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Anais Mitchell – Young man in America

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Amata, odiata, abiurata e bramata, non c’è una pace intellettualmente ferma quando si pronuncia il nome di Anais Mitchell, questa “anomala” folksinger e chitarrista americana che nello stretto giro di tempo – e a dispetto di tanti –  è diventata una ragguardevole icona alternativa, un approdo stilistico a confine tra “indipendenza” e pads roots che colpiscono l’orecchio come del resto la sua voce libidosamente sgrammaticata, off, da gattina selvatica.
L’artista del Vermont nuota nella scia venosa della grande Ani DiFranco, pienamente a suo agio nel ridisegnare in maniera estemporanea i tormenti agrodolci di folk, blues, jazz e country e degli inconfessabili traditionals,  e con questo nuovo “Young man in America” – il sesto della sua giovane carriera – torna a calpestare di poesia mai angolare, le terre imbattute e ancora selvagge della provincia americana dal profondo pathos acrilico; cacciatrice di sogni, demoni, deliri evanescenti, amori e amanti, dolori e panacee di intimità, la Mitchell idealmente non si è mai spostata dalla sua dolce infanzia passata in quella fattoria di legno, ma è cresciuta nella realtà, nella musica e nelle suggestioni pulite e terse come una “vergine” d’altri tempi, tra vento e tramonti.

Molto considerata nel giro del folk alternativo anche dopo una serie di strike discografici – non ultimo il gran successo del precedente Hadestown – il suo modo di suonare e cantare di cieli ed inferni in terra è esemplare, bello e accattivante, potrebbe benissimo sostituire Hope Sandoval negli Opal o coabitare nei lucidi svolazzi dei Mazzy Star, un disco che addensa una personalità splendida anche quando è inscatolato e filtrato dalle macchine “murderer” di “Wilderland” e “You are forgiven”, due brividi su brividi che fanno corrugare la pelle dell’intero corpo; e se poi ci si vuole postare sulle altimetrie della tracklist, con l’ammasso divino di torch songs e ragnatele d’accordi di chitarra ed espressioni looner assorbe totalmente la fisicità dell’ascolto, la vulnerabilità accorata della titletrack, l’intensità di un pianoforte a muro nelle metriche rurali “Coming down”, la dolciastra visione di una Sausalito a  pochi metri dal naso “Venus” o le impressioni di aver lasciato qualcosa indietro nella vita “He did”, “Tailor”,  la botta in testa è garantita, special modo per chi ha dentro l’anima una pelle delicata.

Undici canzoni di rimpianto e rinascita, undici sguardi altrove che confermano una scrittura emozionale e trasmissiva perfettamente in logica con le verità che vengono dal profondo dello scafandro chiamato a volte cuore, scafandro che questa dolce gattina del Vermont scardina e che –  come nella finale “Ships” –  una volta che tutte le storie sono fuoriuscite le affida al mare della struggenza melodica, del suo essere placido ricordo.
Anais Mitchell è una alt-diva senza saperlo.

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Cardinal – Hymns

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Lasciare trascorrere diciassette anni senza registrare più un disco deve essere stata dura per il duo dei CardinalEric Matthews e Richard  Davies – e risentirli girovagare dopo tutto questo tempo tiranno  – onestamente ce n’eravamo dimenticati –  con il secondo lavoro della loro esistenza “Hymns” possiamo credere che l’astinenza sia imputabile più ad uno scarso mordente d’interesse che ad una scelta “riflessiva”, tuttavia pur non avendo spostato minimamente l’asse del loro suono ci si trova davanti ad un disco soddisfacente, ben guarnito di trombe, bagnasciuga westcoastiani, REM, ed il Pet Sound  dei “ragazzi da spiaggia”, nulla che certamente  faccia gridare al miracolo, ma un tranquillo ¾ d’ora, quello si, lo si passa in tranquillità cullati da virtuali solleoni e radioline a pile svocianti.

Disco di colore, che diverte senza fanfaronate, semplice e giulivo come un qualsiasi disco da spiaggia che arriva per allungare i pomeriggi estivi, dieci tracce che faranno il piacere di fan dell’greatest hit a tutti i costi, o se vogliamo dire anche un registrato del quale non si butta via niente, si prende, si carica nello stereo e si lascia libero di emanare il suo tenero complemento d’arredo sonoro senza pretese; chitarre oneste, spesso in tremolo, ballate a trentaduedenti bianchissimi BeatlesianiNorthern soul”, “Her”,  spinette d’altri tempi che si inseriscono come un sogno MozartianoSurviving Paris (Instrumental)”, i Go Between che agitano delicatamente i cerchi di “Radio Birdman” e la quintessenza Wilsoniana che fa buffetti e capriole tra un tucul di paglia e una bibita analcolica rinfrescante sulla spiaggia bianca di “Rosemary Livingston”, ed il risultato è una parata di canzoncine che scorrono l’una nell’altra che rallegrano senza stupire.

Certo il suono dei Cardinal ed il modo di crearlo non concede nessuna variazione, ma se siamo di buone pretese e di bocca buona, non ci resta che farci “travolgere” dalla sua dichiarata innocua traiettoria.

 

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Litfiba – Grande Nazione

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Ce ne fossero di questi “temporali amperizzati” ad oscurare il triste tran tran della musica che ciondola intorno, ce ne fossero di questi “governi elettrici” ad occupare gli scranni dei poteri (power) per guidare definitivamente la nostra strapazzata “Grande Nazione”. I giorni del gran rock tricolore sono tornati, Litfiba non è un nome che fa parte di un arredamento di tempo fa, hanno e  rappresentano la forza naturale del rock delle verità sociali, della parola “contro” amplificata in tutte le direzioni, e questo gran ritorno sulle scene “unificate” da parte di Pelù e Ghigo è un sobbalzo da vivere fino al cardiopalma.

Grande Nazione, il lavoro della riunificazione vede questa formazione in uno stato fisico e mentale completo, non sembra nemmeno che siano passati ore, giorni, mesi ed anni senza il calore della loro presenza, tutto riprende il suo posto, il suo tassello nel disegno totale della poesia e della passione elettrica delle quali il panorama musicale nostrano ne ha bisogno come il pane; dieci “peccati” taglienti che uniscono la chitarra indomita di Renzulli alla voce luciferina di Pelù come dentro un contratto artistico/umano di solidità estrema, un suono impattante che batte in gola, un serrato incedere da pogo sfrenato, una festa lesta d’amplificazioni e riscatti idealistici che spazzano come un vento di tempesta. Anche ballate da accendino acceso “Elettrica”, “Luna dark” fanno parte di questo disco guastatore e sognatore di vizi e virtù puliti e senza macchinazioni, ma a sorprendere in plus valore è il suono identificativo che i Litfiba da sempre lanciano da palchi veri e virtuali, quel compresso vivo e killer che è risuscitato dalle ombre, special modo da quell’Infinito di lontani tredici anni fa che aveva seccato la gola, torna a scoppiare di salute come non mai.

Quarantaquattro minuti di rock, emozioni e j’accuse ai malaffari, quarantaquattro minuti di fuoco incrociato che vanno dal loud alticcio della stupenda “Anarcoide” alla spirale acuminata di “Tutti buoni”, dal basso dei grandi numeri di “Brado” al movimento serpentino che muove “Squalo” per tornare all’openeir di “Fiesta tosta”, inno consacrato allo stage diving come supremo atto di devozione agli infernali Litfiba.

Non c’è altro da dire, è praticamente come parlare del Vangelo, nulla da aggiungere se non dire una cosa sacrosanta, Grazie Litfiba di essere tornati tra di noi, e con forza invidiante.

http://www.youtube.com/watch?v=wc0cxRMWMn8

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Lisa Hannigan – Passenger

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Amata artisticamente e non senza mezzi termini da Damien Rice con il quale ha condiviso progetti musicali, session e amore, Lisa Hanningan, la rossa cantautrice irlandese, torna a camminare con le proprie gambe sui sentieri folk della sua infanzia e della sua vita attuale, viaggia e tutto quello che riesce a condensare delle emozioni vissute, le raccoglie in questo bel tenero album “Passenger”, undici fiori sbocciati tra gli occhi e giornate impegnate a fare chilometri in giro nel mondo senza mai abbandonare le rotonde convinzioni che nutre per la sua Inghilterra, terra anche di pop e melodie rinfrescanti.

Un disco che vive il proprio tempo o forse di più, che fa stare bene con la testa nei sogni, comodi e con buona pace di spirito, suite e atmosferici field che convincono subito, senza pensarci un secondo, modelli di fantasie sognanti che fungono ad atto d’amore consenziente, pallido e timido, ma consenziente; delicatezze vocali che si accostano a quelle di una leggiadra Vashti Bunyan alle prese con filigrane jazzly e ballate sospese, abbandonate su di una scrittura morbida e soave, un flute di note e poesia da bere tutto d’un fiato.

Di dischi come questo quello che colpisce sempre è l’evanescenza, quel vaporoso sistema comunicativo che sa di pulito e allentato che si fa respirare come ossigeno raffinato; prosaiche come voli radenti di rondini spensierate arrivano le cablate spaziose di “Passenger”, la march-stompin’ “Knots”, il pop radiofonico color arancio “What’ll I do”, stupendo il duetto mozzafiato con Ray LaMontagneO sleep”, l’andatura da ronzino stanco “Flowers” o il pensiero fugace e  solingo di un violino suonato da Lucy Wilkins che accompagna come un sole giunto al declino di una giornata “ Paper house”, ed è un ascolto che  si equilibria tra classico ed indie-folk, ma poi ogni definizione si fa benedire tanto vive di un volo di fantasia di un tot di minuti.

Della serie quello che “non passa il convento”, un bel disco da ascoltare chiudendo il mondo fuori e conservarne intatto il suo analgesico poetame a lungo nel tempo.

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“Diamonds Vintage” Genesis – Trespass

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Affatto disillusi dal flop del loro primo vagito nel mondo del rock con From Genesis to revelation, la band di Peter Gabriel, già nel pieno dell’entravesti, studia la mossa risolutiva per esordire in maestà e in pompa magna alla corte di quel movimento “staccato da terra” che da Canterbury dipanava la sua tela magica astrale e in conflitto con il mondo restante del rock.

Trespass” è il risultato pratico di quella teoria progressive che non cercava il “consenso di base” piuttosto la velleità illuministica “dell’elevazione elettiva” della musica verso l’opera irraggiungibile, il summa del suono, l’apoteosi della lirica. Ed è anche il disco che apre ai Genesis la strada futura che li porterà tra i grandi Cattedratici del genere.Con Peter Gabriel alla voce, Anthony Phillips chitarre e voce, Anthony Banks tastiere, voce, mellotron e pianoforte, Michael Rutherford chitarre, basso, violoncello e John Mayhew batteria e percussioni, i Genesis sono pronti a spiccare il volo e lo fanno con i lunghi minutaggi delle suites e delle complessità variabili dei toni in quest’album che fa da anello di congiunzione ad un’ancora filatura psichedelica che si spalma sui landscapes neoclassici, su cui le mirabolanti  soggettazioni di Gabriel spandono eclettiche quanto favoleggianti scene miracolistiche.

I Camel, gli Yes e Gentle Giant, altri capisaldi del progressive del  nuovo stampo britannico a divenire, sentono nei Genesis l’arrivo di un gruppo che non solo mina i loro territori d’azione, ma vedono nell’espressionismo carismatico di Gabriel e del suo perfettismo nel calarsi “anima e corpo” nelle storie che canta, “illustra” e dipinge, l’alter ego, l’affresco umano che potrebbe oscurare l’immortalità – intesa come veicolo fantasmagorico – delle loro epiche egocentriche, l’incomodo teatrante a smascherare con un’altra maschera “i trucchi” di un suono che non resta lì, ma lievita ad alte quote. E la guerra “tra bande” si aguzza fino a portare sulle scene una gara tipo: “ chi è il più maestoso (scenicamente) del reame ?”. Il disco è pura espressione espansa d’emozioni, forte di un songwriting colto e sognante, libero come l’aria e ricco di strutture timbriche e melodie che catalizzano subito l’attenzione della critica sul quintetto inglese; stupendi i passaggi di tastiere, calde e fredde di Banks che sposano i macramè di flauto di Gabriel Looking for someone, White mountains, di velluto l’eleganza e la finezza corale di Vision of angels, acuta e impreziosita dai rubini acustici di Rutherford l’efficace turbativa emozionale di Stagnation.

Forse in Dusk e The knife, il velo d’ombra e l’inaspettata scossa elettrica alla ELP che le spazza non sono proprio in linea con la geometria dell’intero disco, ma qui stiamo parlando dell’iniziazione di una band e certi “peccatucci” non sono mai un difetto, ma da vedere come nei di bellezza votata alla classe. E’ solo l’inizio della fantastica storia dei Genesis, ne seguiranno puntate che rimarranno stelle inchiodate tra i cieli di Canterbury; il progressive d’ora in avanti ha la sua eccellenza in più da badare e della quale fregiarsene fanaticamente.

 

Tracks list

Looking for someone
White mountain
Visions of angels
Stagnation
Dusk
The kinfe

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Mark Lanegan Band – Blues Funeral

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Ci aveva lasciato con Bubblegum nel 2004, otto anni d’altro in cui Mark Lanegan ha frequentato altre piste sonore, si è dato a nutrire amicizie collaudate e collaborazioni musicali lasciandosi alle spalle le sue ombre, l’alito alcolizzato ed il puzzo di nicotina come preso da un’ossessione di uscire dal seminato per far perdere le sue tracce da uomo dannato; poi il ripensamento, la voglia di tornare a scrivere di pugno la summa di queste nuove esperienze e le circoscrive in Blues Funeral, l’album del ritorno sulle scene nella morfologia come lo avevamo conosciuto, bello e dannato con i suoi fantasmi blues, le nevrosi rock e appeso ad una voce che fa salire e bollire il sangue come in un tino di mosto eccellente.

Nessuna trasformazione, nessuna sopravvivenza al tempo che scorre, solo un’ombra che si riforma per seppellirti d’eccellenze musicali floreali (già la cover è un preludio al divino fango in cui quei fiori hanno gli steli infilzati) e per condurti nel fondo delle sue stanche umane, senza maschere, parti o copioni da riassumere, Lanegan ama sempre la sua solitudine ma ha imparato a spalancare i suoi vizi al mondo, ci aggiunge un’ elettronica dosatissima e ci ospita  negli androni delle sue storie affaticate e splendide; un artista che è uscito dagli anni novanta col coraggio, da sempre nella maledizione umana delle grandi firme americane e presente nell’oggi con una forza malata che lo contraddistingue tra le poetiche più diverse e lo trascina a rappresentare ovunque quell’anima selvaggiamente irsuta che commuove e fa incazzare.

L’ex voce degli Screaming Trees, accompagnato da Greg Dulli, Josh Homme e Jack Irons e prodotto dal californiano Alain Johannes, srotola ben dodici tracce avvinazzate, laide di poemi e sguardi in tralice che tradiscono una vena – non più sclerotica – che pare sorridere sotto i baffi durante i resoconti sonori che passano uno dietro l’altro; orecchie dritte sui paesaggi oscurati che cadono in “Gray goes black”, sopra la magrezza intima ed acustica di “Deep black vanishing train”, il mantello wave che ricopre “Ode to sad disco”, i riff roboanti che graffiano “Ryot in my house”, “The gravedigger’song”, ed il blues denutrito ed impossessato che  si fregia in “Bleeding Muddy Waters”.  

Tutto quello che rimane intorno è vita vissuta fino alla ghiandole dello spirito, un Lanegan che muore e rinasce nello stesso momento che un brano finisce ed un altro che si fa avanti senza chiedere mai permesso.  

 

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Onirica – Com’e bella la mia gioventù

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Una piccola boccata d’ossigeno, finalmente una disco pop-rock che suona e parla “serio” nell’indie con un calore tutto vintage, profondo e libero da tutti quegli amori sfigati, di quelle belle che gira gira comunque non te la danno o appuntamenti buca con incazzatura inclusa, un disco che man mano srotola la sua tracklist rilascia storie, parole, ritmi nell’onestà di nessun costrutto strategico, con nessun abile sotterfugio che tenti di toccare le corde della mediocrità, ma una serena accettazione riflessiva di quello che succede o succedeva dietro gli angoli di vita.

Com’è bella la mia gioventù” è l’esordio dei campani Onirica, disco di suggestioni e pezzi di vetro che arrivano e si conficcano nell’animo come confidenze di un miglior amico, ricchissimo di pathos e straordinariamente bello nel tono da “ti racconto io com’è la vita”, quel simbolismo che raggiunge livelli alti come un depositario delle verità intime, umane.

Dieci istantanee che fulminano le immagini, uppercut e carezze, lividi ed ironia sono le casse di risonanza di un registrato che arriva anche ad emozionare in certi picchi lirici come lo squarcio su PasoliniGiulia GT” o il ricamo di corde acustiche che cade sul buio di una generazione e i veleni di Sindona e Gelli Canzone per papà”; un album che raccoglie in se un universo sonoro variegato, ma mai confuso, con un unico comune denominatore; raccontare immagini e realtà di ieri che poi sono quelle d’oggi e di domani, canta d’idee e occhiate che spesso vogliamo nascondere come il controtempo che beccheggia sulle differenze razziali “Pied-noir”, il ritmo carrettero che sottolinea i problemi delle morti sul lavoro “Macchine”, il No alla guerra “La preghiera del presidente” e i ricordi della guerra che poi in verità non è mai finita, seguita a vomitare ingiustizie, odi e rancori come una porta socchiusa ma mai chiusa del tutto “La guerra è finita da vent’anni”.        

Canzone d’autore e pop si mischiano in continuazione, elettricità e acustico danzano insieme in questa bellissima rappresentazione di “bellezza” suonata, sempre in sintonia tra realtà e grammi d’immaginario che – una volta assemblate insieme –  si fanno chiodo fisso di un benessere che ti entra in circolo e ti fa suo per una giornata intera “Una coppia”.

Onirica: non lasciamoceli sfuggire. 

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“Diamonds Vintage” Siouxsie and the banshees – Juju

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Le continue invenzioni in termini di look e di comportamento fanno degli anni 80 un turbinio d’elementi essenziali della mitologia punk; Siouxie and the Banshee ne sono l’esponenzialità acuta e oscura, un tetro e bel connubio tra E.A.Poe e oltraggioso potere, in cui la scena inglese alternativa si rotola avidamente.Dopo i necro-fasti del precedente Kaeidoscope (1980), e in seguito ad un forzato stop causa defezioni clamorose nella band originale, Susan Janet Dallion in arte Siouxie, John McGeoch alla chitarra, Steven Severin al basso e lo stravagantissimo Peter “Budgie” Clark – ex Big In Japan e Slits –  alla batteria, danno fuoco alle micce, sotto consiglio amichevole di Robert Smith dei Cure, al quarto album della loro lugubre e fortunata carriera, Juju, uno dei vertici assoluti dell’arte visionaria di Siouxie.

E’ il disco che – per la primissima volta – presenta alcuni squarci nelle atmosfere oppressive e plumbee degli esordi, mettendo definitivamente in luce una Siouxie padrona della sua calda voce ed evocativa; e allineandosi alla nuova corrente del punk più sottomesso alle nebulose darkeggianti – che già sta portando nuovi illustrazioni sonore come giovanissimi Cure, Sister of mercy e Bauhaus – la band inglese si distende in sonorità malinconiche e tristi, depressioni stupende dettate dagli Joy Division, dei quali SETB ne aspireranno linfa vitale per tutta la loro carriera.Dunque linee di basso compressate, chitarre drogate d’acido e anfetamina, i menzionati Joy Division che barcollano visionari in Sin in my heart, e percussioni ossessive che cingono strette Halloween, Monitor ed Head cut; l’ombra della poetessa noir Patti Smith volteggia nell’aria, dove anche un sensoriale groove orientale padroneggia nelle retrovie sonore dell’intera track list, ma principalmente nella traccia Arabian knights, anticipazione “mediorientale” di un fermento che guarderà oltre confine dalla metà degli anni 80 fino alla fine.

Magnifico disco che tocca le sperimentazioni innovative e prende ancora risorse dai terreni malsani del punk, un banco di prova che consolida il marchio Siouxie and the Banshee tra i favori di un pubblico vastissimo e amante del nero come colore primario delle destrutturate asocialità della vita.

 

Tracks

Spellbound
Into the light
Arabian Knights
Halloween
Monitor
Night shift
Sin in my heart
Head cut
Voodoo Dolly

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Fabrizio Cammarata & The Second Grace – Rooms

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Per una volta tanto gli Americani potrebbero invidiarci e mordere il gomito quando si ha dentro le orecchie un disco come questo “Rooms” di Fabrizio Cammarata & The Second Grace, l’artista palermitano che, col suo progetto TSG dentro questo nuovo lavoro discografico ricamato di pregevole nu-folk meticciato, apre definitivamente le ali e intraprende – come un novello Lindbergh – le direttrici sonore dell’Alt America, lasciando qua e la  qualche pulviscolo mediterraneo tanto per ricordarsi la base di partenza, la radice profonda che lo ha visto diventare artista.    

Prodotto da JD Foster, registrato tra Sicilia, New York e Portland e che vede la collaborazione di Jairo Zavale e Joey Burns – voce e chitarra dei Calexico – il disco è una meraviglia d’intenti e sensazioni, che vive al di la dell’oceano, lungo gli sterrati amarodolci della provincia americana tra West e allucinazioni , carribotte e saguari ingialliti, tracce che ti rigano il plesso solare e t’innalzano la frenesia di possedere questi “frammenti aperti” che Cammarata evoca, doma e regala; via le mezze misure, si può parlare liberamente d’incanto, si incanto spalmato su undici tracce dalle molteplici direttrici ed equilibri poetici, “stanze” che si aprono e chiudono come mantici d’anima  e storie polverose.

Un disco che è omaggio alla magia della scrittura e del talento immaginario, Cammarata strega a tutti gli effetti con una chitarra e mille ispirazioni di gruppo, forte della sua non locazione artistica e guerriero tra gli interstizi dell’umanità di seconda; e aspettando che l‘intero lotto prenda la strada alta di un futuro prossimo, andiamo incontro a queste eccellenze di linguaggi che si portano avanti con il dondolante macramè esotico di “Alone & alive”, arrivano dal cuore strappato dal petto dalla ballata “Aberdeen Lane”, si nascondono tra  archi e Donovan che languiscono tra le schiume calme di “Down down”, rinvengono nella beatlesiana risonanza di “Pole kitoto” o nell’ubriacatura tubolare che stringe il cielo e lo trasferisce in climax mex-carribean “Highlake Bay”, il tutto senza mai approfittare di vuoti e silenzi.

Si, gli Americani  potrebbero una volta tanto invidiarci maestosamente, e la benedizione di Drake aggiunge quel segno in più che serve per estrapolare la sofferenza poetica dal fascino.  Prezioso come pochi.     

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Nordgarden – You gotta get already

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Tarje Nordgarden è l’artista Norvegese che a trovato l’America in Italia; non è un’illazione progettata ma pura e veritiera constatazione giacché il cantautore ha sempre mirato le sue coordinate vitali nel nostro paese ed oramai fa parte quasi dell’architettura artistica adottiva che l’underground nostrano da tempo va effigiandosi orgogliosamente; “You gotta get already” è la nuova macchina sensoriale che l’artista mette in campo, un  immaginario di folk umorale, soul looner e romanticismo decadente che si pasce deliziosamente di un’Americana slowy che è – in definitiva –  una scelta artistica ben definita, quel candidamente “sorpassato” che fa tanto, ma tanto freschissimo e di primo taglio.

L’artista gode ormai di un nutrito seguito, moltissimi godono del suo suono e della sua timbrica “di frontiera”, del suo accattivante “comunicare” in espansione, un mestiere – il suo – costruito dopo innumerevoli viaggi, sogni e concretezze, e le sue composizioni,   anche se potrebbero suonare uguali, nell’insieme funzionano a meraviglia, e quindi, il problema che certi detrattori cercano di lanciare non si pone minimamente; dieci tracce che posseggono quella bella liquidità stilistica che certamente non si confà per orecchie blindate, leggeri tocchi easy di chitarra sausalita “Leaving”  contornano quella dolce propensione all’essenzialità, fuori dei marchingegni complessi  e dentro quella forbita capacità di andare a “zonzo” per stili e modulazioni, vicino al blues, al fianco del country carrettero “Schiphol blues” ed un passo avanti del soul “Fool to let you go” e del rhythm & blues “You gotta get ready”.

Un disco che ha la faccia a metà tra il nero ed il bianco, senza dualismo, in perfetta armonia e sincrono con lo spirito acustico di chi viaggia col corpo e con la mente, con derive nel musical step “These lovesick blues” e magnifici atterraggi sopra le ali della solitudine SpringsteenianaSome work on you” e delle lacrime Southern Hiattiane che in “Why would she go” lasciano il segno della vertigine; Nordgarden  anche in questo giro da una grande lezione d’arte cantautorale, arte che fa nascere e mantiene in vita tra le trappole dell’esperienza come un coyote solitario, slide e arpeggi, dondolii e armoniche, piani cristallini e il tremore ricostituito di Buckey Jr fanno compagnia a questa poesia composita racchiusa dentro un cerchio plastificato, dentro un cd innalzato a capolavoro dal sangue vintage.

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Arturocontromano – Quello che ci resta

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Della serie “come con pochi elementi/ingredienti si può tirare fuori un pranzetto niente male”, dalla Torino dei Murazzi e del coloratissimo Balon arrivano gli Arturocontromano, combo musicale con dodici anni di mestiere musicale sulle spalle, e con loro il terzo disco, sgargiante e meticciato “Quello che ci resta”, dodici traiettorie che spaziano tra rock, pop e un frullato di stilemi che, anche se non inventano nulla, sicuramente non annoiano l’orecchio e tanto meno assillano l’anima, si fanno ascoltare come un bel raggio di sole che fa cucù all’improvviso in una giornata traballante, incerta, uggiosa.

Il sestetto Piemontese cuce un disco che suona come un classico, ma ha un portamento strano, profondo ed impegnato nelle liriche, attraversato non da quei non pensieri “vuoti a rendere” innocui che purtroppo intasano la musica dell’ultima ora, ma da un’autorevolezza intelligente e attenta su quello che vive intorno al giorno, dentro l’anima e fuori, dietro l’angolo, un’inquietudine sana che porta emozione e pathos tra elettricità e cortocircuiti personali. 

Con lo spiritello di un Rino Gaetano che sorride e s’incazza qua e la lungo le ramificazioni della tracklist, il disco scorre limpido e squillante, abbondantemente musicale e vero, una forza interpretativa che abita in un mondo reale, con quella buona salute che hanno solamente quei dischi che “dicono qualcosa” senza perdersi nel nulla; è musica ideale per riflessioni e rotte soniche da attenzionare, come le incandescenze rock sulle pagine di una vita tutta uguale “E’ ancora mattino”, la circospezione di un viaggio irraggiungibile “Mare ovunque”, la funkadelica che sbatte forte nel “Il paese del terrore”, lo swing latin che circuisce movimenti e lontananze “Insegnava a volare”, l’atmosfera urbana che annebbia le tinte pastello della ballata “Tramonto” o, per tornare all’inizio di questa bella storia, i resoconti notturni di chi il sonno lo ha venduto non per soldi ma per bugie “Bugie notturne”.

Si un “pranzetto niente male” quello apparecchiato dagli Arturocontromano, la loro musica che vive di chiaroscuri intriganti  che va molto oltre la giostrina delle somiglianze, e poi perché la semplicità già si premia da se, ma principalmente funziona perché –  a capo di tutto – ci sono due cose molto, ma molto importanti: stoffa e testa!

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Muleta – La Nausea

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Con lo zampino di Giorgio Canali alla produzione, il più del lavoro sembrerebbe fatto, ma non è tutto cosi semplice come si vorrebbe, o almeno a sentire questa godibile terra di mezzo tra  punk-rock di penna e pop smaliziato chiamata “Nausea” dei veneti Muleta, la maggior parte della tempra viene sicuramente dalla forza caratteriale di questa formazione che fa capire bene dove vuole arrivare e attraversare col suo linguaggio elettrico e commisto, un bilanciamento trasversale che dal primo ascolto da un risultato ragguardevole, di loud sugli alti livelli.

Otto tracce a disposizione per chi adora lo scavare dentro, lontano da quelle soluzioni prevedibili con pretese alternative e con quella pochissima indulgenza a farsi disco pacioccone, teen, otto tracce che potranno fare dei Muleta gli alfieri splendidi della  prossima spasmodica generazione rock; una nausea questa che attira, lacera e riaggiusta l’anima, una passione bruciante, una diabolica gemma sempre in equilibrio sui fili di una tensione che può esplodere da un secondo all’altro, con quell’alito cantautorale che ricorda – per affinità vocale e atmosferica – le ballate dolci/scorbutiche del primo Bennato La nausea”, “Dino”, “Con i vermi”.

Il debutto di questa band è una bella sorpresa, una piccola indipendenza che ha coraggio da vendere e da insegnare, una ventata d’aria fresca ed elettrica che rigenera l’orecchio, una poetica maledetta che ha anche i suoi momenti che fanno incazzare le pedaliere “Ehi” e torturano il sistema nervoso di un lontano Umberto Palazzo ed il suo Santo Niente Invece no”; i Muleta,  con una line-up in cui gravitano Enrico Teno Cappozzo voce, chitarra, Davide Scapin chitarra, Giulio Pastorello batteria, e Marco Zennari fonico live, danno fiducia e c’è da stare tranquilli per un po’, perché  il rock underground pare si stia rifacendo il tono ed i carboidrati energetici tosti, loro reggono il passo a tante fibrillazioni minori, a tanti entusiasmi interrotti, e quest’Ep di “presentazione” ha il pedigree giusto dell’irresistibile.

Un miracolo sincero che porta ad ebollizione le nuove aspettative del sangue rock.       

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