Silvio Don Pizzica Author

Era così tanto un bravo ragazzo. Poi ha conosciuto la trap.

The Churchill Outfit – The Churchill Outfit

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Cosa c’è di più delizioso del viaggio, della rivelazione di mondi ignoti, esperienze spirituali e artistiche diverse, paesi seducenti, persone scombinate? Non c’è niente che ricarichi l’anima più di una partenza. Il problema è che non è cosi semplice farlo. Pochi soldi, poco tempo. Ma noi abbiamo un pianeta intero dentro la nostra coscienza. Non serve necessariamente salire su un aereo, una nave o quello che volete per percorrere chilometri. Basta inabissarsi in se stessi. La rogna è trovare il mezzo. Perché quelle immense distese nel nostro subconscio sono meno vicine di quanto immagini. Prima di riuscire a raggiungere la meta, senza il giusto trasporto, dovrete passarne di giornate ai confini del deserto. Eppure ci sono dei trucchi, per non sbagliare strada e andare in quel luogo fantastico. Per prima cosa svuotate la testa. Fate che sia più leggera dei vostri sensi. Ora lasciate partire l’omonimo dei The Churchill Outfit. “Tongue Like a Trigger”. Cominciate a sentire la vostra lingua danzare nella bocca. Tutt’intorno, particelle multicolori prima impercettibili vi girano da ogni parte. Niente vi potrà far del male. Ora siete soli col tempo che balla nello spazio. False forbici tagliano stagioni che diventano mari. Voi ne uscirete vivi. Riuscite ancora a vedere la copertina del disco poggiata davanti a voi? Vedete quell’uomo, quel cielo, quegli uccelli, quelle montagne, quella gente? Ora che siete calmi cominciate a correre lontano da quello che è il mondo fuori. “Vegetables” è parte del mezzo ipnotico, scegliete voi quello fisico. Rubate una moto, lanciatevi in un tubo, sparatevi da un cannone ma scappate verso di voi. Siete dentro ora. Iniziate a venerare il vostro cane. “Calypso”. Se avete fatto quello che vi ho detto, non vedrete orrori o altre immagini spaventose ma solo musica viva e danzante in una hall multicolore e calda come mille abbracci. Sai cosa sta succedendo. Dove si va? “Faceless”. Attraversa quel corridoio di gente senza volto.

Continua a nuotare verso la luce. Loro sono come eroina nelle tue vene stanche. “A Thousand Miles Away”. Manca un migliaio di miglia ancora. Goditi lo spettacolo del mare cangiante sotto un sole nero e splendente di luce accecante e di un colore mai visto prima. Rilassati e continua a volare. Ricordi come eri felice? Sei libero. “Kaleidoscopic”.  Riesci a specchiarti nel cielo. Vedi mutare la tua forma e cambiare il tuo colore a ogni ascolto. Fluttua nel vuoto e non chiudere gli occhi. Senti le luci profumate a ogni tua carezza. Ogni loro sospiro ti riempie l’anima. Non potrà cadere a pezzi. “Love. More. Uh”. Sei nel luogo che cercavi. L’amore oltre l’amore fisico. Tutto è amore intorno a te. Tutto quello che non sapevi prima di sapere, ora prende forma. Lei invece non sa che non tornerà. “Scarlet Green”.  È giunto il tempo ora. Vattene da lì prima che tutto diventi troppo. Ora hai imparato a essere un essere migliore. Segui il bagliore scarlatto della musica. Guarda la tua vita sfiorarti come un velo. Non darti spiegazioni. Questo è il tuo minuscolo pezzo di paradiso artificiale che ti mette al sicuro dal male. “Something to Hide”. Sei fuori, quasi. Ora hai qualcosa da nascondere. Qualcosa da custodire che non morirà mai e mai nessuna potrà vedere. Riprendi possesso della tua mente e delle tue percezioni. La vita fuori è una merda. Ora che il Cd è finito possiamo tornare sulla terra e parlare del disco e della band bresciana The Churchill Outfit. I cinque giovanissimi hanno all’attivo l’Ep “In Dark Times” per l’etichetta Produzioni Dada e diverse apparizioni live cominciano a rendere il nome della band noto a testate importanti e quindi al circuito indie. Questo permette loro di aprire per artisti di maggiore fama come 24 Grana e Zen Circus alla Festa di Radio Onda d’Urto. Fino a quando, questa estate i tCO decidono di tornare in studio con Fausto Zanardelli (Edipo) per mettere insieme i nove pezzi che imparerete ad amare. Come avrete capito il risultato è qualcosa di notevole. I tCO riescono a proporre in maniera efficace e credibile quel sound tipico della scuola neopsichedelica nord americana.  Mettono insieme quello che resta delle allucinazioni degli anni sessanta e settanta, quella de i mostri sacri The Beatles, The Doors, Jimi Hendrix, Love, The Zombies, Pink Floyd, Jefferson Airplane, XTC, Spiritualized, The Pretty Things. Partono da qui e riempiono le intercapedini del tempo con l’indie rock e il folk/blues più potente e intimo (la ballata “Love.More.Uh” ad esempio), acido (“Faceless” e “Scarlet Green”) e fresco (“Something to Hide”) dei nostri giorni. Quello a un passo dal garage revival dei The Raconteurs o Arctic Monkeys. Il risultato è una Neo Psychedelia (evidente in tutta l’opera ma soprattutto in un brano come “Kaleidoscopic”) distante dalle sperimentazioni dei Flaming Lips, senza il pesante apporto dell’elettronica come negli Animal Collective, e poco paragonabile allo space rock di scuola Spaceman 3.

Il risultato è più che altro molto simile a quello raggiunto da The Black Angels, band texana capitanata da Christian Bland, in giro da metà anni zero e autrice già di almeno una pietra miliare nel genere. O anche The Warlocks anch’essi statunitensi.  In alcuni passaggi la potenza del sound unito alla vena lisergica ricorda anche quel tipo di psichedelia più vicina allo Stoner Rock, Acid Rock o Heavy Psych dei come sempre americani, Dead Meadow, ma è comunque la matrice Indie Rock, Folk Rock, Garage Rock Revival a farla da padrone in stile The Brian Jonestown Massacre (USA? Yes man!). Intanto, prima di riascoltare, è già amore per “Scarlet Green”. Anche solo per questo c’è da dire grazie.

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Brunori Sas – E’ Nata Una Star?

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Chi meglio di Dario Brunori poteva redigere la colonna sonora di una pellicola intitolata “E’ Nata Una Star?”? La grande speranza meridionale ormai può dirsi una stella, almeno nella concezione tipica dell’indie cantautorale tricolore. Riempie i concerti, collabora con altri artisti, viene sullodato e nominato ovunque. Di cosa vogliamo parlare, allora? Non del nostro Dario, visto che davvero è impossibile non averne fatto la conoscenza.

Del film e delle canzoni quindi. Che ne dite? “È Nata una Star?”, che per ora non ho ancora visto, è diretto da Lucio Pellegrini (“E Allora Mambo”, “Figli delle Stelle”) ed è tratto dall’ultimo libro di Nick Hornby. Avete capito bene. Proprio quell’inglese che ci aveva fatto sognare pennellando le nostre passioni più romanticamente infantili. Il calcio (“Febbre a 90°”) e la musica (“Alta Fedeltà”). Questo soprattutto ma non solo.  Quello che ci racconta ora è la storia intelligente e ironica (nel tipico stile del londinese), di una famiglia che scopre le doti erotiche nascoste del figlio tardo adolescente palesarsi nel porno da Vhs. Acume e umorismo dunque nella sceneggiatura. Chi in Italia riesce a unire queste qualità nella musica meglio di Brunori? Della pellicola abbiamo praticamente detto tutto (dimenticavo di aggiungere che la storia è impersonata da Rocco Papaleo e Luciana Littizzetto) quello che si può dire di un film senza averlo visto e tutto quello che una webzine di musica dovrebbe dirvi sul cinema. Passiamo al disco. Per prima cosa chiariamo che non si tratta di una riproposizione di brani del calabrese già presenti nei due volumi precedenti. Quasi tutte le tracce sono cosa nuova (esclusa la bellissima “Fra Milioni di Stelle”) e agli undici brani originali targati Brunori Sas vanno aggiunte altre sei perle strumentali confezionate da Gabriele Roberto e due bonus track, “Sono Come Tu Mi Vuoi” versione Summit Studio e “Hot and Bothered (D. Ellington) ” in chiave Ap Beat. Che cosa lega quindi la storia di Hornby alle novelle che ci racconta Brunori? Apparentemente niente, o quasi. Escluse le pause strumentali, che qui abbondano anche a nome Brunori Sas (simpatica “Melodia a me” che sembra la colonna sonora di un matrimonio), le parole ci raccontano altre cronache che finiscono per vivere da sole senza la stampella della visione (probabilmente il momento più cinematografico è rappresentato da “Porno ‘82”. Qui la musica di Brunori si trasforma in maniera incredibile e probabilmente senza uno sbocco futurreale. Inoltre il brano non ha niente a che vedere con “Guardia ‘82” come lo conoscete, tranne che per la citazione del titolo). Come un bardo beffardo, il cosentino barcolla per la sua strada e ci racconta i piccoli mondi moderni che s’intravedono ai bordi del marciapiede. Amore disilluso (“Amore con Riserva”), confessioni tristi e ubriache (“L’Asino e il Leone”), la gioia della vita sofferta, dura, sogghignante. I ricordi degli anni ottanta che tanto hanno fatto amare Brunori a chi come me è cresciuto in quel decennio, è veloce e fugace e meno diretto rispetto agli esordi. Stavolta basta una parola, un Cynar o una Sambuca, per ricordare nostalgici passati passati insieme. Brunori è una star e sta facendo i conti col suo destino. Sempre melodie accattivanti, immediate (meno del passato, a essere sinceri), pungenti come le sue parole, più delle sue parole, ora più misurate visto il contesto. La struttura della colonna sonora appare già al primo ascolto molto più frastagliata del solito.

Se, in Vol. 1 soprattutto e in Vol. 2, si riusciva quasi a vedere un filo legare il primo e l’ultimo brano, ora quel filo manca o meglio è più difficile da scovare e questo finisce per dare al tutto una maggiore profondità pur nel consueto direct style di Brunori. Stile che da ora sembra sempre più qualcosa di personale, lontano dai rimandi a Gaetano (ricordate “Rosa”?), De Gregori o Bennato. Brunori continua a raccontarci la banale consuetudine senza banalità e soprattutto senza facili scorciatoie. Ancora una volta Brunori ci mette di fronte a noi stessi, nudi davanti alla nostra anima. E tutto intorno diventa un sogno danzante su note di piano soffuse. Stavolta ai bordi della strada Brunori non ha incontrato nessun povero Crito se non proprio te che te ne stai a piangere e ridere seduto al tavolo di un bar col tuo bicchiere in mano fino alle nove di sera. Brunori riesce ancora una volta a incarnare il ritorno del pop cantautorale italiano più classico aggiungendo un pizzico di neve che suona poesia e in questo trionfo dell’apparire chiamata Italia, non può che far bene al cuore. Detto questo non resta che entrare da protagonisti nella favola. Detto questo, non posso che confessarvi l’essermi trovato di fronte ad un buon lavoro, se messo in contrapposizione all’opera di Papaleo e Littizzetto che non si presenta (“non si presenta”! Non cominciate a dirmi che non si critica un film senza prima, prima vederlo) certo come una gemma della moderna cinematografia italiana (vista la simpatia per Hornby, spero di sbagliarmi di grosso). Ovviamente, resta da verificare quanto riesca a essere funzionale e in sintonia con l’opera visiva di Pellegrini. Tuttavia, al di fuori del legame con la pellicola, Brunori riesce comunque a realizzare un lavoro invidiabile (da tanti), che pur aggiungendo poco, in termini d’innovazione e crescita, al percorso artistico del cosentino, in ogni caso rappresenta un altro solido mattone nel muro solido della sua carriera sempre più vigorosa. Dove scema l’immediatezza (poche effettivamente le melodie di facile memorizzazione) vive lo stesso una scintilla scagliata già in Vol. 1 e luccicante ancora nella mezzanotte di Vol. 2. I brani non deluderanno i seguaci veri (forse i fan da “pezzo”, si! Quelli che di Sas conoscono esclusivamente “Guardia ’82” o “Italian Dandy”) e forse accresceranno il numero di estimatori. Se solo il cinema (il film, meglio) riuscisse a dare ancora più magia alle canzoni, all’immaginario. Se solo riuscisse ad aumentarne la portata seduttiva, allora potremmo veramente sognare. Fin qui c’è Brunori. La seconda parte dell’ album è, invece, in mano al compositore Gabriele Roberto. E la faccenda cambia. A dispetto di titoli quali “Il Duello”, “Videochat” o “L’Edicola”, i sei brani sono prettamente strumentali erappresentano un elegante modern classical vivido e affascinante che (non è detto che non) riuscirà ad acquistare maggiore forza espressiva o meglio a indirizzare in maggior misura l’emozionalità delle note, con l’aiuto delle immagini. I pezzi, brevissimi, sono scritti per una colonna sonora e la cosa suona evidente. Le note fluttuano come spire di fumo pronte a essere ingoiate in un unico respiro nel momento in cui le forme prenderanno vita. Qundo vista e udito avranno una sola anima. E alla fine arriva Duke Ellington a ricordarmi che suonare il “bop” è come giocare a Scarabeo senza vocali. Cosi io me ne vado al bar a ingollare Peroni con un tipo senza baffi che mi sembra di conoscere, insieme con quel sorriso amaro che solo i grandi sanno profondere.

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Dust – Kind

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Preparatevi ad ascoltare la Bibbia dei Dust. Preparatevi ad assaporare le note e le parole dei sei profeti del Rock di Milano; Andrea (voce splendida e autore di gran parte dei testi), Riccardo, Jimbo (chitarra solista dal 2009), Tomas, Gabriele e Muddy. Preparatevi a tutto. Per cogliere solo alcune delle sfaccettature del disco, servirà un notevole avvicendamento delle vostre percezioni. La giusta mescolanza di acume e beatitudine.  L’Ep “Kind” è il loro secondo lavoro, dopo il demo autoprodotto del 2009 “Tuesday Evenings” e la giusta conclusione di una peregrinazione a colpi di perfette esibizioni live e l’inizio di una nuova vita. Registrato al Mono Studio di Milano e prodotto da Matteo Cantaluppi (The Record’s, Punkreas, Canadians, Bugo), che avrà un ruolo primario per lo sviluppo del sound Dust, con l’apporto di Matteo Sandri (Sananda Maitreya, Il Genio) e il mixaggio, in due brani, di Paolo Alberta (Negrita) all’Hollywood Garage di Arezzo, “Kind” si presenta tanto breve (ventuminutieventottosecondi) quanto intenso e ricco di spunti. Partiamo dall’inizio. “O my Mind” (che vede la partecipazione di Giorgio Garavaglia, mandolinista e direttore d’orchestra) ci regala subito un giro che te lo levi difficilmente dalla testa e una melodia spensierata di quelle che ti mettono la gioia di vivere.

Il timbro intenso di Andrea allarga le nostre percezioni verso orizzonti Wave in stile The National. Un brano che si lega al passato in maniera indissolubile eppure suona alle nostre orecchie carico di una fresca e inaspettata originalità. Ti entra nella testa senza squarciarla e riempie quello spazio rimasto da troppo tempo vuoto nel tuo cervello. Il mix tra chitarra, voce e linea di basso sembra un melodioso ludico correre nel buio spazio vuoto del niente. Qualche cosa sembra già chiara. I Dust hanno scelto la strada popular nel traffico del Rock. Niente fretta però. Il secondo brano, “Ink Loaded Love”, con le sue elettriche sferzate e le urla soffuse, mette già in crisi le nostre certezze. I milanesi sembrano accarezzare un certo tipo di Grunge, meno legato all’Hard Rock, se volete, ma più Pop, mantenendo tuttavia viva la loro porzione d’anima Dark Wave. In pratica un groviglio complicato gettato da una muraglia sonora in fiamme. “In Collapse of Art” potete prendere la vostra testa e scaricarla nell’indifferenziato. Rallenta il ritmo e la musica si trasforma in materia oscura come il Blues. I Dust continuano ad attingere, anche involontariamente, dal continente Nord Americano. La malinconia dei Girls sposa le atmosfere folk meno folk degli Okkerville River (l’inizio del brano vi ricorderà certamente l’inizio di “Titletrack” dei sopracitati) ma il matrimonio si trasformerà nel giro di due minuti in un pandemonio nervoso che si risolverà in parte col ritorno all’origine, un ritorno alla pacatezza solo esteriore del blues degli episodi più malinconici di Dan Auerbach. Un brano che comunica l’incapacità comunicativa attuale dell’arte in Italia. Il trionfo dell’apparire sull’essere. Con “Never Defined”, riaffiorano le atmosfere Wave scuola The National (quelli più energici di High Violet) e la chitarra stilla gocce di Lsd che finiscono dritte nel cuore. Il brano, come a riassumere l’intero Ep, si palesa senza paura nella sua totale complessità. I rimandi ai grandi nomi sono infiniti e si accavallano all’interno del singolo brano cosi come nella totalità dell’opera. Eppure tutto si fonde in una divina unicità.

L’album si chiude con la romantica “Still Hiding, Still Trying” nella quale si torna a danzare tra le nuvole come in “Collapse of Art, ma abbracciati a una donna splendida, vestita di nero, con tacchi alti e labbra carnose, chiamata Morte. La voce prende le redini del nostro ascolto con una delicatezza sublime e ci accompagna all’uscita mentre la chitarra sventola note sotto una brezza umida e la batteria pulsa come un cuore rivelatore nel profondo della nostra essenza. Il sound nella sua delicata ricercatezza, nei suoi accenni psicheledici, nella sua teatrale, passionale empatica vocalità ricorda ancora quello di Christopher Owens e delle sue “ragazze” americane ma sempre senza scimmiotteschi rimandi. Ora potrà sembrare che vi abbia detto tutto. Non è cosi. Riascoltate l’Ep e tutto sarà diverso. Come ho detto (a mezza bocca) in precedenza, la caratteristica del sound dei Dust è proprio questa. Ti sembra di aver compreso solo fino a quando non rischiacci play. Il primo impatto che ho avuto è stato quello di una band di chiara ispirazione Buffalo Tom (o che comunque per uno strano scherzo del destino, lo sembra in maniera netta). Non è tutto qui. Ferma restando la struttura cardine chitarra/voce di un prodotto comunque rivolto all’apprezzamento popolare, la miriade di mondi musicali racchiusi nel disco si accavallano a ogni ascolto. Cosi come si avvinghiano le emozioni della vita, del vagabondare nel mondo, della socialità, dell’amore e della morte. Se una volta il Rock Pop-Punk spensierato, fuso al Folk e al Power Pop da muovere il culo, in stile Lemonheads sembrerà essere la colonna portante del tutto, il giorno dopo vi sembrerà piuttosto di essere cullati dalle atmosfere più melodiose e levigate del Blues, in combutta col Soul e il Grunge, specie nella parte cantata. Oppure vi sembrerà di riascoltare il miracolo degli Arcade Fire e del loro Pop-Wave, magari solo per un attimo. Vi sembrerà di ascoltare Wilco o i R.E.M o il Jangle Pop dei The Smiths. Un attimo che vi farà pensare abbastanza da far ripartire il disco dal principio. La prima pietra è ben salda. Aspettiamo la lunga distanza; aspettiamo un album oltre l’ Ep. Allora potremo dire veramente quale sia il valore dei sei. Intanto alcune cose sembrano chiare. Ai Dust piace la musica d’oltreoceano più di quella d’oltremanica. Ai Dust piace fare Rock senza suonare mai troppo pesanti (difficili, meglio). Ma soprattutto è chiaro che questo “Kind” come la Bibbia, si è presentato come il luogo in cui cercare le risposte, ma non fa nient’altro che avvinghiarci in continue altre domande. “Dream unless you can see the truth”. Dov’è la verità?

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May Day – Eppì

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“Uomini, adesso, non derideteci,ma pregate Dio che tutti noi assolva.” Voglio dirvelo subito, senza falsità. Cosi non ci siamo. Avete messo tutto (domanda?) in questo Ep e il risultato è poco più di niente. Il sound è derivativo (passatemi il termine indiesnob) fino all’eccesso e questo potrà certo piacere a tanti. Ma vi chiedo. È questo che volete dalla musica? Piacere a masse informi di ragazzini che della musica hanno un’idea ristretta a jingle pubblicitari e MTV o, nella migliore delle ipotesi, ai dischi del fratello più grande? Passiamo l’orrida (per un disco del genere) copertina, passiamo il Cd masterizzato (fisicamente intendo) come la copia di un disco fatta da un vostro amico e passiamo anche il facile titolo da simpaticoni che chiamano l’Ep, “Eppì”. Ma cosa sono veramente questi May Day? Oggettivamente parliamo di tre ragazzi nati a (non lo dico perché loro dicono porti sfiga) nel 2002. Dieci anni dopo sono ancora gli stessi che suonano il più classico Alternative Rock in lingua italiana.

In una decade hanno prodotto due dischi, l’omonimo del 2003 e “Come Ieri” datato 2005 e hanno all’attivo due partecipazioni a compilation firmate Sana Records e Indie Box Records. Sul lato live si sono dati abbastanza da fare, condividendo il palco con Linea 77, Punkreas, Meganoidi, Bambole di Pezza, The S.T.P., L’ Invasione degli Omini Verdi, Medusa, Ln Ripley. Riescono anche a vincere il primo Biella Music Contest e partecipano alle fasi finali di Arezzo Wave e Transilvania Live.  Ultimo riconoscimento la vittoria dell’Open Mic Summer Tour Contest 2011. Ma chi sono veramente questi May Day? Decidono di condividere l’Ep in download gratuito per potersi mettere in gioco soprattutto nell’aspetto live. Non vogliono necessariamente lucrare (né ovviamente fare i coglioni a loro spese, immagino) sulle spalle della musica. Sono onesti fino all’osso. E soprattutto sono bravi. Quindi, perché non vi sfogate quanto create? Suppongo non sia una questione di limitazione artistica. Forse è il timore di osare. Ma perché non vi lasciate andare? Che siano le grandi band soggiogate dalle case discografiche a uniformarsi a un certo tipo di suono. Voi, indipendenti e liberi fino al midollo, dovete regalarci qualcosa di più. Se ne siete capaci (io dico sì ed è questo il motivo del voto forse troppo duro rispetto alle mie parole. Odio vedere il talento sprecato).

I riff che ci scheggiano la pelle per i brevi minuti che ci accompagnano nell’ascolto dei cinque brani sono eccellenti in un certo senso prettamente estetico, ricercati quanto basta e orecchiabili ma devono sempre qualcosa a qualcuno, sia insospettabile (il riff del primo brano “Supermario” non vi ricorda niente?) sia troppo scontato (The Strokes, Placebo, tanto per fare qualche nome). Stesso discorso per la batteria che ricalca alla perfezione l’Alternative più vicino allo Stoner Rock. Tutto quello che sembra uscire dalle casse è un ovvio misto di Indie, Pop e Rock. La voce (che ricorda quella di Federico Dragogna) è discreta, molto migliorabile a dire il vero, soprattutto in fase di registrazione e i testi, come spesso accade nel mondo Indie, non rappresentano certo il punto forte di “Eppì”. I motivi sono nel complesso abbastanza immediati e facili, come di una band che cerchi il più ampio consenso. Ma a mio avviso i May Day non sono questi. Lo voglio credere. I primi venti secondi (non è l’unico momento, ovviamente) di “Vecchio” mi parlano di una band che ci sa fare e non di una band che vuole vendere. L’energia che schizza in alcune poderose virate Alternative Rock è quella di chi non vuole sfondare, ma vi vuole sfondare il culo. La strada devono sceglierla loro. Gabriele Serafini (chitarra e voce), Francesco Petrosino (Basso e voce) e Patrick Seguini (batteria) hanno in mano il loro futuro. Piacere a chi di musica capisce poco col rischio poi di non piacere a nessuno e diventare un’altra delle tante band che spariscono dall’Italia ogni anno. Oppure darsi da fare e mettere in musica tutta la loro anima creativa.

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Fononazional – Una Sera

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Facciamo una cosa. Giuratemi di non prendere le mie seguenti parole, che vi ruberanno al massimo cinque minuti della vostra preziosa vita, come una classica recensione da Webzine. Cercate di fare finta che quello che segue non sia altro che una tranquilla chiacchierata con un vecchio conoscente, nato ascoltando i Ramones e i Nofx, cresciuto a Grunge, Blues, pane e Post-Punk e che ora si ritrova sommerso da universi paralleli di psichedelia, avanguardie, sperimentazioni e quant’altro ci si possa aspettare di “rock” dal Rock. Uno come voi perennemente disperso in un oceano di musica alternative, industrial, electro, disco, dream, post, pop, fuck, dub, hip, Burp! E che ogni tanto ascolta cose che non gli piacciono. Fate finta di chiacchierare al tavolino di un bar mediocre del centro della vostra cittadina mediocre di un’Italia mediocre come mai. In sottofondo “Una Sera”, il nuovo, secondo album dei lombardi Fononazional. Mettiamoci comodi. Ordiniamo da bere. Prendo una bicicletta. Happy hour. Davanti a voi ci sono io e c’è il vostro specchio. Io sono voi che ascoltate i Fononazional per la prima volta e leggete Rockambula e voi che uscite fradici da concerti da cinque euro e comprate i vinili di Tim Buckley ai mercatini. Se ho capito chi sei (e chi sono), questo disco non ti piacerà (non mi piace). Facciamo chiarezza. Tutti i membri della band hanno ottimi curricula e ottime qualità. Paola Atzeni (voce e flauto traverso) tiene seminari d’interpretazione applicata al canto, ha studiato flauto al Conservatorio (per la cronaca lo Statale Pier Luigi da Palestrina), ha fatto da corista di Eros Ramazzotti, Lucio Dalla, Alex Britti, Edoardo Bennato. Marco Bianchi (piano) è anche un compositore e arrangiatore, insegna piano moderno, ha all’attivo diversi album e compilation, ha collaborato con Mario Biondi, Luca Jurman, Irene Grandi, Tullio De Piscopo, Carlo Fava, Laura Pausini, Thomas Moeckle, Maxx Furian. Marco Mangelli (basso) ha studiato lo strumento con Ares Tavolazzi e quindi con John Patitucci, Victor Bailey e Percy Jones. Ha inoltre collaborato con Cristiano De Andrè, Andrea Bocelli, Biagio Antonacci, Gianni Morandi, Umberto Tozzi, Enrico Ruggeri, Syria, Alex Baroni, Mia Martini. Eugenio Mori (batteria) impara con Tullio De Piscopo e Franco Rossi. Continua gli studi, iniziati alla Civica Scuola di Musica di Milano, diplomandosi alla Grove School of Music di Los Angeles. Quindi perfeziona lo stile con Dick Grove prima di collaborare con Tony Scott Quintet e Long Horns Blues Band, lavorare alla Scala e fare il turnista per Biagio Antonacci, 883, Gianna Nannini e Franco Battiato. Come mai questo lungo, spaventoso elenco? Semplice. Voglio che sia chiaro che il mio giudizio sarà come non mai prettamente legato alla capacità della musica di emozionarmi e, semplicemente, piacermi. La bravura, la tecnica, le capacità pure non sono in discussione. La seconda opera dei Fononazional si distingue dalla precedente per prima cosa per l’assenza al piano di Enzo Messina. Tale assenza ha spostato la musica verso i lidi Jazz di cui parliamo oggi vista l’assenza del rhodes e dell’organo Hammond. Inoltre i brani non sono esclusivamente cover, come in precedenza. Anzi la parte più importante è rappresentata proprio dai brani originali. Inoltre la zeta sostituisce la t. Il digipack e il booklet che custodiscono questi dodici brani si presentano di un bianco puro con una foto un po’ inquietante della band in primo piano. All’interno troverete oltre al disco anche un Dvd, effettivamente di buona qualità, contenente brani live registrati alla Salumeria della Musica di Milano. Già dal primo brano, “Vivo”, è chiaro che il Jazz proposto dai quattro niente ha a che vedere con le improvvisazioni folli, acide, cool e avantgarde che ci piacciono tanto nel genere (pensiamo ai mostri Miles Davis, John Coltrane, Charles Mingus). Abbiamo davanti alle nostre orecchie una commistione di Pop Cantautorale, Black Music, Fusion, Jazz, Bossanova. La musica che ne esce si presenta comunque particolarmente elegante ed equilibrata (aspettate però a considerarlo un pregio). Tal equilibrio rassicurante è portato, però all’eccesso e in fusione con la voce e le parole di Paola Atzeni l’insieme si presenta piatto. Equilibrato come il grigio è in equilibrio tra bianco e nero. Inoltre proprio la voce è uno degli elementi che hanno generato maggiori problemi nel giudizio. Ottima e gradevole ma, ricalcando in maniera esplicita Mina e soprattutto Ornella Vanoni, non sembra riuscire a creare un marchio di fabbrica. Il timbro ricorda troppo per essere ricordato e inoltre l’Atzeni raramente azzarda e mette in mostra le sue capacità preferendo mantenersi su binari puliti. Tornando alla musica il problema è molto simile. Il Jazz si tiene sotto braccio alla voce e viceversa. Non azzarda mai e non si allontana mai da quell’atmosfera cristallina e confortante che è lo scheletro dell’opera. Nessun rischio. Nessun eccesso. Ai brani originali, vanno aggiunte alcune cover, nello stile tipico della band, di cui abbastanza ardito (sempre nel limite) il riarrangiamento de “La Collina dei Ciliegi” di Battisti-Mogol mentre sembrava evitabile “Nel Blu Dipinto di Blu” di Modugno.  Il risultato d’insieme, compresi i testi anch’essi particolarmente grigi ed esclusivamente funzionali alla musica, è un sound morbido, tranquillizzante, in parte mieloso. Per capirci, il genere di musica che puoi ascoltare in un bar durante l’aperitivo. Quella musica che non ti disturba o stuzzica mentre chiacchieri e sorseggi il Campari. Che non ti accorgi neanche che c’è. Abbastanza banale da ritrovartela a Sanremo. Ascoltandola in macchina con vostra madre risulterebbe sufficientemente scialba da impedirle, per la prima volta, di dire le famose orrende parole: “Che è ‘sto casino. Spegni che mi fa male la testa”. Ripeto che il mio giudizio non è da esperto ascoltatore Jazz. Quel tipo di critica la lascio alle webzine di settore. Come voi, la musica che amo, è quella che di solito trovi su Rockambula e se non la trovi, è perché è abbastanza fuori da non trovarla neanche in un normale negozio di dischi. Prima di ascoltare “Una Sera” stavo ascoltando Å – Å. E non scambio la figurina di Iggy Pop con quella di Mina. Capite la difficoltà di giudicare questo gruppo. So anche che nell’Italia delle fissazioni (lo Spritz, Le Converse, il Vino bianco, ecc…) parlare male oggi di un gruppo Jazz è cosa ardita. Il semplice nominarlo sembra creare un muro che ci impedisce di dire “non mi piace”. Come una critica al caffè, alla pizza, alla pasta. A me non piace questo “Una Sera”. Devo chiedervi umilmente scusa?

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Jumping Shoes

Written by Interviste

Intervista con Carlo Tabarrini, chitarrista degli Jumping Shoes, freschi del nuovo lavoro “Non Contate su di me” nel momento chiave della loro carriera. Un band che ha fatto della classe uno stile di musica, della musica uno stile di vita.

Ciao Carlo. Per prima cosa, come stai?
Bene grazie.

Togliamoci qualche curiosità. Chi ha scelto la copertina dell’album “Non Contate su di me”? E’ quanto di più lontano ci sia dalla vostra musica e, per questo, alcuni hanno criticato la scelta. Io l’ho trovata geniale.
Diciamo che è stata una scelta di gruppo, anche se qualcuno ha storto un po’ il naso, ma volevamo distaccarci dalle solite cose e volevamo colpire. Penso di esserci riusciti in fondo.

Sono ormai oltre vent’anni che suonate. Come siete cambiati voi e com’è cambiata la vostra musica?
Logicamente siamo maturati come persone e questa maturazione si è manifestata anche nella musica e nelle scelte musicali. Diciamo che venti anni fa eravamo forse più istintivi e poco logici nella composizione dei pezzi, difatti le prime demo erano un po’ caotiche com’era caotica la vita a venti anni, ora la giusta follia è rimasta ma con un briciolo di razionalità e di maturità che ha portato la nostra musica ad essere secondo me un buon prodotto. Con ciò non rinnego niente fatto precedentemente; semplicemente non mi ci ritrovo più almeno in parte.

Cosa avete guadagnato e perso con l’innesto della voce di Samuele Samba Bracone al posto di quella di Amir Billal?
Devo dire che il nostro gruppo ha avuto sempre sfortuna con i cantanti. Amir il nostro primo cantante era un vero animale da palcoscenico, la gente veniva a vederci per la musica e per vedere cosa avrebbe combinato sul palco, e la cosa è andata molto bene per diverso tempo. Abbiamo vinto vari concorsi, apparizioni in varie compilation, apparizioni televisive moltissimi concerti in tutta Italia, ma poi problemi di scelte musicali e problemi d’interazione tra noi hanno portato all’abbandono di Amir e allo scioglimento del gruppo. Poi dopo circa quindici anni ci siamo ritrovati dopo esperienze varie e abbiamo registrato dei pezzi che sono divenuti il nostro primo cd ufficiale “Limbo Like a Bubble” prodotto dalla Nlm record. Appena uscito il disco, la convivenza con Amir era impossibile cosi abbiamo deciso di cambiare vocalist e la scelta si è concretizzata su Samba un ragazzo dalle notevoli capacita secondo me che ha portato ai Jumping nuova vitalità e voglia di spaccare. In poco tempo abbiamo registrato “Non contate su di me” completamente in italiano anche per tagliare con il passato e fare tabula rasa. Speriamo che ora vada tutto bene. Sicuramente con Samuele abbiamo guadagnato dal punto di vista creativo e professionale, perso assolutamente niente.

In tutti questi anni avete prodotto un numero molto esiguo di album. Scelta artistica o difficoltà pratiche?
Come dicevo prima il nostro gruppo è stato molto instabile dal punto di vista dei cantanti e ciò ha frenato notevolmente lo sviluppo e la composizione dei pezzi comunque è sempre valido il detto poco ma buono quindi siamo contenti cosi.

Nel vostro ultimo lavoro avete deciso di cantare in italiano. Un modo per avvicinarvi al pubblico nostrano o cosa?
E’ stata una scelta ponderata a lungo, ma cambiare dall’inglese all’italiano era la scelta più logica da fare sia perche si cuciva meglio sulle corde di Samba e poi perche siamo italiani e vogliamo che la gente ci capisca. Ciò non toglie che qualche prossimo pezzo non sia in inglese o magari in francese, chi può dirlo.

Nella vostra musica si notano le più disparate influenze, dai Faith no More ai Jane’s Addiction e una miriade di contaminazione dell’Alternative Rock con il Funk, il Rap, il Pop, il Progressive, la Psychedelia. Quali sono le vostre radici? Chi vi ha influenzato maggiormente nello sviluppo del vostro percorso artistico?
I gruppi da te citati fanno parte dei nostri ascolti quotidiani quindi penso che inconsciamente ci abbiano influenzato ma comunque diciamo che ci viene abbastanza spontaneo mescolare varie influenze, non ci poniamo limiti cercando comunque di dare un senso a ogni singolo pezzo. Personalmente il mio gruppo preferito sono stati i Janes’Addiction, magari quelli vecchi un po’ meno quelli attuali, anche se li ritengo veramente geniali. Il modo di suonare di Navarro mi ha influenzato totalmente difatti è uno dei miei chitarristi preferiti.

L’ultimo disco che hai ascoltato? E il tuo preferito?
Attualmente devo dire la verità non ho più trovato un gruppo che mi abbia colpito, ce ne sono vari ma non vedo più il gruppo che rimarrà negli annali della storia della musica, tipo U2 per intenderci, quindi non so dirti l’ultimo cd ascoltato e l’elenco dei miei preferiti è troppo lungo quindi te lo risparmio.

Hai visto Sanremo? Cosa ne pensate? Che cosa pensate dell’industria e del mondo musicale italiano?
Ti dico la verità, ho visto San Remo, e non me ne vergogno a dirlo anche se sono un metallaro incallito. Qualcosa di buono secondo me c’e’ ma molto poco. Ma oramai San Remo fa parte della tradizione italiana come gli spaghetti, tutti lo criticano e ne parlano male ma lo guardano lo stesso me compreso. Una cosa è certa, se avessero le palle di rischiare con canzoni più particolari anziché’ la solita minestra potrebbe essere veramente una vetrina anche per gruppi metal o punk, sarebbe veramente uno spettacolo. Un anno se non sbaglio ci sono andati anche gli Iron Maiden e i Kiss. La stessa cosa vale anche per l’industria discografica, bisogna rischiare ed investire sul rock e sui giovani e sono sicuro che il mercato discografico risalirebbe alla grande.

Da un punto di vista tecnico siete a livelli molto alti. Quanto considerate quest’aspetto importante e preponderante su altri elementi caratteristici della vostra musica?
Diciamo che la preparazione tecnica sia sullo strumento sia nelle linee vocali è importante, ma deve essere sempre messa a disposizione del pezzo per esprimere al meglio ciò che si vuole dire e trasmettere con il pezzo stesso. Il virtuosismo fine a se stesso a me personalmente non piace o per lo meno dopo un po’ mi annoia. Per quanto riguarda poi in particolare i Jumping Shoes non ci riteniamo assolutamente dei virtuosi, cerchiamo solo di fare al meglio quello che ci piace sperando che piaccia pure agli altri.

Avete scelto la lingua italiana eppure i testi sembrano non reggere il confronto con l’aspetto musicale. A dispetto della copertina di “Non contate su di me” non riescono quasi mai a essere ironici (anche quando ci provano come in “Caramelle”) e non riescono nemmeno a essere pungenti. Non vi sembra che dovreste dedicare maggiore attenzione a questo fattore?
Come sai questa è la nostra prima prova in italiano e ti posso assicurare che scrivere in madre lingua non e’ affatto semplice. Su molte recensioni è stata notata questa cosa quindi sicuramente è vera. Sicuramente nei prossimi pezzi cureremo molto di più questo fattore sperando di riuscirci a migliorare.

Hai un idolo, fuori dal mondo musicale?
Un idolo no, diciamo una persona a cui darei la mia stessa vita, mia figlia.

Il vostro sogno?
Il nostro sogno è poter vivere di musica e noi cercheremo di riuscirci impegnandoci al massimo, se non si avverasse, va comunque bene lo stesso.

Non so se avete saputo delle recenti “guerre” tra musicisti (Capovilla, il Piotta, ecc…) e critica. Che rapporto avete con la critica?
Nella vita ci sono le cose che piacciono e cose che piacciono un po’ meno, quindi anche nei confronti della nostra musica è la stessa cosa. Anche tu nel tuo mestiere di recensore elogi o stronchi un gruppo in base al tuo gusto musicale, ma sicuramente la tua valutazione può essere in disaccordo totale con un altro recensore. Comunque basta che se ne parli nel bene o nel male secondo me.

Cosa manca alla vostra musica per diventare qualcosa di diverso da tutto il resto dell’offerta musicale passata e presente?
Sinceramente non so cosa rispondere a questa domanda. Se riuscissi a sapere cosa manca alla nostra musica per renderla unica probabilmente starei a contare i soldi del mio conto in banca ora.

Il prossimo passo?
Il prossimo passo è suonare più possibile e promuovere il cd alla grande. Stiamo già abbozzando dei pezzi per il nostro prossimo cd ma ora è ancora tutto in fase embrionale. Il nove agosto suoneremo ad un grande festival in Austria con gruppi provenienti da tutto il mondo, il Worlds End Music festival, speriamo di suonare alla grande e speriamo di divertirci alla stragrande.

Dimmi quello che vuoi dirmi e non ti ho chiesto:
Diciamo che abbiamo detto tutto. Ti volevo ringraziare per quello che fai in primis cioè supportare la musica emergente alla grande e volevo ricordare che chi volesse il nostro cd basta mandare un messaggio su Facebook alla nostra pagina e noi saremo ben lieti di mandarlo.

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Bologna Violenta

Written by Interviste

Un lungo trip alla scoperta dell’uomo Nicola Manzan, demiurgo dell’one man band Bologna Violenta. Dall’amore per il Grindcore e i Napalm Death, fino alla creazione del nuovo album. In mezzo, tutta l’ anima di una delle più belle proposte alternative della scena musicale italiana.
Parola a Bologna Violenta.

Ciao Nicola. Per prima cosa, come stai?
Abbastanza bene, nonostante il clima tenti quotidianamente di minare la mia salute, mi sembra che per ora non ci siano problemi di questo tipo. Ho tante cose da fare, quindi faccio finta di niente e vado avanti per la mia strada.

Come si vive a Bologna?
Non vivo più a Bologna da otto mesi, ormai. Ci ho vissuto parecchi anni, tra alti e bassi, ho avuto dei periodi in cui ci stavo benissimo, altri meno, ma ad essere sincero non ho ancora capito se mi manchi oppure no. Ora vivo dove sono cresciuto, nel trevigiano, e nonostante culturalmente ci sia un abisso tra le due città, per il tipo di vita che faccio devo dire che sto bene anche in mezzo alla campagna.

Sei al secondo album dopo l’esordio di due anni fa con “Il nuovissimo mondo”. Quali differenze ci sono tra le due opere?
Ci sono parecchie differenze. Questo disco non si basa su riferimenti cinematografici, quindi l’ispirazione per i brani viene da momenti di vita vissuta e non da situazioni prese dai film. Poi per la prima volta sono riuscito a coniugare due linguaggi molto lontani tra loro (almeno apparentemente), ovvero l’hardcore con la musica classica. Se prima gli interventi di archi erano solo in contrasto con le parti distorte, adesso sono parte integrante dei pezzi, nel senso che l’orchestra (per quanto simulata) suona insieme al trio chitarra-basso-batteria e questo non era mai successo nella mia musica. Diciamo che sono riuscito a mettere insieme le mie due anime, quella del musicista classico e quella del grinder…

Quali sono state le principali difficoltà affrontate nel tuo percorso artistico e nella creazione di Utopie e Piccole Soddisfazioni?
Le difficoltà sono innumerevoli, come per tutte le cose, credo; soprattutto perché faccio musica, ovvero arte, e quindi (teoricamente) non una cosa fondamentale per la vita di tutti i giorni. Se penso a BOLOGNA VIOLENTA nello specifico, mi viene da dire che la difficoltà più grossa sta nel fatto che il progetto è stato preso sul serio poche volte, quindi agli occhi di molti è sempre sembrato semplicemente “il lato oscuro” del musicista che però per campare fa altro, suona con gruppi affermati (e quindi all’apparenza più seri) e approfitta del tempo libero per far casino e suonare in giro con un progetto che più che altro fa ridere. Finalmente con quest’ultimo disco sembra che la gente abbia cominciato ad accorgersi che le cose non stanno così. Questo è il mio progetto personale in cui metto tutta la mia vita, quindi è per forza serio, anche se il genere è di nicchia e anche se non uso le parole per esprimere i miei sentimenti e le mie emozioni.
Non ho avuto particolari difficoltà nel creare Utopie e piccole soddisfazioni, alla fine suonare è forse la cosa che mi riesce in maniera più semplice, quindi più che altro c’è stata un po’ di ansia per vedere cosa sarebbe uscito alla fine. In genere non registro dei provini, ma quello che finisce nel disco è il frutto del momento in cui mi metto a comporre, anche se ovviamente poi passo un bel po’ di tempo ad “accomodare” il tutto per far sì che rispecchi al 100% il mio gusto personale.

Quali sono le tue principali influenze musicali? E chi pensi sia più vicino, nel mondo della musica (sia in Italia sia all’Estero) a te e al tuo modo di vedere il mondo?
Le mie principali influenze musicali vanno dalla musica classica al grindcore, dall’elettronica minimale alle colonne sonore degli anni sessanta. Davvero faccio fatica a distinguere quali sono i dischi o i generi che mi influenzano di più nel momento in cui mi metto a comporre la mia musica. Non ho neanche un’idea ben precisa su chi sia l’artista o il gruppo più vicino a me in questo momento. Mi piacciono molto i Napalm Death, oltre che per il tipo di musica che fanno, per la loro coerenza e per il loro impegno sociale (per quanto io non sia così impegnato su questo fronte). Per il resto non saprei davvero chi mi sia davvero vicino; magari ideologicamente (passami il termine) sono molto vicino a molti gruppi che però fanno un genere molto diverso dal mio, quindi le similitudini sia con gruppi italiani che esteri sono sempre abbastanza relative.

L’ultimo disco che hai ascoltato? E il tuo preferito?
Ultimo disco ascoltato: Sufferinfuck – In boredom (Grindcore Karaoke, 2011).
Disco preferito (uno dei miei preferiti, difficile dire quale sia IL preferito): Nino Oliviero / Riz Ortolani – Mondo Cane Soundtrack.

L’ultimo libro e film? E i preferiti?
Ultimo libro letto: American Punk Hardcore di Steven Blush, mentre tra i preferiti devo mettere i romanzi di Bret Easton Ellis e i romanzi russi ottocenteschi (Bulgakov, Dostoevskij).
Per quel che riguarda i film, ultimo visto: Laputa – castello nel cielo di Miyazaki. I miei film preferiti sono tanti, potrei citare Milano odia – la polizia non può sparare, Shining, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto e Mondo cane, ma sicuramente ne sto dimenticando qualcuno di fondamentale.

Che cosa pensi del Peer-to-peer, del controllo di Internet, di Facebook, della chiusura di Megaupload, di tutto questo?
Penso che internet dovrebbe essere controllato per evitare fenomeni schifosi come la pedofilia, ad esempio, ma mi sembra che chi dovrebbe controllare non sia in grado di farlo. Credo che internet sia cresciuto in maniera molto più veloce di chi dovrebbe essere in grado di regolamentarlo e di controllarlo, e per controllo intendo anche solo monitorare quello che succede, senza per forza intervenire con censure o chiusure dei siti. In pratica i vari fenomeni di condivisione dei file, siano essi tramite Megaupload e simili oppure tramite il peer-to-peer, sono diventati una consuetudine prima ancora che chi doveva regolamentare la distribuzione dei diritti d’autore si rendesse conto che questi “fenomeni” non solo erano nati, ma erano diventati ormai la norma per quando qualcuno voleva ascoltare un disco, vedere un film e così via. Ora corrono ai ripari mettendo in galera il proprietario di Megaupload, che ha sì la colpa di non aver rispettato le norme sui diritti d’autore, ma allo stesso tempo non gli viene riconosciuto il fatto di aver segnato un passo storico nel mondo della rete, andando a rendere “normale” la fruizione in streaming di film e video vari, giusto per dirne una. Sinceramente mi sembra una situazione molto ridicola. Di base manca un certo tipo di educazione che porti la gente a capire che i diritti d’autore sono importanti per chi crea qualcosa, d’altra parte penso anche che grazie ad internet e proprio alla diffusione e alla condivisione di file più o meno legali ora siamo molto più privilegiati di un tempo. Il file sharing dovrebbe essere utile, ad esempio, per conoscere un artista prima di spendere magari venti euro per comprare il disco a scatola chiusa senza sapere se ci piacerà o no. Se ho la possibilità di sentirlo prima, tanto meglio! Certo è che in tutto questo le case discografiche, soprattutto i grandi colossi, sono rimasti troppo indietro, non hanno tenuto il passo di chi stava portando avanti questa politica di condivisione massiccia, quindi ora corrono tutti ai ripari nella maniera spesso più stupida.
Penso che i social network abbiano cambiato il mondo, e non poco. A meno che non si utilizzino per niente, chi c’è dentro ha cambiato spesso il proprio modo di vedere il mondo, le distanze si sono accorciate ed il termine “privacy” ha cambiato il suo significato. Penso che per chi fa musica, come me, siano strumenti molto utili e molto comodi perché si riesce ad arrivare nelle case delle persone con molta facilità. Questo, se da un lato ha appiattito il panorama generale, dall’altro sta facendo sì che chi ha qualcosa da dire riesca a dirlo, se ci crede e se ha la voglia e la forza di farlo, ma soprattutto, ovviamente, se piace a qualcuno. Alla faccia delle grandi case discografiche e dei grandi investimenti finanziari per portare il proprio nome in giro per il mondo (anche virtualmente).

Com’è nata l’idea del progetto Bologna Violenta e come nascono le tue canzoni?
L’idea di fare un progetto grindcore era nell’aria da parecchi anni, ma solo nel 2005 si sono create le condizioni (avverse, mi viene da dire) per cui mi sono messo a registrare pezzi da solo. Avevo un lavoro part-time che mi faceva male (all’anima), lo studio di registrazione libero, tante ore a disposizione e tanta energia negativa da sfogare. Quindi mi sono messo a registrare un pezzo al giorno, partendo dalla programmazione della batteria, suonandoci sopra la chitarra e completando il tutto con vari sintetizzatori o theremin, in base all’esigenza del caso. Questo metodo compositivo è quello che prediligo, nonostante siano passati parecchi anni e parecchi dischi da quando ho iniziato. Diciamo che se riesco a creare una batteria “espressiva” e completa, nel senso che mi trasmette già qualcosa da sola, in genere significa che sono sulla buona strada e continuo mettendoci sopra i vari strumenti (tenendo conto che di base la struttura sonora deve essere quella del power-trio, quindi batteria-basso-chitarra).

Oltre che membro dell’one-man-band hai collaborato spesso con nomi importanti della scena indie (e non solo) italiana come Baustelle e Non Voglio che Clara. Con chi ti piacerebbe suonare?
Mi piacerebbe suonare con gli Zen Circus dal vivo, perché mi sembra che riescano ad essere se stessi anche sul palco e riescano a comunicare davvero tanto al pubblico. Inoltre c’è anche da dire che mi piacciono molto anche i loro dischi, quindi chissà, magari un giorno succederà!

Che cosa significa Bologna Violenta? Quali sono le Utopie e le Piccole Soddisfazioni di cui parli?
BOLOGNA VIOLENTA non ha un significato ben preciso. Per me è un omaggio alla città che mi ha ospitato per molti anni, che mi ha insegnato molto e che ha anche dato i natali al progetto. Aggiungendo anche l’aggettivo “violenta” diventa subito chiaro anche il riferimento al cinema poliziottesco che a suo modo ha influenzato la mia crescita e ha ispirato i pezzi del primo disco. Inoltre è un aggettivo che sta bene anche alla musica che faccio, quindi è un po’ come quando i Metallica facevano metal ed avevano un nome che rimandava al genere suonato (non so se sia l’esempio giusto, ma mi sembra che calzi).
Le utopie sono quelle grandi idee che muovono il mondo, ma che alla fine restano lì dove sono in quanto irrealizzabili per definizione stessa del termine: penso alla pace nel mondo, ad una giustizia globale, alla fine della fame, insomma, tutte quelle belle cose che non si avvereranno mai. Le piccole soddisfazioni sono ciò che ci resta dopo aver cercato di raggiungere, appunto, queste utopie; mi sembra che se riuscissimo a concentrarci di più sulle piccole soddisfazioni di ogni giorni potremmo vivere meglio e magari arrivare alla fine del nostro passaggio su questa terra con meno rimpianti. Per me una piccola soddisfazione è l’aver potuto fare un disco come questo, nonostante la crisi del mercato discografico, nonostante il download selvaggio, in pratica autoprodotto ed autopromosso, dimostrando che si può ancora fare, nonostante a volte sembri il contrario.

Credi in Dio?
No. Credo nel fatto che però l’essere umano è spinto per sua natura verso una spiritualità più o meno accentuata, forse per giustificare tutte le cose che ci succedono e non ci piacciono, ma anche quelle troppo belle ed inaspettate. Quindi non sto a giudicare chi crede in dio, è libero di farlo. Solo non sopporto l’uso meschino che si fa della religione, troppo spesso utile a circuire i deboli e a creare odio fra i popoli.

Chi è stata la persona che ti ha reso, in campo musicale, quello che sei oggi?
Non c’è una sola persona che mi ha fatto diventare ciò che sono oggi. Ho sempre cercato di imparare dalla gente che mi girava intorno, musicalmente parlando. Ho imparato dal mio maestro di violino cosa non dovevo diventare (praticamente mi sono sempre sforzato di essere il contrario di lui), da altri maestri ho imparato a stare sul palco, l’importanza di suonare bene, perché la musica è un’arte e come tale va rispettata. Ho imparato dalle persone che hanno suonato con me, sul palco, in studio. Il mio obiettivo è migliorare, sempre; riuscire non ad essere il migliore (ci sarà sempre qualcuno più bravo di me), ma ad essere unico, in quanto portatore di molte esperienze, alcune delle quali ho vissuto sulla mia pelle.

Che cosa ascoltavi da piccolo?
Da piccolo ascoltavo di tutto, un po’ come oggi. A cinque anni ho imparato a far funzionare il giradischi di mio padre e mi mettevo in taverna a casa dei miei (la stessa da cui sto facendo quest’intervista, per capirci) a far finta che fosse una specie di discoteca (o di radio) in cui io ero il dj e proponevo ad un pubblico immaginario gran parte della collezione di dischi di mio padre, che comprendeva un bel po’ di musica classica e anche un po’ di musica italiana, tra cui De Gregori e De André, che mi hanno sempre fatto impazzire, sia per i testi che per le musiche. In genere, comunque, per me c’era poca differenza tra i vari generi, se la musica mi dava qualcosa a livello emotivo, era giusto proporla al mio pubblico virtuale.

Che cosa ami e odi dell’Italia?
Penso che l’Italia sia un posto fantastico per i turisti, ci sono le montagne, il mare, la storia, il cibo.
Non so di preciso cosa odio, ma di sicuro mi dà un po’ fastidio il continuo piangersi addosso degli italiani e la corruzione che c’è praticamente a tutti i livelli.

Che cosa pensi dell’industria e del mondo musicale italiano?
Penso che l’industria musicale sia in un periodo di grandi cambiamenti. Da una parte abbiamo le major che si muovono nei canali più grossi, che investono ancora parecchio su dischi che sperano di vendere, ma non sempre accade. Dall’altra abbiamo una microeconomia che si muove tra l’autoproduzione e l’autopromozione, quindi investimenti piccoli e copie stampate in numero basso in modo da non rischiare. Tutto ciò significa che il panorama musicale è vivo e vegeto, che ci sono molte persone che lavorano nell’ambito e quindi che c’è del fermento, ci sono ancora idee. Poi, sai, i gusti son gusti, quindi non sto a valutare il valore “artistico” di ciò che esce…

A chi pensi possa o debba piacere la tua musica?
Penso che la mia musica possa piacere a chiunque, praticamente, a patto che abbia voglia di sentire qualcosa del genere e non fermarsi a giudicare in base a schemi “normali”, nel senso che nel mio disco non ci sono molti pezzi facili o con strutture classiche da musica leggera. Se qualcuno ha voglia di sentire qualcosa di veramente forte, secondo me ha trovato pane per i suoi denti.

Che cosa pensi di te? Credi di essere veramente bravo (io dico si) e di meritare il successo che hai o avrai in futuro? Hai qualche rimpianto?
Penso fondamentalmente di essere un musicista normale con parecchi difetti, un po’ come tutti, insomma. Penso che il successo che sta avendo il progetto sia anche dovuto al fatto che la gente sente che sto facendo una cosa completamente mia, quindi con una certa personalità. Non voglio diventare una rockstar famosa, mi interessa suonare il più possibile la mia musica per farla arrivare ovunque e penso che tutti gli anni di dedizione e sacrificio ora mi stiano ripagando, dandomi modo di suonare molto e di fare dischi a mio nome.

Come ti vedi tra dieci anni?
Mi vedo con la barba ed i capelli più grigi di ora. Non ho un’idea ben precisa di quello che succederà, so che non ho nessuna intenzione di fermarmi. Mi piacerebbe “da grande” potermi dedicare di più alla produzione di musica mia e di altri.

Credi si possa vivere di sola musica?
Io ci riesco, ma bisogna tenere in considerazione che non è tanto “vivere”, quanto “sopravvivere”. Dalla mia vita ho tagliato tutto il superfluo, in modo da non avere in testa e attorno cose inutili che mi portano via tempo e soprattutto denaro da reinvestire per stampare dischi, fare il merchandising e tutto ciò che riguarda il progetto stesso. Questo è il mio caso, ci sono anche turnisti che vivono di musica, tra l’altro anch’io collaboro con parecchi gruppi che mi coinvolgono nelle loro registrazioni, quindi dei minimi introiti li ho anche da “terze parti”.

Quale sarà il passo successivo a Utopie e le Piccole Soddisfazioni?
Non lo so ancora. Ho un sacco di idee, devo capire da che parte andare e provare. Molti gruppi mi hanno chiesto di fare degli split, ma devo capire come sono messo col tour, che al momento è la mia priorità, quindi non so quanto tempo avrò a disposizione per registrare pezzi nuovi.

Senza la musica, cosa saresti e cosa faresti?
Non ne ho la più pallida idea. La mia vita è sempre stata gestita in funzione della musica, quindi se penso di togliere questa fetta di vissuto, non saprei cosa resterebbe. Nella prossima vita vorrei saper volare, magari sarò un pilota acrobatico, magari semplicemente un insignificante uccellino.

Come vorresti essere ricordato?
Vorrei essere ricordato per aver dato una spinta avanti nella ricerca musicale, senza per forza stravolgerla, ma anche solo per aver messo il mio piccolo tassello nel progresso di questa arte.

Cos’è per te la vera violenza?
E’ l’imposizione di se stessi sul prossimo, senza badare alla libertà altrui. Questo a tutti i livelli, da quello fisico a quello mentale. E’ una cosa che mi dà molto fastidio e di cui soffro parecchio.

Hai mai pianto? Quando?
Piango spesso, penso che l’ultima volta sia stata alla fine di un concerto di BV, quindi sul palco, in pubblico. A volte mi lascio andare, penso che sia davvero importante per un musicista sapersi lasciare andare, senza per forza scadere nel ridicolo (mi viene in mente GG Allin, ma lui non era ridicolo, faceva paura…).

Cosa ti fa ridere?
Mi fanno ridere un sacco di cose, mi piace osservare attentamente tutto ciò che mi circonda per poterne vedere sempre il lato più ridicolo, che a ben guardare c’è sempre. Ad esempio quelle frasi dette a mezza voce a fine discorso, che non vogliono dire niente, ma sono solo una coda delle frasi precedenti, quasi un balbettìo, ecco, quelle mi fanno scompisciare.

Guardi la tv? Cosa soprattutto?
Guardo la tv solo quando non sono in tour, a casa non ho la televisione. Guardo molte televendite, anche se in generale faccio zapping compulsivo e vedo quante volte riesco a fare il giro dei canali.

Segui lo sport e hai mai fatto sport?
Non seguo lo sport, ma da piccolo ho fatto tre anni di rugby (fino ai dodici anni, poi sai, dovevo suonare il violino, quindi avevo paura di farmi male alle mani…).

Ascolti molta musica? Che cosa ascolti?
Direi che ascolto molta musica. Non so quale sia la media nazionale, ma devo dire che non passo molte ore in silenzio. Ascolto un po’ di tutto, dai demo che mi passano i gruppi via email ai vinili che ho a casa, senza troppe distinzioni di genere, ma semplicemente cercando di assecondare l’umore o la curiosità del momento.

Hai un idolo, fuori dal mondo musicale?
No. Non ho un idolo neanche nel mondo musicale, se è per questo…

Il tuo sogno?
Spero sempre di non svegliarmi e rendermi conto che era tutto un sogno.
Però al momento vorrei sentire i miei pezzi suonati da una band vera, con tanto di orchestra e coro.

La tua paura più grande?
Ho paura che tutto possa cambiare da un momento all’altro e dover ripartire. Di nuovo. E’ successo già un sacco di volte che mi trovassi a pensare: ok, anche questa cosa è finita, adesso riparto, vediamo che succede. Vorrei un po’ di tranquillità.

Come passi la tua giornata tipo?
Mi alzo tardi, preparo la colazione per me e Nunzia, guardiamo le notizie in internet, giusto per non perdere il contatto col mondo, poi scendiamo in studio, giro di email e poi mi metto a lavorare (il che può essere rispondere alle interviste, come in questo caso, oppure provare i pezzi, registrare, insomma, solite cose) finché non si pranza tardi (e questo a volte non succede), poi uguale fino alla cena (tardi) e quindi letto (magari con un film, giusto per perdere il contatto con la realtà). Direi che questo è quanto… ah, due o tre volte la settimana in tarda mattinata vado in posta a spedire dischi.

Cos’è l’arte e cos’è la musica?
L’arte dovrebbe essere quella cosa che nutre la nostra anima e ci fa crescere spiritualmente. La musica è una delle arti, ma mi rendo conto che spesso questo concetto non arriva alla gente. Del resto a volte non arriva neppure a chi la musica la fa, quindi penso non si possa pretendere un granché dalla gente che non ci capisce. Per quel che mi riguarda, cerco di trattarla sempre come un’arte, quindi con la massima dedizione ed il massimo rispetto.

Ho letto alcune critiche sulla scelta di una cover dei C.C.C.P. Io l’ho trovata bellissima. Come mai la scelta di fare una cover, quella cover?
A dire la verità non ho letto delle critiche a riguardo, ma mi piacerebbe capire cosa ha infastidito chi l’ha sentita. La storia di questo pezzo, tra l’altro è molto semplice, perché mi è stata chiesta per una compilation di tributo ai CCCP, appunto, e la scelta è caduta immediatamente su Valium Tavor Serenase perché mi è sempre sembrato uno dei loro pezzi più hardcore, sia negli intenti che nella tematica trattata. Quando il disco era quasi pronto ho deciso di inserirla in scaletta, secondo me dà una bella ventata d’aria in quel punto del disco.

Come sono nate le collaborazioni con Aimone Romizi dei Fast Animals and Slow Kids e con J.Randall degli Agoraphobic Nosebleed?
Quando mi hanno chiesto la cover, appunto, ho subito pensato che Aimone fosse la persona giusta per cantarla, quindi, visto che già ci conosciamo da un po’, gli ho proposto la cosa e lui è stato ben felice di contribuire.
Con J. Randall le cose sono andate diversamente, nel senso che sono stato contattato da lui direttamente un annetto fa perché gli interessavano i miei primi due lavori, che sono poi usciti anche per la sua etichetta Grindcore Karaoke. Mi aveva anche chiesto di poter registrare qualcosa per questo nuovo album ed ho pensato di mandargli il pezzo che forse era più in linea con la produzione degli Agoraphobic Nosebleed e gliel’ho fatto cantare. Ovviamente le cose non sono state esattamente così semplici, ma alla fine ce l’abbiamo fatta!

Che cosa rende diversa la tua musica da quella dei primi gruppi Grindcore o comunque da chiunque altro? Come definiresti la tua musica?
Innanzitutto la mia è musica in prevalenza strumentale, quindi la prima differenza direi che è questa. Inoltre uso molta elettronica, cosa che ovviamente non avveniva con i primi Napalm Death, giusto per citare i più rappresentativi. Poi ci sono gli archi, con l’uso che ne faccio credo diano un tipo di sonorità abbastanza particolare e personale alla mia musica.
Non so mai come definire la mia musica, dipende da chi me lo chiede. Quando trovo gente che non se ne intende, in genere dico “Avanguardia” o “Sperimentazione” (sì, proprio con le virgolette e la maiuscola), ma più che altro per darmi un tono e vedere le faccia che fa. Quando poi mi guarda con una faccia strana perché non ha capito dico: “faccio casino” e si rasserena.

Ti piace suonare dal vivo? Quali sono le differenze per un polistrumentista come te tra suonare dal vivo piuttosto che in studio e cosa deve aspettarsi chi viene a vederti dopo aver ascoltato l’album?
Mi piace moltissimo suonare dal vivo, penso sia ancora la parte che preferisco. Ma mi piace suonare in generale, quindi anche in studio ci sto volentieri. In generale quando registro penso di star facendo qualcosa di importante per me, ma spesso anche per gli altri, da chi fa la musica a chi alla fine la ascolterà, quindi lo faccio col massimo impegno e la massima energia, pensando però sempre che l’esecuzione dev’essere vicina alla perfezione. Dal vivo è diverso, perché è un momento che dev’essere irripetibile ogni volta, anche se le canzoni sono sempre le stesse. Alla fine sto intrattenendo a mio modo il pubblico e voglio che ogni sera sia speciale, che chi mi ascolta (soprattutto dopo aver ascoltato il disco) riconosca perfettamente le canzoni, ma che colga quell’elemento in più che è dato dall’energia del momento e che le imperfezioni diventino parte integrante dell’esibizione dal vivo. Con questo non voglio dire che mi sta bene suonare male, dico che a volte ci sono quei piccoli dettagli che rendono il tutto veramente vivo e speciale.

Tra le tante band con cui hai lavorato, di chi hai il ricordo più bello e più brutto e perché?
Ho così tanti ricordi belli che non saprei quale ricordare come “il più bello”, in più devo dire che anche le esperienze più brutte mi hanno fatto diventare quello che sono, quindi al di là di qualche episodio un po’ amaro, devo dire di essere stato molto fortunato, da questo punto di vista. Di sicuro i momenti più belli li ho passati in tour, quindi con Alessandro Grazian, i Baustelle, Il Teatro Degli Orrori, i Non Voglio Che Clara, giusto per citare quelli con cui ho suonato di più.

Ti senti la stessa persona di qualche mese fa, ora che il disco è uscito? E’ stata una liberazione oppure una sorta di esame di maturità? Cosa ti aspetti dall’album?
No, mi sento diverso, e anche parecchio, se devo essere sincero. Mentre il disco nasceva ero letteralmente un fascio di nervi, ho dormito davvero poco per cinque mesi perché sentivo la responsabilità di star facendo qualcosa che mi doveva soddisfare al 100% e soprattutto perché in base al risultato dipendeva anche il mio futuro (e non solo il mio). E’ stata proprio una liberazione, anche perché questo disco ha cambiato anche il mio modo di comporre e di vivere questo progetto.
Mi aspetto che questo disco venga recepito per quello che è, mezz’ora scarsa di musica con dei messaggi più o meno subliminali. In generale, poi, tendo a non aspettarmi niente, nel senso che vado avanti per obiettivi a breve scadenza e vedo quello che arriva.

C’è un filo che lega sia musicalmente sia culturalmente i tuoi lavori con gli anni ottanta e novanta?
Ovviamente la risposta è sì. Sono cresciuto proprio in quegli anni, quindi ovviamente la mia musica è anche una conseguenza della cultura musicale che mi ha circondato. Ho iniziato nel ’94 con la mia prima band, quindi facevo musica in linea con quello che andava in quel periodo, quindi non posso non dire che quello che faccia ora non sia legato a quegli anni. Direi, forse, che BOLOGNA VIOLENTA è una specie di spremuta culturale di quel ventennio, anche se ci metto degli ingredienti che arrivano da altri periodi storici.

Questo Utopie e le Piccole Soddisfazioni pensi abbia uno scopo oltre la semplice proposta musicale alternativa?
Dovrebbe avere lo scopo di far passare mezz’ora della vita di qualcuno in maniera diversa. Una specie di viaggio in cui lasciarsi andare a sensazioni, immagini e tutto quello che passa per la testa.
Con questo disco ho cercato di non avere scopi di altro tipo, non mi interessa, ho puntato proprio sulla musica stessa senza troppe contaminazioni esterne che ne fanno perdere la spontaneità.

Ultima cosa, La scelta della famosa prigione (il Panopticon) in copertina è una tua idea? Cosa vuole rappresentare?
A dire la verità, in copertina è raffigurato un emiciclo e, ad essere preciso, proprio l’aula del parlamento italiano. L’idea è mia e l’ho sviluppata con Nunzia Tamburrano, la mia compagna e collaboratrice, che l’ha per così dire “sistemata” dal punto di vista grafico, togliendo ad esempio tutti i banchi ed i posti a sedere, come a dare l’idea di un parlamento pulito. Ma non è solo questa la chiave di lettura, perché in mezzo si può scorgere il profilo di San Pietro a Roma, quindi un po’ il dualismo tutto italiano “Stato/Chiesa”. Inoltre, come noti tu, alla fine l’idea che esce è quella che sia un panopticon, ma in realtà non lo è. Quindi Stato/Chiesa/Carcere. In generale, è una figura che mi piace molto, perché rappresenta anche gli anfiteatri greci, oppure la struttura di un teatro, quindi in linea con la musica all’interno del cd. Mi sembra che sia un’immagine che fa riflettere, quindi direi che è perfetta per questo disco.

Dimmi quello che vuoi dirmi e non ti ho chiesto:
Cos’è il Bervismo?

Il Bervismo è un nuovo modo di vedere la vita, in positivo ed in negativo, ma più in positivo. Una specie di trionfo della ragione su superstizioni, dogmi, falsa politica.

NESSUNA POLITICA
NESSUNA RELIGIONE
BERVISMO PER PIU’

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Bologna Violenta – Utopie e Piccole Soddisfazioni

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Partiamo da lontano circa metà anni ottanta. In un buio scantinato freddo e puzzolente, tra rifiuti, siringhe usate, bottiglie rotte e sorci neri e grossi che si divorano gli uni con gli altri, sopra un materasso intriso di piscio giallo e sperma rinsecchito, l’Hardcore, strafatto come al solito, si stava trombando violentemente e senza precauzione alcuna quella fighetta dell’Heavy Metal, non sappiamo quanto consenziente. Poco tempo dopo ecco il parto tanto (in) atteso. Come un alieno verde, con la lingua biforcuta in bella mostra, dalla vagina della fighetta in tutta la sua furia estrema, in tutta la sua follia, senza lacrime, sulla terra fa la sua comparsa una nuova specie. Grindcore è il suo nome e come un vampiro presto inizia a nutrirsi del sangue degli ultimi, inizia a diffondere il suo verbo urlando e a spargere il suo seme dal Regno Unito al mondo intero come una pioggia di psicopatica violenza acida. Napalm Death e Carcass sono i primi apostoli poi convertiti al Death Metal. Proprio Mick Harris (drummer dei Napalm Death) battezzò il nuovo genere parlando di grind, tritacarne, per definirne i tratti caratteristici. Pezzi brevi come esplosioni, liriche sociali, rumore nero e parole a tratti incomprensibili. Nicola Manzan (c’è lui dietro la one-man-band Bologna Violenta) è molto giovane all’epoca ma segue la crescita e lo sviluppo del genere in maniera apparentemente maniaca. La prole dell’originale Grind si è spostata fisicamente, soprattutto in terra Americana (U.S.A.) e ha cambiato alcuni dei suoi tratti somatici. Spesso si è fatta più precisa, ad alto livello tecnico, con riff discordanti tra loro, struttura spesso molto complessa e dilatazione dei tempi di esecuzione, sfociando nel cosiddetto Math-Core (The Dillinger Escape Plan una delle band più rappresentative del genere). In altri casi si è allontanata verso le terre del Metal, sia Death sia Brutal, mantenendo intatte, in questo caso, alcune peculiarità quali la velocità nel riffing o il martellamento della batteria oltre i 200 Bpm, riducendo però la voce a qualcosa d’incomprensibile e quindi mettendo il secondo piano l’aspetto sociale delle liriche.

Nicola Manzan (trevigiano classe 1976, diplomato in violino e polistrumentista, già collaboratore con Teatro Degli Orrori, Non Voglio Che Clara, Baustelle e tanti altri) oggi ha quasi quarant’anni e uno spiccato senso di malinconia propositiva, di voglia di passato, un forte legame con le radici ed anche tanta attenzione agli aspetti evolutivi sia del genere sia della società in cui ha vissuto. La nostra società occidentale, italiana fino al midollo. Nel bene e nel male. La nostra musica di chitarre e pelle che bacia l’elettronica. Pseudo nichilismo teatrale e teatralizzato in una sorta di colonna sonora di un film fantasma (anche se stavolta sono assenti i riferimenti diretti al mondo cinematografico). Esiste un legame tra la “nostalgia” con la quale riprende il Grindcore originario plasmandolo e mescolandolo con l’elettronica e con schegge impazzite avanguardistiche che possono essere voci distorte, trasmissioni radio, inserti di musica classica, jazzismi, cover (splendida) dei C.C.C.P. (Valium Tavor Serenase cantata da Aimone Romizi dei Fast Animals and Slow Kids), electro-music e tanto altro, con quelli che sono i riferimenti testuali sociali e letterali delle canzoni (canzoni è il termine meno adatto per le esecuzioni di Bologna Violenta) che tanto si rifanno agli anni ottanta, proprio gli anni in cui il genere è nato.

Bologna Violenta è palesemente ben oltre il Grindcore. Utopie e Piccole Soddisfazioni, secondo album dopo l’ esordio datato 2010 “Il Nuovissimo Mondo”, è un insieme di tante cose. E soprattutto è una degna evoluzione, logica prosecuzione, eccelso sviluppo di quanto fatto nell’ album precedente, con notevoli miglioramenti strutturali e compositivi, maggiore lucidità, visione più ampia e meno incentrata sulla sola tagliente chitarra elettrica. Un enorme passo avanti. Il Grind è la materia prima penetrata da citazioni, digressioni splatter, intellettualismi, parole del Presidente della Repubblica Saragat del 1967, canti polacchi, il bambino Dario e la signora Maria, Arturo Taganov  e altre follie. Utopie e Piccole Soddisfazioni è accozzaglia, babele, cagnara, confusione, disordine, guazzabuglio, macello, pandemonio, sconquasso, trambusto, il risultato defecato dalla società italiana in digestione dagli anni settanta fino a oggi, che un Demiurgo chiamato Bologna Violenta ha lavorato come creta per creare qualcosa che disturbasse il perbenismo in maniera mirata e apprezzabile da chi riesce a saltare la schematicità della classica forma musicale tipo canzone e una volta creato qualcosa di bello ci ha pisciato sopra per rendere l’opera ancora più viva nella sua ripugnanza. Come abbiamo detto, dall’analisi del disco e delle sue singole parti, emerge una varietà notevole di elementi. Dalle parole del PdR di “Incipit” e la violenza della chitarra, si passa alla purezza (nel qual caso non prendete la parola alla lettera) di “Vorrei sposare un Vecchio” e il suo coro di bambini, fino a sperimentazioni elettroniche Harsh stile Kazumoto Endo, pseudo improvvisazioni noise degne dei Dead C o dei Flipper e follie pregne d’impulsi sessuali avantgarde memento dei geni della provocazione Butthole Surfers. Ci sono collaborazioni importanti (oltre alle citate ricordiamo quella con J.Randall degli Agoraphobic Nosebleed, con Nunzia Tamburrano, compagna e collaboratrice che recita in Remerda e con Francesco Valente, batterista de Il Teatro Degli Orrori, che urla in Mi fai schifo) e inserimenti di violino, ci sono parole di rabbia, ci sono cover, c’è una ricerca metodica e spasmodica, c’è rassegnazione e speranza, ci sono ballate dall’aspetto folk che raccontano una novella finto De Andrè (Remerda) come a prenderci per il culo, ci sono intermezzi che sarebbero perfetti con le foto delle piazze italiane sullo sfondo, c’è la decadenza culturale e politica, c’è la decadenza dell’arte musicale, ci sono cori monastici squartati dalle urla della chitarra, c’è tutta Bologna Violenta, fino alla fine, ovvia come la morte, triste come la vita. C’è cosi tanto che descriverlo, è impossibile. Utopie E Piccole Soddisfazioni è parte dell’unico strumento a nostra disposizione per distruggere dalle fondamenta il Panopticon nel quale la mente della collettività è stata rinchiusa in completo potere psichico dal guardiano della società moderna. Tutto è smitizzato,tutto è ridicolazzato. Ora sta a voi.

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Amp Rive – Irma Vep

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Da quel lontano 1991, quando un gruppo di ventenni trascinati da David Pajo e Britt Walford, plasmarono in maniera netta quello che oggi chiamiamo senza troppi problemi Post-Rock, a ora 14 febbraio 2012 ore 16:26, quali e quanti passi avanti sono stati fatti in merito? Pochi, pochissimi e tanti nello stesso tempo. Il trio classico chitarra elettrica, basso, batteria è stato, di volta in volta, affiancato da synth o altre strumentazioni meno consuete ma la spina dorsale è rimasta sempre praticamente illesa. Il rock strumentale degli Slint è diventato qualcosa di totalmente diverso eppure non è mai cambiato. Il calderone, sopra la fiamma degli anni novanta, nel suo continuo ribollire ha rovesciato all’esterno stili diversi che sono sfociati in diverse correnti scivolate lontano dalla pentola (pensate al Math-Rock dei Don Caballero). Il Post-Rock non era ancora un preciso genere musicale ma il tempo l’ha reso tale. Ogni variazione sul tema di quel celebre Spiderland ha generato diverse correnti musicali. Quello che non è quello che era allora, allora è altro. Ogni ramo partito da quel 1991 è diventato una pianta diversa dal tronco. Quello che resta, Il Post-Rock oggi, è esattamente quello creato tanti anni fa da quei ragazzi di Louisville ed è esattamente quel tronco che ci propongono i ragazzi di Reggio Emilia sotto il nome di Amp Rive.

Nessuna sperimentazione, nessuna voce fuori dalle corde, nessun estremismo o divagazione, niente Screamo Post-Hardcore in onore della madre The Death of Anna Karina. Niente di niente, oltre il cuore. Nuda e cruda musica strumentale. Tanto per capire di chi parliamo, gli Amp Rive sono una band di Reggio Emilia, nata dalle idee di Adriano e Luca dei The Death Of Anna Karina (Unhip Records), assieme a Gualtiero Venturelli (chitarra) e Alessandro Gazzotti (basso). La band nasce nel 2005 con il nome di Irma Vep e negli anni successivi si dedica a un’intensa attività live, aprendo i concerti per numerose band italiane tra le quali Three Second Kiss, RedWormsFarm’s, The Zen Circus e Le Luci Della Centrale Elettrica. Nel 2009 compongono una colonna sonora originale per il film Vampyr di C.Th. Dreyer del 1932, che eseguono in sonorizzazioni dal vivo in diversi festival cinematografici, con la collaborazione della Cineteca di Bologna. Nel corso del 2010 registrano i pezzi che vanno a comporre il loro primo album, presso l’Igloo Audio Factory di Correggio (RE) da Andrea Sologni (Gazebo Penguins) che ha fatto parte della band dal 2007 al 2010 e che ha suonato synth e chitarra nel disco, con la collaborazione di Enrico Baraldi (Ornaments e Nicker Hill Orchestra). Con l’uscita del primo album gli Irma Vep decidono di cambiare il loro nome in Amp Rive, in seguito all’arrivo di nuovi componenti: Enrico Bedogni alle Tastiere e chitarra e Daniele Rossi al violoncello e chitarra.

Il cd, intitolato “Irma Vep” proprio per dare continuità al lavoro svolto negli anni precedenti, è uscito il 1° ottobre 2011 per l’etichetta francese Als Das Kind, ed è stato anticipato dal video della canzone “Best Kept Secret”. Parlare del disco, avrete capito, rischia di diventare un puro esercizio di espressa banalità. Sei canzoni di classico Post-rock senza alcuna via di fuga. Continui richiami ai mostri sacri del genere come Godspeed You! Black Emperor depurati dalle incursioni vocali e dall’alone di mistero che aleggia nell’opera dei canadesi. Dal silenzio totale alla violenza totale come Explosions In The Sky ma senza silenzio e senza violenza. Ma soprattutto tanto tanto Mogwai sound. Tuttavia, ovviamente (avrete capito che il suono degli  Amp Rive si presenta estremamente “puro e ri-pulito” da ogni sorta di variazione sul tema) sempre senza eccessi noise. Per capirci, se qualcuno vi chiedesse di spiegare platonicamente cosa e quale sia l’idea di Post-Rock, arrendetevi, la risposta è tutta in quest’album. Strumentale e moderna classicità che forse nulla aggiunge al panorama musicale italiano odierno in termini d’innovazione ma che ci affascina comunque per la sua poesia. “La bellezza è mescolare in giuste proporzioni il finito e l’infinito”. Come se non bastasse la neve a scaldarci romanticamente il cuore in queste altrimenti inutili giornate di Febbraio, c’è anche Irma Vep, non dimenticatelo.

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Farmer Sea – A Safe Place

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Non riesco proprio a capire come si possa non apprezzare questo “A Safe Place” criticandone la scarsa originalità, la ricerca di strade sicure, la riproposizione di qualcosa già sentito. Per prima cosa vorrei sapere cosa avete ascoltato di cosi originale prodotto in Italia negli ultimi dodici mesi. Fatemelo sapere perché forse in tanti ce la siamo persa questa band tanto innovativa. Anzi, facciamo cosi. Rendo la cosa più facile. Usciamo dai confini della penisola (camionisti permettendo). Ditemi anche una band straniera che ci abbia regalato una musica apprezzabile e mai ascoltata prima.

Forse qualche nome potrei farlo anch’io (James Blake?) ma in fondo non saremmo proprio davanti ad una rivoluzione vera. Cerchiamo quindi di non prendere questa storia dell’originalità come un’ossessione. Copiare non va bene; annoiare non va bene. Fare un disco cosi bello va bene, porca troia. Magari ce ne fossero di più di band cosi poco originali e cosi belle dalle nostre parti. Facciamo cosi. Ogni tanto bruciamoci il cervello e lasciamolo da parte (non correte a prendere la bottiglia di vodka che avete nascosto in camera, era solo una metafora. Ogni scusa è buona…). Scrivere una recensione non significa sempre giudicare o dissezionare nota per nota o fare pubblicità (buona o cattiva che sia). A volte è solo un tentativo mal riuscito di esprimere a parole le emozioni che la musica scalda fino a farle bruciare nel nostro cuore. A volte è solo esprimere a parole quello che le parole non possono esprimere.

“A Safe Place” esce a tre anni di distanza da “Low Fidelity in Relationships” ed è interamente prodotto e registrato dal gruppo (la Dead End Street è proprio l’etichetta della band). Come dire: “Il pallone è mio e ci faccio quel cazzo che mi pare”. Le fonti d’ispirazione dei quattro piemontesi sono, a detta loro, R.E.M., Wilco e Arcade Fire. Come vedremo e ascolteremo però, il sound sembra inserirsi in un filone leggermente diverso. I Farmer Sea nascono a Torino nel 2004 e subito si danno da fare con gli Ep “Where People Get Lost and Stars Collide” e “Helsinki Under the Great  Snow”. Il primo sopra citato album esce a cinque anni dal parto ed è prodotto da Borgna (Perturbazione, Zen Circus, Settlefish, Crash of Rhinos). Oltre alle innumerevoli apparizioni dal vivo (Heineken Jammin Festival, MiAmi, tanto per citarne alcune), il loro video “Teenage Love” gironzola per le viuzze di MTV Brand New e Deejay Tv. Nel 2012 è la volta di “A Safe Place” e le promesse fatte negli anni sono tutte mantenute. Un album di una bellezza disarmante già dalla copertina che come una petite madeleine risveglia infiniti ricordi siano essi personali momenti di tanti anni fa o lacrime perdute o il giorno in cui avete avuto tra le mani per la prima volta Spiderland degli Slint (a loro ho pensato quando ho visto quei ragazzi in mezzo al lago).  La musica che racchiude è un elogio all’estetica, con la paura (tema portante dell’opera) come fondale emotivo. Il brano d’apertura “The Fear” è tra i più belli in assoluto e riassume interamente il sound della band. Un Pop semplice, con un ritmo fresco e una melodia orecchiabile. Note che salgono al cielo in punta di piedi ricordando per armonie e delicatezza più i Death Cab For Cutie (probabilmente la band a loro più vicina) che appunto gli Arcade Fire, estremamente più complessi e ricercati. Le note iniziali di “To the Sun” vi ricorderanno un altro inizio eccellente (suggerimento: pensate ai Pavement meno lo-fi) e vi trascineranno in un ritmo meno introspettivo e ancor più rassicurante dell’iniziale brano d’apertura. Schitarrate Jangle e ritornello perfetto che vi regaleranno attimi di felicità. Quel Pop che ci piace tanto e che, negli ultimi anni, sembrava poter essere concepito solo nelle terre mica tanto allegre tra Londra e paesi Scandinavi. Pensiamo ai Fanfarlo o a Jens Lekman, in alcuni punti ai Belle & Sebastien per dire ma non dimentichiamoci mai quella sottile vena malinconica che accompagna e caratterizza ogni momento del disco. “Lights” riesce a caricare le atmosfere con le sue ossessioni martellanti senza mai suonare sgradevole ma anzi mantenendo intatta la purezza del suono richiamando il folk di Wilco senza mai farne agnello sacrificale. “Small Revolutions” rappresenta veramente una piccola rivoluzione. Molto piccola a dire il vero. Il ritmo si fa più incalzante e il basso corre come se gli Strokes avessero deciso di darsi una mezza calmata, mettersi il costume e volare in California alla ricerca della felicità. A metà album troviamo “The Green Bed”, forse l’unico pezzo non troppo riuscito o meglio meno facile da inserire tra gli altri brani e soprattutto “Nothing Ever Happened” in cui la formula mista di pop nordico stile Billie the Vision & The Dancers e Cats on Fire e folk pulito, si amalgama senza sbavature agli arrangiamenti sempre perfetti e alle incursioni di strumenti meno banali del solito (nel disco troviamo incastonature mai azzardate ma sempre leggere, di tastiere, organo, xilofono e sequenzer).

“Number 7” allarga il sound dei Farmer Sea come un’“elettronica rinascita” mostrandoci una botola dalla quale esce lieve l’odore di un Post-Rock scuola Mogwai (pensate a The Sun Smells Too Loud) e prepara la strada a uno dei pezzi più belli, “Summer Always Comes Too Late For Us”. Un vorticoso e ripetitivo lento viaggio psichedelico verso le stelle tra schitarrate stile Girls che appena appena ci accarezzano e parole che come flebili sussurri sembrano echeggiare da un luogo lontano ripetendosi ossessivamente come a volerci tranquillizzare a dispetto di quello che è il loro puro significato letterale.  Momenti che vorresti non finissero mai.  E che dopo sei minuti, finiscono. “Disappearing Season” è forse il pezzo che più richiama i pluricitati canadesi ed è anche quello che ricalca maggiormente la forma canzone per eccellenza fatta d’intro-ritornello-ecc… Aggiunge poco a questo “A Safe Place” ma mantiene costante la voglia di ascoltare. Ultimo brano, “For Too Long”, il mio preferito, prende tutti i punti di forza del disco e li chiude in un fazzoletto. Ritmi lenti e ripetitivi, voce carica di empatia scuola Red House Painters, psichedelica appena accennata a la Girls, musica melodiosa, densa di spleen, affascinante, triste ma non angosciante come abbiamo imparato ad apprezzare dai Death Cab For Cutie.  Una perla di amarezza mista ad amenità e leggiadria. Una pioggia di parole flebili e note appassionate. Un sole dall’odore intenso.  A Safe Place. Chiudo con una frase di una banalità da galera. Tanto, chi le legge le recensioni fino alla fine. Se non fosse stata una band italiana a realizzare questo disco….!?

P.s. Se non gli date un ascolto, vi meritate Giovanni Allevi che accompagna Fabri Fibra che duetta con Albano a SanRemo presentato da Facchinetti, tutta la vita!

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