banali, magari anche Branduardi nel profilo della chioma e nella tendenza ad andare sulle note alte con la voce sottile sottile sottile. Mi ha davvero colpito la produzione del pezzo. Di lì il passo al disco e alla recensione è stato immediato. Ho scoperto che Nicolò è davvero un ottimo autore e che davvero la sua voce ha sfumature molto particolari e che i suoi testi sono un miscuglio ben riuscito di cielo e terra, di stelle e di asfalto. Questo secondo disco ha spalancato un’autostrada su cui Carnesi può portare tutto il suo talento a 200 all’ora verso il pubblico più vasto che si possa aspettare da un cantautore. Ho una Galassia nell’Armadio è un perfetto esempio di Pop impegnato, leggero nei suoni, non forzatamente pretenzioso nei temi, mai banale nelle scelte stilistiche. Dicevo della produzione: Tommaso Colliva è un maestro dei suoni e in questo disco ha l’indiscusso merito di spostare l’ambiente musicale in cui Carnesi si era mosso nel suo precedente lavoro in un territorio più europeo, in un territorio di suoni di synth analogici e pad soffusi quasi Dance, di spruzzate di Funk bianco alla Alan Sorrenti che ben si adattano a versi come “ Campa ragazzo che l’erba cresce e la fumi pure, la felicità la trovi in farmacia, tra vita e morte c’è di mezzo uno stato neutrale, ma non è la Svizzera”. Un terreno su cui il timbro di Carnesi ne esce valorizzato e rende piacevole anche l’ascolto meno attento, tipo quello della fantomatica casalinga di Voghera mentre fa le pulizie di casa.

Tra i pezzi più riusciti sicuramente “ Numeri”, testo meraviglioso e musica da ascoltare ad occhi chiusi in una giornata assolata e con il sorriso stampato in faccia, sotto l’ombra: “poi uso troppo gli addii, forse per paura di riceverli”, un verso illuminante e malinconico che colpisce in quella canzone come una carezza di un genitore che sta partendo. Ho sempre pensato che l’attenzione alla produzione e alla possibile fruizione del lavoro discografico, chi mi conosce lo sa, sia un pregio inestimabile di una produzione, l’unica cosa che rende un talentuoso autore di canzoncine un artista da classifica e un riferimento per una scena. Dieci più al Signor Colliva, mi sbilancio. E un buon sette e mezzo per questo giovane Carnesi che fa ben sperare per il terzo disco, quello del salto nel vuoto contro lo zoccolo duro dei fan della prima ora che ti vorrebbero sempre identico a te stesso ma anche criticabile proprio per questo. Per il momento non è il caso di pensarci ma di goderci questo, di ancheggiare un po’ sul posto e magari di fare le pulizie ad alto volume senza necessariamente riflettere. Perchè la musica, ricordiamocelo sempre, è la colonna sonora della giornata e un modo per sublimare il quotidiano, non solo e non per forza in ogni ascolto un modo per elevare lo spirito. Carnesi lo ha capito.

Lunga Vita a Carnesi.

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Maria Antonietta – Sassi

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L’ironia della sorte vuole che il mio primo ascolto di Sassi avvenga mentre cedo ancora una volta alla tentazione di tingermi i capelli. Mi guardo allo specchio e faccio la smorfia di Maria Antonietta in copertina. Non più rosso fuoco, ma una chioma scompigliata color rame. Mai anonima, ma di certo più serena. Al secolo Letizia Cesarini, questa donnina dagli esordi Shoegaze negli Young Wrists si guadagna l’appellativo di pasionaria con l’album omonimo Maria Antonietta del 2012 e le sue storie di santi e peccatori vestiti di Rock Garage, prima avventura da solista e in lingua italiana. Ora come allora non si tratta poi tanto di religione quanto di una spiritualità curiosa e schietta, che con il divino dialoga con la stessa sfacciataggine con cui Tori Amos chiedeva God sometimes you just don’t come through | Do you need a woman to look after you? Maria Antonietta deve molto alle conturbanti presenze femminili della scena Punk anni 90. È una riot girl tardiva che non disdegna la lezione delle grandi voci femminili italiane del secolo scorso e da questa miscela sapiente costruisce un suo personalissimo stile. I sassi che danno il nome al suo nuovo album sono quelli biblici dell’Ecclesiaste, da cui trae un intero verso e ne fa il ritornello della seconda traccia, “Abbracci”: c’è un tempo per lanciare i sassi e un tempo per raccoglierli. Per descrivere il proprio percorso, quello artistico e, necessariamente per una cantautrice tanto autobiografica, anche quello personale, Letizia non avrebbe potuto fare una scelta migliore. Che l’amore faccia un gran bene alle donne è un dato di fatto. Dopo un disco che scalpita tra sacro e (molto) profano, Sassi ha ora l’equilibrio e il sapore delle cose fatte in due. Il legame con Giovanni Imparato (Chewingum), presente anche in veste di produttore, smussa le sonorità spigolose e scioglie quel fascio di nervi e ormoni. Promette suadente sulle note rarefatte di una ballad come “Decido per Sempre”: se io potessi essere migliore, io sarei migliore solo per te. La stessa Maria Antonietta che un paio di anni fa raccontava di motel e di uomini che le telefonavano per scopare. Felice e monogama, si affida ora ad un sound più ruvido, ma lei è composta e raffinata, ed ha anche imparato a non dire parolacce.

“Animali” anticipa l’album di molti mesi, in un 45 giri che include una cover di “Non ho l’Età”. Il singolo nasce prima del lavoro di arrangiamento di Marco Imparato, co-produttore insieme al fratello Giovanni, e vive infatti di suoni diversi, folk e sognante tra archi di stampo orchestrale e il timbro sornione di Letizia che ti sussurra all’orecchio che sei l’uomo con cui vuole svegliarsi ogni mattina. Nonostante le sonorità si arricchiscano di elementi nuovi come il pianoforte, l’apparato strumentale è minimale. La voce, ostentatamente innaturale ed elegante, la fa da padrona nella maggior parte del disco, sia che ruggisca come la sua indole comanda, sia che si faccia eterea rievocando a tratti un timbro caro al rock italiano degli anni 90 come quello di Sara Mazo degli Scisma. Le distorsioni un tempo consuete diventano casi isolati, come in “Ossa”, il singolo che esce a ridosso dell’album, accompagnato da uno psichedelico videoclip Lo Fi, declinazione in chiave ironica della sua vena Post Punk, a sottolineare che, felicità a parte, Maria Antonietta si colloca ancora a metà tra PJ Harvey e Cristina Donà, meno oscura della prima e indiscutibilmente più graffiante della seconda. Nonostante tutto, il risultato finale è ancora inquieto e sperimentale (in “Giardino Comunale” si lascia persino andare ad incursioni Rap), un album che concede un assaggio di tutto ma senza forzare troppo la mano su alcuna delle possibilità. Restiamo volentieri a guardare dove la porterà nei prossimi anni il suo cuoricino. Nel frattempo noi donne abbiamo imparato che smettendo i panni della femme fatale per indossare solo la nostra espressione più ingenua possiamo riscoprirci inaspettatamente affascinanti.

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Stumbleine feat Violet Skies – Chasing Honeybees

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Il produttore britannico Peter Cooper, in arte Stumbleine, ben noto nell’ambiente Chillstep di ultimissima generazione, si affianca alla voce amabile, anche se troppo ordinaria per i miei gusti, di Violet Skies (da poco è uscito il suo primo lavoro solista), per un breve ma intenso prodotto che pur non elevandosi particolarmente per idee e stile, ha il grande merito di ostentare una delle plausibili strade Pop di pregio, del tipo valente per andare oltre i soliti luoghi comuni del genere. Il duo parte da ritmiche Dream Pop e Ambient, suscitando canzoni e strutture quasi vicine a certo Shoegaze, scommettendo tanto sulla vocalità, nel nostro caso, deliziosa e dall’animo Soul. Nonostante la fuggevolezza dell’opera è evidente il tentativo di racchiudere e far implodere in pochi minuti tutta la storia della popular music, o quantomeno quella parte di essa che affonda le radici negli anni 60, in Girl Group come Crystals e Ronettes, nel genio di Phil Spector (non a caso la traccia numero quattro, “And Then He Kissed Me” è un arrangiamento di un brano di Spector scritto per le Crystals) e che si dirama verso le atmosfere eighties di Cocteau Twins e My Bloody Valentine per giungere ai giorni nostri con spiccato senso di modernità.

Chasing Honeybees, questo il nome dell’Ep che apre le porte del full length in uscita ad aprile, ha due grandi pregi. Riesce a rileggere il passato senza suonare nostalgico e malinconico, arriva a cogliere i meriti di una musica comunque mai dimenticata, senza limitarsi a imitarne le intelaiature e, soprattutto, propone composizioni adatte a tipologie di pubblico molto diverse, come possono essere gli amanti delle scene indipendenti e chi alimenta le classifiche di vendita più scadenti. Stumbleine e Violet Skies ci rivelano, in pratica, come si possa braccare una via gradevole a un pubblico più ampio possibile e non sempre avvezzo a certi suoni, senza scendere a compromessi che indeboliscano l’integrità stilistica degli autori. Detto questo, non posso tuttavia negare che in queste cinque tracce manchi una vera vena innovativa; mi sento in dovere di far notare come non vi siano melodie che abbiano la forza di reggere il peso di parecchi ascolti. Il sound è dozzinale, si fonda tutto sugli arrangiamenti del produttore d’oltremanica che mette la sua elettronica come sfondo per la voce, come già detto gradevole ma comune, di Violet Skies. Arrangiamenti che, per quanto possano suonare ben impostati, sono anch’essi di una deludente insipidezza. Ognuno dei cinque brani sembra mostrare qualcosa che poteva essere ma non è ancora ed è qui che sta il suo valore ma anche il suo grosso limite. Chasing Honeybees mostra che si può, anche se ancora non sa bene come.

Nessuna grande canzone, nessuna clamorosa voce, niente arrangiamenti memorabili e un sound discreto e niente più ma anche tante idee su cui lavorare, almeno per unirsi al coro di chi cerca di far capire al resto del mondo che costruire Pop non significa farsi inchiappettare su un palco con la lingua penzoloni.

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Artic Monkeys – Am

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Tipo strano Alex Turner: considerato dalla critica tra i migliori cantanti della sua generazione, accostato ai nomi più autorevoli del pantheon del Rock su tutti il Modfather Paul Weller; artista capace di togliere quell’odioso ghigno dal volto dei fratelli Gallagher superando il record raggiunto da Definitely Maybe nel 1994 vendendo,con Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, trecentosessantaquattro mila copie in una settimana, aggiudicandosi così il Guiness dei primati per il “disco di debutto con maggior numero di copie vendute”.

Profeta anti-hype ma al tempo stesso avido opportunista, trasformista a trecentosessanta gradi memore della lezione bowiana,Turner torna a far parlare di sé con AM, quinto e attesissimo album, accompagnato come sempre, dalle sue fedeli Scimmie Artiche. Sin dal primo ascolto ci si rende conto che AM è un lavoro destinato a suscitare pareri discordanti. I fan accaniti si sentiranno in qualche modo traditi dalla loro inversione di tendenza, quelli più distaccati forse ne saranno lieti e, chi ancora non li conosce, probabilmente ci si avvicinerà. Questo disco ci trasporta da subito in morbidi territori Alt Pop in cui suoni più audaci di matrice Rock si amalgamano a languide e pericolose tendenze R&B quasi da boy band; miscela evidente in “One For The Road” pezzo che, col suo cantato melodico alla Justin Timberlake, risulta stucchevole. Una parte oscura si nasconde in AlexTurner, irrequieto beatnik musicale che sembra non trovare pace e quasi quasi mi viene da pensare a un disturbo di personalità ascoltando “R U Mine?” brano che, in un colpo solo, cerca di fondere imprudentemente i Black Sabbath con sonorità Hip-Pop; la cosa sorprendente è che ne viene fuori un pezzo orecchiabile e adatto anche al pubblico più ingenuo.

Un po’ ci si riprende con l’intro di “Arabella” che ha un vago profumo di Morphine e chitarroni anni 70 devoti a Tony Iommi. Vogliono tutto e subito questi Artic Monkeys, lo si capisce da “I Want It All” col suo abbordabile ritornello da Hit Parade contornato da un pulsante Alternative Rock che s’imprime da subito nella mente. Merita di essere citato il video di “Why’d You Only Call Me When You’re High?” perché la dice lunga sull’intento della band; è guardando questo video che capirete molte cose sul contenuto dell’album:protagonista è ovviamente il nostro caro Alex Turner che, con un look alla Gene Vincent, gioca a fare il maledetto perdendosi nei fumi dell’alcol e della mescalina mentre tutto fila via, scontato come un telefilm per teenager,su una base alla Craig David. L’album procede con lentezza fino alla dodicesima e ultima traccia, “I Wanna Be Yours” perfetta per un ballo di fine anno stile America anni Cinquanta. Mi piace pensare che queste sonorità faranno storcere il naso anche a Josh Homme che nel 2009 produsse “Humbug”, disco dalle sonorità squisitamente Stoner ma che già lasciava intravedere una sottile furberia commerciale.

Seppur abili nell’arte del remake-remodel, gli Artic Monkeys di AM mancano di spessore, troppo intenti a confezionare un disco accessibile si dimenticano della sostanza scivolando in una banale palude sonora. Insomma,un lavoro fumoso che non ha di certo alte ambizioni artistiche.

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Here We Go Magic – A Different Ship

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E’ praticamente come riportare le lancette dell’orologio indietro negli anni novanta nel pop alternative di quell’America sempre più distratta verso le estetiche generazionali o – per ammissione degli alternativi stessi – ancor più ora menefreghista verso le young-waves che si materializzano ovunque;  i newyorkesi di Brooklyn Here We Go Magic capitanati da Luke Temple, arrivano sugli scaffali con un nuovo disco “A Different Ship” prodotto da quel marpione di Nigel Godrich, un disco dove pop e sostanze psich si mescolano felicemente a giro di trottola, un po’ brioso, un po’ meditabondo ma con una resa finale strisciante e appetibile.
Una scaletta cangiante, brani e groove che non vanno mail in collisione, una lunatica stravaganza nei testi ed il gioco si fa sempre più  intrigante man mano che la tracklist convince l’ascolto che la miglior cosa è lasciarsi andare come in un flusso coinvolgente e convincente, tra le sue braccia aperte: il disco, prende ed assume forme sempre più simili a quel che generalmente s’intende per canzone “acida”, non prettamente riferita alle elucubrazioni alcaloidi, ma più che altro per quell’evanescenza alla Robert Wyatt allampanata e onirica che costituisce poi il bello del tutto. Splendidi tagli, ritagli e collage di atmosfere fantastiche sono la cifre consenzienti che il trio americano arrangia e varia in trame melodiche fragilissime e capaci di forza, cifre che prediligono eccellenza invece che indisciplinati sodalizi commerciali.
Agli antipodi dell’eccessività artificiosità, con quel senso tenerone tra gli AmericaI believe in action” e il Garfunkel storico “Over the ocean”, arriva la delicatezza di “Hard to be closed”, “How do I know”,  la dance robotica che tremula in “Make up your mind”, e la ricercatezza di profumi mid-ambient che svolazzano leggiadri tra le ali della stupenda “A different ship”; alla fine si ha la suggestione di un viaggio fantastico, tra amore e pacificazione, che non strattona nulla ma che può redimere gli orecchi da tanto marciume sonoro che infastidisce l’odierno. Gli HWGM da quella Brooklyn rumorosa e jungla di stilemi, portano una ventata d’altro che, se non capovolgerà sicuramente chissà cosa, di sicuro un potente   stato placentare lo procura.

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Snow Patrol – Fallen Empire

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Gary Lightbody & C., ovvero gli Snow Patrol, band dal sangue diviso tra Scozia ed Irlanda del Nord finalmente hanno lasciato nell’indifferenza la vecchia label Jeepster –  che non aveva mai creduto loro fino in fondo –  per abbracciare la Fiction e finalmente, con il lancio sul mercato di questo bel “Fallen Empires” come inaugurazione di questo contratto, la diceria che si allungava sin dagli anni novanta d’essere luce di rimbalzo dei Belle And Sebastian va a farsi friggere una volta per tutte.

Band odiatissima da tanti colleghi, specie i Maniac Street Preachers per vicissitudini personali e legali, gli Snow Patrol rinascono come la Fenice, ritornano a piacere con il loro indie-pop fatto di corse e passeggiate, riff e attitudini riflessive, e ritornano anche guardando indietro, ripescando ricordi, memorie, pentimenti , desideri e sogni che non danno sintomi di melanconia appiccicosa, piuttosto quella tenerezza e pathos ben definite tra chitarre variegate e spruzzi d’elettronica.

Quattordici tracce che fanno una collana di canzoni imperniate principalmente sul buon gusto e su una forza di recupero impressionante, che vanno a delimitare apertamente lo spirito originario della soggettiva alternative per fare spazio a nuovi innesti stilistici, a nuovi impulsi creativi, senza dimenticare le origini corali; prodotto ancora da Jacknife Lee, il percorso degli Snow Patrol si va sempre più illuminando per fare in modo di coinvolgere più matrici soniche, ed in questo nuovo disco d’occasioni ne offre a valanghe come gli ospiti che ci girano dentro. La ballata elettropop che zampilla epicità morbida “Called out in the dark” nella quale interviene Tory Van Leeuwen (QOTSA),  il leggero brivido disco che corre in “The weight of love” con finale gospel integrato dalla presenza del coro Losangelino Inner City Mass Choir, un salto nel passato melodioso 90’s “This isn’t everything you are”, un po’ di freddo etereo SigurosianoBerlin”, gli U2 che fanno cucù in “In the end” e per finire in gloria “The symphony” un gioiello da palinsesto dello spirito, da etere da respirare come ossigeno di lunga vita;  sono tutte canzoni che aspettano di essere ascoltate a loop, tutte prove musicali di grande personalità e spregiudicate fino all’osso che solo una band come questa sa regalarci.

Un ottimo disco stratificato che si scioglie, ad ogni giro e alla faccia delle calorie, come burro.

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